1. Misteri i Rusisë në fund të shekullit të 20-të. Dekada e fundit e shekullit të 20-të në Rusi ishte e mbushur me masa politike dhe ekonomike që ndryshuan rrënjësisht situatën në vend. Shpërbërja e Unionit në 1991 dhe një ndryshim në kursin politik, një tranzicion në inputet e tregut dhe një orientim i qartë drejt një modeli përpara të zhvillimit ekonomik, rregullime, dobësim, madje deri në pikën e shtrydhjes plotësisht, kontrolli ideologjik - i gjithë çmimi në fillim të viteve '90 ishte për atë që ishte kulturalisht Mesi filloi të ndryshonte me shpejtësi. Liberalizimi dhe demokratizimi i vendit kanë çuar në zhvillimin dhe formimin e prirjeve të reja dhe ndikimeve të drejtpërdrejta në mistikën historike. Evolucioni i artit në vitet 1990 në Rusi rrjedh nga prirja në zhvillim e atyre në pushtet drejt postmodernizmit, nga shfaqja e një brezi të ri artistësh të rinj që punojnë në drejtime të tilla si. konceptualizëm, grafikë kompjuterike, neoklasicizëm lidhur me zhvillimin e teknologjive kompjuterike në Rusi. Pasi doli nga eklekticizmi klasik, "neoklasicizmi i ri rus" u bë një "diamant i pasur", duke përfshirë në vetvete drejtime të ndryshme që nuk ishin të pranishme para "klasikëve" para epokës së modernizmit. Neoklasicizmi- Kjo lidhet drejtpërdrejt me misticizmin, në të cilin artistët ringjallin traditat klasike të pikturës, grafikës, skulpturës dhe në të njëjtën kohë përdorin në mënyrë aktive teknologjitë e reja. Historian dhe teoricien britanik i misticizmit Edward Lucy Smith duke e quajtur neoklasicizmin rus "manifestimin e parë të mrekullueshëm të kulturës ruse, që ka ndikuar në procesin artistik botëror pas Kazimir Malevich". Neoklasicizmi ndërthur diçka ndryshe, klasicizëm më të ulët, të vendosur përpara antikitetit. Pikëpamja historike e kulturës greke, ndërsa krijimi i lashtë bazohej jo në një ideal historik absolut, por në një ideal historik konkret, trashëgimia e grekëve lindi një kuptim tjetër: në misticizmin e lashtë, nuk ishte normativiteti që erdhi në para, por liria, kuptimi i rregullave etj. Që tani e tutje do të bëhet kanun, jeta reale e njerëzve. D.V. Sarab'yanov njohin neoklasicizmin me modernitetin e tij “të ndërlikuar”. Megjithatë, neoklasicizmi mund të ndikohet si nga moderniteti i vonë ashtu edhe nga vetë ai drejtpërdrejt. Krijimtarisë së “artistëve të rinj” i mungon moderniteti dhe neoklasicizmi i pastër, ato janë gjithmonë të ndërthurura, artistët e akademisë së re bashkuan disa rryma në misticizmin imazh-krijues: avangardë, postmodernizëm, klasicizëm në hapësirat e hapura të “artit të kolazhit”. " Puna e "artistëve të rinj" është eklektike, duke përfshirë grafika kompjuterike, gravurë, pikturë dhe fotografi. Artistët i transferuan krijimet e tyre në formatin dixhital, panë fragmentet e nevojshme dhe krijuan kolazhe, kostume dhe dekor të përditësuar me mjeshtëri të kohëve më parë. Kombinimi i metodave tradicionale me aftësitë e programeve grafike kompjuterike ka zgjeruar potencialin krijues të artistëve. Nga materiali i skanuar u mblodhën kolazhe, u shtuan efekte speciale artistike, të deformuara, duke krijuar kompozime iluzore. Përfaqësuesit më të bukur të neoklasicizmit të Shën Peterburgut nga fillimi i viteve '90 O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobistin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoklasicizmi Toberluts Kjo është një nga manifestimet e romantizmit. Krijimet e tyre duket se nxjerrin në pah njerëzit, botën, fisnikërinë, të cilët janë varrosur dhe brutalizuar në një ideal të pavdekshëm . Vetë artistja bëhet heroina e krijimeve të saj. Pas stilit, krijimtaria e O. Toberluts mund të identifikohet si neoklasicizëm, duke kaluar nëpër stilin postmodernist, si një botë eklektike, e cila përshkruan tempujt e lashtë, ambientet e brendshme të Rilindjes, mijëvjeçarët holandezë dhe kostumet e stilistit K. Honch Rova si një prekje të pranisë. Mundësitë e pafundme të grafikës kompjuterike u japin robotëve të O. Tobreluts një cilësi fantastike dhe të mbinatyrshme. Për ndihmë shtesë me teknologjitë kompjuterike E. Sheff Ajo kthehet në Greqinë e lashtë, pastaj në Romën e lashtë, duke krijuar imazhe të mitologjisë antike në kolazhe. Në serial "Mitet e Ludwig" Artisti bëri fotografi të skulpturave greke, sporeve arkitekturore dhe i mbushi ato me efekte të lashta. Me ndihmën e teknologjive kompjuterike, artisti rikthen gjendjen e pacenuar të Koloseut duke kryer turne mahnitëse në të. Pikturë dixhitale ShutovësËshtë ekuivalenti emocional i humbjeve tuaja numerike. Këtu mund të gjeni klasike greke, piktura etnografike, si dhe elemente të subkulturës rinore. Prandaj, mund të konkludohet se fundi i shekullit të 20-të ishte një pikë kthese jo vetëm në jetën politike dhe ekonomike të Rusisë, por edhe në histori. Në vitet 1990, u hodh një direktivë e fortë në mistikën e krijimit të imazhit të "neoklasicizmit të ri rus". Zhvillimi i teknologjive kompjuterike në Rusi ka zgjeruar potencialin krijues të artistëve, artistë të rinj, duke përdorur teknologji të reja, kanë krijuar vepra klasike. Golovne nuk ka të bëjë me teknikën apo teknologjinë, por me estetikën. Classic mozhe buti suchasne mystetstvo. 2. Misteri i Rusisë deri në fillim të shekullit të 21-të. E veçanta e artit krijues në kapërcyellin e shekujve 20-21 është se ai u bë rezultat i shtypjes së censurës, si rezultat i fluksit të pushtetit, dhe jo si rezultat i ekonomisë së tregut. Duke qenë se kohët e fundit artistëve profesionistë u është dhënë një paketë garancish sociale, pikturat e tyre janë blerë nga ekspozitat dhe galeritë kombëtare, tani ata mund të paguajnë sigurimin pa burimet e tyre. Sidoqoftë, piktura ruse nuk ka vdekur dhe nuk është shndërruar në diçka të ngjashme me misticizmin evropian dhe amerikan; ajo vazhdon të zhvillohet në bazë të traditave ruse. Misticizmi i përditshëm ekspozohet nga galeritë e misticizmit bashkëkohor, koleksionistët privatë, korporatat tregtare, organizatat kombëtare të artit, muzetë e mistikës bashkëkohore, studiot e artit ose artistët në hapësirën e drejtuar nga artistët. Artistët e sotëm marrin mbështetje financiare për grante, çmime dhe çmime, si dhe fitojnë para nga shitja e veprave të tyre. Praktika ruse po bëhet gjithnjë e më e vështirë për këdo që ndihet kështu. Muzetë, bienalet, festivalet dhe panairet e mistikës së përditshme po bëhen gradualisht mjete për të mbledhur kapital, investime nga biznesi i turizmit dhe pjesë e politikës së qeverisë. Koleksionistët privatë po derdhen tashmë në të gjithë sistemin e misticizmit të përditshëm. Rusia ka një nga koleksionet më të mëdha të misticizmit të përditshëm, muzeun e pavarur të misticizmit të përditshëm Erarta pranë Shën Petersburgut. Udhëzime për mistikën e realitetit: Jo-mister jospektakolar- drejtpërdrejt nga mistika e sotme, që nxjerr në pah pamjen dhe teatralitetin. Një shembull i një misticizmi të tillë është performanca e artistit polak Pavel Althamer Script Outline, në ekspozitën Manifesta në 2000. Rusia ka versionin e saj të mistikës jospektakolare, duke pasur Anatoli Osmolovsky Arti i rrugës(anglisht) Art rruge- misticizmi i rrugës) - misticizëm figurativ, rëndësia e të cilit është shprehja më e ndritshme e stilit urban. Pjesa kryesore e artit të rrugës është grafiti (aka spray art), por është e pamundur të kuptohet se arti i rrugës nuk është grafit. Arti i rrugës përfshin gjithashtu postera (jo komerciale), shabllone, instalime të ndryshme skulpturore etj. Në artin e rrugës, detajet e lëkurës, kokrra, nuanca, ngjyra, linja janë të rëndësishme. Artisti krijon logon e tij të stilizuar - një "shenjë unike" që e përshkruan atë në peizazhin e tokës bujqësore. Gjëja më e rëndësishme për artin e rrugës nuk është të përvetësojë territorin, por ta shtyjë shikuesin të përfshihet në dialog dhe të tregojë një program tjetër komploti. Dekada e ardhshme nënkupton një shumëllojshmëri drejtimesh që merr arti i rrugës. Ndërsa u qajnë brezave të vjetër, shkrimtarët e rinj kuptojnë rëndësinë e zhvillimit të një stili të fuqishëm. Ky është rendi i instalimeve të reja që do t'u dorëzohen rrënojave të shumë ditëve të ardhshme. Forma të reja të larmishme të artit të rrugës së shpejti do të përmbysin në shtrirjen e tyre gjithçka që është krijuar më parë. Aerografia - Një nga teknikat e pikturës së artit krijues të imazhit është se furça e ajrit vikor përdoret si një mjet për të aplikuar barberry të rrallë ose pluhur duke përdorur një ajër të ngjeshur në sipërfaqe. Ju gjithashtu mund të përdorni një kanaçe të ndryshme spërkatëse farbe. Në lidhje me zgjerimin e gjerë të airbrushing dhe shfaqjen e një numri të madh të pëlhurave dhe depove të ndryshme, airbrushing krijoi zhvillime të reja në zinxhirin e furnizimit. Furça e ajrit mund të përdoret për krijimin e pikturave, retushimin e fotografive, taksiderminë, modelimin, pikturimin e tekstileve, pikturimin e mureve, artin e trupit, pikturimin e thonjve, lyerjen e suvenireve dhe lodrave, lyerjen e enëve. Përdoret shpesh për aplikimin e detajeve të vogla në makina, motoçikleta, pajisje të tjera, në printim, në dizajn, etj. realizmi i imazhit të përmbajtur, imitimi i një teksture të ashpër për lëmimin ideal të sipërfaqes.
Këto janë gjërat me të cilat duhet të zënë seminaristët;
Tema 1. Konceptet themelore të shkencës mistike dhe historia e njohurive mistike.
Ushqimi:
1. Problemi i klasifikimit të llojeve të mistereve.
2. Koncepti i “tvir mystetstva”. Krijimi artistik Viniknennya dhe zavdannya. Tvir dhe misticizëm.
3. Thelbi, qëllimet, misteret.
4.Funksionet dhe misteret shqisore.
5. Kuptoni "stilin". Stili artistik dhe koha.
6. Klasifikimi i mistereve.
7. Historia e fajit dhe formimi i shkencës mistike.
Ushqimi për diskutim:
1. Shiko 5 kuptimin e misticizmit. Çfarë ka të përbashkët lëkura me to? Çfarë qëllimi po kërkoni? A mund të formuloni misionin tuaj përfundimtar?
2. Cili është qëllimi i misticizmit?
3. Si mund të përcaktohet vlera e misticizmit? Si të shprehet "krijimtaria misterioze" dhe "krijimtaria artistike"? Shpjegoni procesin e krijimit artistik (për I. Ten). Kush e zotëron thesarin e krijimit artistik (pas P.P. Gnedich)?
4. Rishpikni 4 funksionet kryesore të mistikës (për I.P. Nikitina) dhe
Arsyet e mundshme për ndjenjën e mistikës.
5. Ndjenja e rëndësishme e "stilit". Çfarë stilesh njihni në misticizmin evropian? Çfarë është “stili artistik”, “hapësira artistike”?
6. Ndrysho mendjen dhe ma jep mua Përshkrim i shkurtër llojet e mistereve: hapësirë, kohë-orë, hapësirë-orë dhe misteret e specieve.
7. Cila është lënda e studimit të historisë së misticizmit?
8. Cili mendoni se është roli i muzeve, ekspozitave, galerive dhe bibliotekave për studimin e historisë kulturore?
9. Veçoritë e mendimit antik për misticizmin: Informacion i ruajtur për imazhet e para të letërsisë për misticizmin (“Kanonet” e Polikletit, traktatet e Durisit, Ksenokratit). “Topografik” drejtpërdrejt nga letërsia për misticizmin: “Përshkrimi i Hellas” nga Pausanias. Përshkrimi i veprave artistike të Luçianit. Koncepti pitagorian i "hapësirës" si një tërësi e rreptë, e renditur nga ligjet e "harmonisë dhe numrit" është gjithashtu i rëndësishëm për fillimin e teorisë së arkitekturës. Ideja e rendit dhe proporcionit në arkitekturë dhe vende. Imazhet e një vendi ideal në veprat e Platonit (libri i tij "Ligjet", dialogu "Critius") dhe Aristoteli (libri i tij "Politika"). Një mister i thellë në Romën e Lashtë. "Historia natyrore" nga Plini Plaku (shekulli I pas Krishtit) si burimi kryesor i informacionit mbi historinë e mitologjisë antike. Traktati i Vitruvit: një paraqitje sistematike e teorisë klasike arkitekturore
10. Pjesa e traditave të lashta në mesjetë dhe veçoritë e mesjetës për misticizmin: Pikëpamjet estetike të Mesjetës (Augustini, Homa Aquinas), një ide e qartë estetike: Zoti është një trup i bukurisë (Augustini) dhe këto. janë implikimet për teorinë dhe praktikën artistike. Ideja është "prototip". Veçoritë e letërsisë së shekullit të mesëm për misticizmin. Libra referencë praktiko-teknologjike, të bazuara në recetë: “Arti i piktorëve” nga mali Aphaon nga Dionisius Furnagrafiot, “Për Farbis dhe Misteret e Romakëve” nga Herakliu, “Schedula” (Schedula – Dishepuj) nga Theophilus. Përshkrimi i monumenteve arkitekturore në kronikat dhe jetën e shenjtorëve.
11. Rilindja është një pikë kthese në historinë e zhvillimit të misticizmit dhe shkencës mistike evropiane. E sapo ngritur në antikitet (vintage i monumenteve të antikitetit). Zhvillimi i botëkuptimit laik dhe shfajësimi i shkencës eksperimentale. Formimi i prirjes për interpretimin historik dhe kritik të manifestimeve të misticizmit: "Komentarë" nga Lorenzo Ghiberti Traktat mbi ushqimin e veçantë - vendin e jetës (Filarete), përmasat në arkitekturë (Francesco di Giorgio), perspektivat e pikturës (P'ero pyesni Françeskën). Kuptimi teorik i pikës kthese të Rilindjes në zhvillimin e misticizmit dhe dëshmia e transformimit humanist të dekadencës antike në traktatet e Leon Baptiste Alberti ("Rreth statujës", 1435, "Rreth pikturës", 1435-36, "Rreth arkitekturës". ”), Leonardo da Vinci (“Kamion”), bot. pas vdekjes), Albrecht Dürer ("Katër libra për përmasat e njerëzve", 1528). Kritika e teorisë arkitekturore të Vitruvit në "Dhjetë libra mbi arkitekturën" (1485) nga Leon Baptiste Alberta. Vitruvian "Academy of Valor" dhe aktivitetet e saj bazohen në interpretimin dhe përkthimin e veprës së Vitruvian. Traktat nga Giacomo i Vignoli "Rregulli i Pesë Urdhrave të Arkitekturës" (1562). "Pak libra rreth arkitekturës" (1570) nga Andrea Palladio është një epilog klasik në historinë e arkitekturës së epokës së Rilindjes. Roli i Palladios në zhvillimin e ideve arkitekturore të barokut dhe klasicizmit. Paladianizmi dhe Paladianizmi.
12. Fazat kryesore të formimit të misticizmit historik në Orën e Re: nga Vasari te Winckelmann: “Jetët e piktorëve, skulptorëve dhe arkitektëve më të shquar” Giorgio Vasari (1550, 1568) si një hap përpara në historinë e formimit. të shkencës mistike. "Një libër për artistët" nga Karel Van Mander si një vazhdim i jetës së Vasarit bazuar në materialet e pikturës holandeze.
13. Mendimtarët e shekullit të 18-të për problemet e krijimit të stilit në misticizëm, për metodat artistike, vendin dhe rolin e artistit në martesë: Racionalizmi në misticizëm. Teoria klasike e Nicolas Poussin. Programi teorik për klasicizmin është në "Mistika poetike" nga Nicolas Boileau (1674) dhe "Biseda rreth piktorëve më të famshëm, të vjetër dhe të rinj" nga A. Feliben (1666-1688).
14. Epoka e Iluminizmit (shek. XVIII) dhe problemet teorike dhe metodologjike të misticizmit. Formimi i shkollave kombëtare në kuadrin e teorisë globale të misticizmit. Zhvillimi i kritikës artistike në Francë. Roli i Salloneve në jetën artistike franceze. Shikoni Sallonet si forma kryesore të letërsisë kritike për artin krijues. Mosmarrëveshje për veprën e kritikës së artit (vlerësimi i krijimtarisë dhe ndërgjegjësimi i publikut). Veçoritë e misticizmit gjerman. Një hyrje në teorinë e misticizmit të krijimit të imazhit nga Gotthold Ephraim Lessing. Traktati "Laocoon" (1766) është një problem midis pikturës dhe poezisë. Koncepti i "misticizmit imagjinativ" u prezantua për të zëvendësuar "mistikën e rafinuar" (duke transferuar theksin nga e bukura tek e vërteta dhe duke parë funksionin imazh-krijimtar-realist të misticizmit). Rëndësia e veprimtarive të Johann Joachim Winckelmann për zhvillimin e shkencës historike rreth misticizmit. Koncepti i Winckelmann-it për misticizmin e lashtë dhe periodizimi i zhvillimit të tij.
15. Derdhjet e misticizmit të mendimit të lig. Lajme rreth artistëve dhe monumenteve artistike në kronikat ruse të shekullit të mesëm dhe veprat epistolare. Katering rreth misticizmit në jetën pezull-politike të shekullit të 16-të. (Këshilli i qindrave i 1551 dhe këshillat e tjerë) si dëshmi e zgjimit të mendimit kritik dhe luftës kundër prirjeve të ndryshme ideologjike.
16. Një pikë kthese radikale në misticizmin rus të shekullit të 17-të: formimi i fillimeve të pikëpamjes laike dhe njohja e parë e formave evropiane të kulturës artistike. Formimi i mendimit artistik dhe teorik. Kapitulli "Rreth shkrimit ikonik" në "Jeta" e Avakum. "Tir rreth misticizmit" nga Yosip Volodimirov (1665-1666) dhe "Fjala për pikturën e ikonave relike" nga Simon Ushakov (1666-1667) janë veprat e para ruse mbi teorinë e misticizmit.
17. Formimi aktiv i formave të reja laike të kulturës në shekullin e 18-të. Shënime
J. von Stahlina është përpjekja e parë për të krijuar historinë e misticizmit rus.
18. Mençuria e re romantike në artikuj kritikë nga K.M. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbecker, V.F. Odoevsky, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.
19. Shkenca mistike e fundit të shekujve 19 - 20: Përpiquni të sintetizoni arritjet e shkollës formale me konceptet e kritikës - "shkencë strukturore" stilet artistike. Qasja semiotike ndaj shkencës mistike. Veçoritë e kërkimit semiotik në krijimin e artit krijues të imazhit në robotë Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, B.A. Uspensky. Shumëllojshmëria e metodave për hetimin e mistereve në shkencën moderne. Parimet e analizës së veprës artistike dhe një qasje problematike për hetimin e historisë së misticizmit midis paraardhësve të M. Alpatov (“Problemet artistike të mistikës së Greqisë antike”, “Problemet artistike të Rilindjes Italiane”). Sinteza e qasjeve metodologjike (formale-stilistike, ikonografike, ikonologjike, sociologjike) në Lazarev. Metoda historiko-historike e hetimit mbi veprat e D. Sarabyanov ("Piktura ruse e shekullit të 19-të midis shkollave evropiane. Dëshmi e hetimit historik"). Qasje sistematike ndaj mjeshtërisë dhe specialitetit.
1. Alekseev V.V. Çfarë është ky misticizëm? Për mënyrën se si bota përshkruhet nga artistë, artistë grafikë dhe skulptorë. - M.: Mistetstvo, 1991.
2. Valeri P. Rreth misticizmit. Mbledhja. - M.: Mistetstvo, 1993.
3.Vipper B.R. Paraqitja e mitologjisë historike. - M.: Obrazotvorche mystetstvo, 1985.
4.Vlasov V.G. Stilet e misticizmit - Shën Petersburg: 1998.
5. Zis A.Ya. Shihni mistikën. - M.: Znannya, 1979.
6.Kon-Wiener. Historia e stileve të mistikëve të krijimit të imazhit. - M.: Svarog i K, 1998.
7. Melik-Pashayev A.A. Fjalori i sotëm-redaktor i misticizmit. - M.: Olimp - AST, 2000.
8. Yanson H.V. Bazat e historisë së mistereve. - M.: Mistetstvo, 2001.
Tema 2. Misteri i Botës së Lashtë. Mistika e epokës së harmonisë së parë komunale dhe asaj të Lashtë.
Ushqimi:
1. Periodizimi i mistikës së martesës së parë. Karakteristikat e misticizmit parësor të dobisë: Paleoliti, Mesoliti, Neoliti, Bronzi.
2. Koncepti i sinkretizmit në misticizmin parësor, zbatimi i tij.
3. Ligjet dhe parimet e fshehura të mistereve të të Lashtës.
4. Misteri i Mesopotamisë së lashtë.
5. Misteri i sumerëve të lashtë.
6. Misteri i Babilonisë dhe Asirisë së lashtë.
Ushqimi për diskutim:
1. Jep një pasqyrë të shkurtër të periodizimit të mistikës parësore. Cilat janë veçoritë e veçanta të periudhës së lëkurës?
2. Përshkruani rreziqet kryesore të misticizmit primar: sinkretizmi, fetishizmi, animizmi, totemizmi.
3. Ndiqni kanunet e njerëzve të përshkruar nga krijimtaria artistike e kohëve të lashta (Egjipti dhe Mesopotamia).
4. Cilat janë veçoritë e mistikës imazhkrijuese të Mesopotamisë së Lashtë?
5. Flisni për arkitekturën e Mesopotamisë duke përdorur monumente specifike:
Zikkurta Etemenniguru në Ur dhe zikkurat Etemenanka në Babiloninë e Re.
6. Flisni për skulpturën e Mesopotamisë duke përdorur monumente specifike: muret e rrugës së Proceseve, porta e Ishtarit, relievet nga pallati i Ashurnasirpal
7. Cila është tema e imazheve të relievit skulpturor të Mesopotamisë?
8. Si quheshin monumentet e para arkitekturore babilonase? Yak bulo їх
njohje?
9. Cila është veçoria e kozmogonisë së kulturës sumere - akadiane?
10. Riinterpretoni arritjet e qytetërimit sumerio-akadian.
1. Vinogradova N.A. Misticizmi tradicional menjëherë. - M.: Mistetstvo, 1997.
2.Dmitrieva N.A. histori e shkurtër mistike VIP. 1: Nga kohët e fundit deri në shekullin e 16-të. Narisi. - M.: Mistetstvo, 1985.
3. Misteri i mbledhjes së lashtë (Monumentet e misterit të dritës). - M.: Mistetstvo, 1968.
4.Misticizëm Egjipti i lashte. Pikturë, skulpturë, arkitekturë, art të aplikuar. - M.: Obrazotvorche mystetstvo, 1972.
5. Misteri i botës së lashtë. - M.: 2001.
6. Historia e misticizmit. Qytetërimet e para. - Barcelona-Moskë: OSEANO - Beta-Service, 1998.
7. Monumente të misticizmit të lehtë. Numri III, seria e parë. Misteri i të Vjetërve në një kohë. - M.: Mistetstvo, 1970.
8. Pomerantseva N.A. Bazat estetike të misticizmit të Egjiptit të Lashtë. - M.: Mistetstvo, 1985.
9. Stolyar A.D. Udhëtimi i misticizmit imazh-krijues. - M.: Mistetstvo, 1985.
Shekulli i 20-të: nga avangarda në postmodernizëm." title="Pikturë ruse 20 shekulli: nga avangarda në postmodernizëm.">!}!}
Shekulli i 20-të është një orë tronditjeje, një tranzicion hyjnor i epokave. Duket se është e pamundur të heqësh qafe një goditje të lapsit, por jo... Si më parë, piktura u bë modë dhe doli jashtë.
Fillimi i një shekulli është një kërkim për forma dhe ide të reja. Shfaqen, zhvillohen dhe shfaqen avangarda, supermodernizmi, abstraksionizmi, realizmi socialist. Natyra hyn para brendësisë, dhe jeta e qetë del në ajër të hapur. 20
një shekull është një orë nga Boris Kustodiev, Kazimir Malevich, Kostyantin Yuon, Fjodor Reshetnikov.
Ozhe, avangardë ruse. Kalli është bërë.
Vetë termi "avangardë" do të thotë i avancuar, inovativ, i cili prish të gjitha lidhjet me të kaluarën. Avangardë ruse 20
vitsi – ky është forcimi i rrymave radikale të misticizmit artistik. Ka emra të ndryshëm në drejtime të ndryshme: futurizëm, modernizëm, art i ri, abstraksionizëm, konstruktivizëm, supermatizëm. Rebelimi në mistikë filloi pas revolucionit të parë rus, shkëmbinjtë kufitarë më parë 1914
- Zhvillimi dhe pjekuria progresive - më shumë se dhjetë vjet pas revolucionit.
Avangarda ruse ha orizin e mëposhtëm:
· Povna, kardinal vidmova nga e kaluara kulturore;
· Bashkimi i dy parimeve: rrënimit dhe krijuesit. Agresioni, revolucioni, shkatërrimi i koncepteve të vjetra për vlerat artistike, për përshkrimin e botës, njerëzve dhe energjinë krijuese të ndezur, shkatërrimi i gjërave të reja krijohet jo vetëm në pikturë - në të gjitha sferat e jetës.
Kur flasim për avangardën, është më mirë të kujtojmë Wassily Kandinsky. Kreativiteti juaj është në kalli 20
Një shekull është një gjë e vjetër, një festë e modernitetit rus, gjerman dhe disa prej printimeve popullore ruse ("Stroke of Life", "Kënga e Vollgës"). Me gurë ushtarakë dhe revolucionarë, Kandinsky krijon piktura të stileve të ndryshme. Pak më vonë - "Oval i bardhë" (1920) - një kanavacë simbolike abstrakte, ku ovali është shumë i ngjashëm me zemrën, me figura abstrakte, ku gjithçka është e dukshme. Shkruani lokale plotësisht realiste - Moskë. Sheshi Zubivska" (1916) dhe peizazhe që janë larg realitetit - "Moska. Sheshi Chervona” (1916).
Midis rrymave avangarde shihet supermatizmi i atij përfaqësuesi mjaft domethënës të atij teoricieni - Kazimir Malevich. Çfarë do të thotë supermatizëm? Në Malevich-in e famshëm, supermatizmi është faza përfundimtare e misticizmit, joobjektivitetit dhe veçantisë së artistit. Dhe termi ka ngecur fort në lidhje me kanavacën me abstraksione gjeometrike ("Kryqi i Zi", "Sheshi i Zi" në një afid të bardhë). Pra, emri iu caktua pikturave të tilla, megjithëse artisti caktoi supematizëm dhe forma specifike, për shembull, piktura me figura njerëzore.
Revolucioni shpërtheu. Avantgardeizmi u ka mbijetuar shkëmbinjve të goditjeve dhe ardhjeve para perëndimit të diellit, dhe në pikturën ruse 20
Njëqind vjet më parë ka filluar një fazë e re. Në jetën e punës duhet të krijohet një estetikë e re e misticizmit imazh-krijues. Ky stil mban një emër që pasqyron emrin e epokës së re - realizmin socialist. Vera nuk është mes artistëve, por mes politikanëve.
“Përshkrimi i vërtetë i veprimit”, siç kërkoi partia, nuk ndihmoi shumë nga një orientim drejt traditës së pikturës akademike. Stili Mav svoi Risi:
· Heroizmi i luftëtarëve të revolucionit, udhëheqësve, figurave të mëdha, atyre që ndjekin masat e popullit;
· Realizmi, duke pranuar nevojën për të krijuar një temë në kanavacë në përputhje të saktë me një temë specifike në historinë e revolucionit;
· Heronjtë – punëtorë dhe fshatarë;
· Nuk ka të vërtetë të autorit - nuk ka të vërtetë partie, dhe është artisti ai që është fajtor për përforcimin, revolucionin, luftën, vdekjen e njerëzve - deri në të ardhmen e ndritur.
Megjithatë, është e pamundur të konfirmohet se social-realizmi nuk i përmbushi forcat e orës. Pra, kishte kontroll, presion ideologjik, ekonomik, fushata politike e kulturore. Është e vështirë për avangardën të mbajë pozicione kundër sundimit totalitar. Kanë ndryshuar si magazina e soditësve, ashtu edhe magazina e artistëve. Impiantet e palosshme, si rezultat i industrializimit, gjeneruan përpjekje të mëdha. Dhe ato mund të nxirren nga misticizmi, i cili tregoi: një person i thjeshtë mund të fitojë shumë, dhe ai është një hero i kohës së tij.
Kështu, realizmi socialist kishte dy prirje kryesore. Ndjenja e të parës ishte hiperbolizimi, referenca - ngjarje historike në shkallë të gjerë, heronj, udhëheqës - individët e parë të pushtetit të ri. Qendra e tjetrit është përditshmëria e një njeriu të zakonshëm.
“Vidliga” solli ndryshime në piktura. Natyra mitologjike e "jetës"-pranverës transferohet në rritjen e njerëzve, në fëmijëri dhe rini. Mjerisht, rinia nuk është tani bukuria e forcës fizike, as krenaria e fatit të luftimit dhe ekspozimit ndaj figurave të thyera atletike. Këta janë fëmijë dhe fëmijë të vegjël, hapni dritaren në diell.
"Jeta" ka marrë fund dhe pikturat ruse kanë marrë një "stili suvorian". Është e ngjashme me misticizmin artistik të “vidligës” dhe me socrealizmin e hershëm, i cili konsiderohet si një “marrëzi” nga bota e kaluar artistike.
· "Stili suvory" - eliminon iluzionet, pa mëshirë të vërteta, në të cilat nuk ka vend për mos-turbullirë fëminore. Nga pikturat u ngrit dielli dhe natyra, jeta nuk ka ku të falë gëzim - pa një robot.
· Heroizmi në këtë stil nuk është një aspekt fizik i një personi dhe një pozë e shkëlqyer. Ky është një tension i brendshëm, zusilya, pavarësisht se çfarë shikoni, duhet të jeni shumë të qetë, të tërhequr. Forca e trupit zëvendësohet nga forca e vullnetit (“Bodyvelniki Bratska” nga V.I. Popkov, “Eksploruesit polare”, “Luftëtarët e kafshëve” nga A. Smolin dhe P. Smolin).
· Kush bëhet hero? 20
njëqind? Një person pa moshë, status, pamje, nuk ka dëshirë për zhvillim shoqëror, jeta nuk mund të ndahet në private dhe publike. Të gjithë njerëzit “në tokë të zhveshur” janë në botë, gjë që nuk e kanë bërë ende, por mund ta bëjnë.
· Pratsia nuk është gëzim, jo humbje, jo nevojë për krijim. Kjo është ndjekja, rrënjosja dhe renditja e natyrës së vet. Heronjtë nuk janë luftëtarë për të botë e re, dhe punëtorët e naftov dhe gjeologët, budіvelniki kanotazh.
Rrethi mbyllet, dhe deri në fund të shekullit të pikturës ruse 20
qindra in 90-
Fati i saj po kthehet në një modernitet të rinovuar - postmodernizëm. Piktura bëhet fotografike - praktikisht nuk ka asnjë ndryshim midis një kopjeje dhe një origjinali. Dhe në të njëjtën kohë është skematike, e karikaturuar. Zhvillimi i stilit është ende shqetësues, ndërkohë që është herët të thuhet se cilat forma do të dalin nga plani i parë.
Fillimi i shekullit të 19-të lidhet me epokën e pezullimit, të sjellë nga Lufta e Madhe Patriotike e 1812 dhe lëvizja kundër krizës, e cila çoi në 1825 në kryengritjen Decembrist.
Në sferën e kulturës artistike të kësaj periudhe ka pasur një ndryshim të vazhdueshëm në drejtim: klasicizmit heq dorë nga vendi romantizmi, dhe romantizmi në rrugën e zhvillimit të tij është i lidhur ngushtë me atë që ka realizmi në misticizëm. Vërtetë, kjo u shfaq kryesisht në pikturë. Ashtu si artistët e shekullit të 18-të braktisën realizmin e përcjelljes së veçantisë dhe veçantisë individuale, atëherë në shekullin e 19-të filluan të përshkruajnë ato që ishin të vlefshme, që vlerësonin në jetë.
Në çerekun tjetër të shekullit të 19-të, kapitalizmi ishte vendosur tashmë në shumicën e vendeve të Evropës dhe Rusia ende vuante nga kolapsi i sistemit feudal-rob. Sidoqoftë, si në Evropë ashtu edhe në Rusi, kjo periudhë karakterizohet nga rritja e një jete martesore plot tension - në Evropë është përpara nesh Revolucioni i Madh Francez e njëjta trashëgimi, dhe në Rusi një rritje luftë kundër krimit sidomos pas dështimit të kryengritjes së Decembristëve.
Kjo periudhë ka klasicizëm, i cili është si një mur Akademia e Mistereve, pasi kishte fituar rëndësinë e saj progresive Më 1829, Akademia iu nënshtrua oborrit perandorak, i cili u bë përcjellës i pikëpamjeve të zyrtarëve të qeverisë. Pasi filluan të vlerësonin pozicionin e tyre si mistik, profesorët e Akademisë u përpoqën të zotëronin skajet e teknikave që lidhen me romantizmin. Në këtë mënyrë, metoda e romantizmit akademik, e cila përdoret për të krijuar idealin, sjell bukurinë larg realitetit të përditshmërisë.
Në ndryshim nga misticizmi akademik i gjysmës së parë të shekullit të 19-të, një tjetër misticizëm filloi të merrte formë në Rusi, siç filluan ta quajnë kritike realizmi. Artistët filluan hapur, pa u thelluar në formën intelektuale të tregimeve ungjillore, të ekspozojnë të këqijat e martesës së tyre të përditshme; themeluesi i realizmit kritik rus respektohet me të drejtë nga piktura. Pavlo Fedotov.
Gjysma tjetër e shekullit të 19-të në Rusi u shënua nga një epokë e re e luftës së lirë për një jetë më të mirë. Në qytetin Kerivna ekziston një vendbanim inteligjent në popullsinë e madhe ruse. Vështirësitë u ndërprenë, por jeta nuk ishte më e lehtë për askënd.
Në këtë periudhë u rrit rëndësia e misticizmit, krijimtarisë, pikturës, e cila ndikoi shumë në zhvillimin shpirtëror të njerëzve. Për shembull, në gjysmën e parë të shekullit të 19-të, ata filluan të Shkolla e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë, e cila tashmë ka filluar të luajë një rol të madh në martesë, si një udhërrëfyes drejt rrugëve demokratike. Këtu zuri rrënjë sistemi pedagogjik venecian, i cili bazohet në mësimin e sharrës shumë jetë. E luajti rolin e vet fakti që Shkolla ndodhej në periferi të kryeqytetit, si në mes të jetës së njerëzve. Më i shquari nga të diplomuarit e Shkollës së Biologjisë V.G.Perov
Misteri gjatë gjysmës së dytë karakterizohet nga idealizmi i lartë, një varësi e fortë për shumicën e njerëzve të sëmurë dhe karakteri i tij popullor. Shërbimi ndaj njerëzve është bërë një nga qëllimet kryesore të artistëve kryesorë rusë. Së pari, historia e misterit rus të jetës për njerëzit që punojnë u bë tema kryesore e veprave të artistëve demokratë. Njerëzit përshkruhen jo anash, por në mes. Artistët, të cilët u bënë mbrojtës të popullit, të cilët vetë dolën nga populli, filluan të flasin për shtypjen e tyre, rëndësinë e jetës dhe paligjshmërinë. Këto ndjenja kritike shoqërore kanë depërtuar në klasat e Akademisë së Shkencave: 1861 të diplomuar V. Jakobi Kanavacë Vikonav "Ndalimi i arrestuar". Dhe fati i vitit 1864 është një sukses i madh, një pamje e vogël K. Flavitsky "Princesha Tarakanova"", e cila i kushtohet kasafortës së fshehtë të Kalasë së Pjetrit dhe Palit, e cila u nderua nga vajza e Elizabeth Petrivna.
Princesha Tarakanova (1864)
E patrazuar nga të gjitha ndryshimet në jetën e përditshme të Rusisë, Akademia e Mistereve të Shën Petersburgut vazhdoi të qëndronte larg jetës së përditshme, misticizmit abstrakt akademik. Piktura, si më parë, respektohej shumë pikturë historike të rëndësishme për tema mitologjike dhe fetare. Si rezultat, artistë të avancuar, të cilët nuk guxojnë të përputhen me parimet e vendosura të Akademisë, ranë në konflikt me sistemin e vjetër të botimit, i cili u zhvillua në mesin e kritikëve. "Trazirat e 14-të" artistët. Të diplomuarit, të admiruar nga artisti Kramskoy, u frymëzuan për të përfunduar punën e tyre të diplomës mbi një temë të caktuar mitologjike. Era e keqe rrëmbeu lirinë nga zgjedhja e atyre. Rada e Akademisë i paralajmëroi maturantët se ata ishin larguar, ndaj ata u larguan nga Akademia në shenjë proteste, pasi kishin hequr dorë nga diploma.
Pasi u larguan nga Akademia më 9 nëntor 1863, protestantët organizuan një shkëmb Arti i artistëve. Iniciatori i kësaj përpjekje ishte Ivan Mikolayovich Kramskoy. Anëtarët e Artel morën me qira një apartament dhe u vendosën. Rregulli drejtohej nga skuadra e Kramskoy. Nezabar Artel ka krijuar një epokë të re. Ata shpesh thirreshin "Akademia Kramsky". Të enjten në mbrëmje, piktorët dhe shkrimtarët mblidheshin në punishten e artilerisë. Në këto mbrëmje u diskutua ushqimi i pasur i politikës, jeta bashkëshortore, misticizmi - e gjithë kjo u frymëzua nga kultivimi i rinisë artistike, kultivimi i forcave artistike.
Arteli u ngrit për rreth 7 vjet dhe u shpërbë në 1870. Artel është zëvendësuar nga një sindikatë e re lokale Shoqata e riekspozitave të ekspozitave të artit.
Mistika e shekullit të 19-të zë një vend shumë të rëndësishëm veprimtaria e P. M. Tretyakov, i cili ka treguar se është një qytetar i vërtetë i Rusisë, pasi ka filluar të mbledhë piktura dhe skulptura ruse, duke filluar nga kohërat e lashta. Ai i shpenzoi të gjitha paratë e tij për piktura dhe shpesh mbështeti mëkatet e artistëve të talentuar të varfër.
Duke u bërë zona kryesore e pikturës ruse në gjysmën tjetër të shekullit të 19-të Zhanri Poboto. Si më parë, humba lidershipin tim Tema e fshatit. Peredvizhniki përshkruan jetën e njerëzve, duke treguar konfliktin shoqëror midis kampeve fisnike dhe të shtypura të martesës ruse. Traditat krijuese të pikturës vazhduan. Zë një vend të madh Tema fëminore.
Në gjysmën tjetër të shekullit të 19-të, misticizmi krijues i imazhit rus iu nënshtrua një reforme, kur temat mitologjike dhe fetare filluan t'i lënë vendin përshkrimit të skenave reale historike. Mikrobi i kësaj reforme u mboll nga artisti rus Ge N.N.
Në peizazhin rus të gjysmës së dytë të shekullit të 19-të, një luftë e ashpër po shpërthehej për krijimin e një identiteti kombëtar. Artistët e mrekullueshëm Savrasov, Shishkin, Levitan dhe të tjerë thyejnë traditat e jetës "të idealizuar", "të zbutur", të jetës së largët, më e rëndësishmja, italiane dhe franceze, peizazhe akademike dhe kthehen në përshkrimin e natyrës së tokës amtare. Pohimi i Chernishevsky "Jeta është e bukur" mori një përgjigje të ngrohtë midis mjeshtrave të pikturës së peizazhit. Duke përfaqësuar natyrën në imazhin e saj të përditshëm, natyral, artistët shëtitës treguan poezinë dhe bukurinë e saj të gjerë.
Në gjysmën e dytë të shekullit të 20-të në pikturën ruse kishte një numër piktorësh veçanërisht të ndritshëm, punëtorë, të talentuar, mjeshtra të pikturës historike - ky jam unë. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.
Misticizmi rus midis shekujve 19 dhe 20 u formua nga mendjet e një shpirti revolucionar. Pikëpamjet dekadente dhe pesimizmi përshkuan mesin e inteligjencës krijuese. Vlerat estetike të martesës kanë ndryshuar. Në kërkim të rrugës së tyre, misticizmi i shumë artistëve filloi të bashkohej në organizata të ndryshme artistike - shoqata.
Në vitin 1903 u bashkua një familje artistësh të pasur realistë "Bashkimi i Artistëve Rus" Aty ku vazhduan traditat e Endacakëve, ata shkruan vepra të vërteta, realiste. Artistët e mrekullueshëm të kësaj periudhe ishin Serov, Vrubel, Nesterov, Ryabushkin dhe in.
Gjatë krizës së lëvizjes populiste, në vitet '90, "metoda analitike e realizmit të shekullit XIX", siç e quajnë në shkencën e historisë, është ende e gjallë. Shumë artistë Peredvizhniki u njohën për shpirtin e tyre krijues dhe hynë në "tema të ndryshme" të pikturave të zhanreve të rëndësishme. Traditat e Perovit u ruajtën më së shumti në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë dhe përmes veprimtarisë krijuese të artistëve të tillë si S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov ta in.
Proceset komplekse të jetës përmblodhën shumëllojshmërinë e formave të jetës mistike të këtyre shkëmbinjve. Të gjitha llojet e artit - piktura, teatri, muzika, arkitektura - qëndronin për ripërtëritjen e shprehjes artistike dhe profesionalizmit të lartë.
Për artistët në fillim të shekullit, është tipike përdorimi i metodave të ndryshme të vizatimit nga ato të Itinerantëve, forma të tjera të krijimtarisë artistike - në imazhe që janë super të qarta, komplekse dhe që përshkruajnë jetën e përditshme pa ilustrativitet apo qartësi. Artistët po kërkojnë me zell harmoninë dhe bukurinë në botë, e cila është thelbësisht e huaj për harmoninë dhe bukurinë. Pse kam mësuar shumë për misionin tim nga ai që është frymëzuar nga ndjenja e së bukurës. Në këtë orë “përpara”, zgjimi i ndryshimeve në jetën bashkëshortore ka shkaktuar një rrjedhë jopersonale, bashkim, grupim dhe konfuzion të botëkuptimeve dhe ngjashmërive të ndryshme. Ai gjithashtu dha lindjen e universalizmit të një brezi të tërë artistësh që dolën pas Peredvizhniki "klasike". Mos e përmendni emrin V.A. Serova dhe M.A. Vrubel.
Artistët e shoqatës “Drita e misticizmit” luajtën një rol të madh në popullarizimin e misticizmit antik evropian, veçanërisht të shekullit të 18-të. “Miriskusniki” mori forcat më të mëdha artistike nga Shën Petersburgu, të cilat i botuan në revistën e tyre dhe vetë themelet e tyre u frymëzuan nga konsolidimi i forcave artistike nga Moska, krijuar nga “Unioni i Artistëve Rus”.
Mësimet impresioniste në pikturën me ajër të pastër, kompozimi i "inkuadrimit me rënie", stili vizatimor me gamë të gjerë - ky është rezultat i evolucionit në zhvillimin e aftësive krijuese të imazhit në të gjitha zhanret në fund të shekullit. Në kërkim të "bukurisë dhe harmonisë", Mitzi provon teknika dhe lloje shumë të sofistikuara të misticizmit - nga piktura monumentale dhe peizazhet teatrale te dizajni i librave dhe mistika e jetës dekorative.
Në fund të shekullit, u shfaq një stil që braktisi të gjitha misteret plastike, duke filluar me gjithçka nga arkitektura (në të cilën eklekticizmi kishte rënë prej kohësh) dhe duke përfunduar me grafikën, e cila hodhi poshtë emrin stil Art Nouveau. Realiteti nuk është i paqartë, në modernitet ka një kimerë dekadente, pretenciozitet, shije borgjeze të shijuar nga gradat e larta, dhe gjithashtu një shenjë e ngjashmërisë së stilit. Stili Art Nouveau është një fazë e re në sintezën e arkitekturës, pikturës dhe arteve dekorative.
Në misteret e krijimit të imazhit, Art Nouveau u zbulua: në skulpturë - rrafshësia e formave, ekspresiviteti i veçantë i siluetës, kompozimi dinamik; në pikturë - simbolika e imazheve, një pasion për alegori.
Shfaqja e modernitetit nuk do të thoshte se idetë e lëvizshmërisë vdiqën deri në fund të shek. Në vitet '90, piktura e zhanrit u zhvillua, por ajo u zhvillua ndryshe nga lëvizja "klasike" e viteve '70 dhe '80. Kështu, tema rurale po shpaloset në një mënyrë të re. Ndarja në komunitetin rural është përshkruar në mënyrë të shtrembër nga Sergey Oleksiyovich Korovin (1858–1908) në pikturën "Në botë" (1893, Galeria Tretyakov). Abram Yukhimovich Arkhipov (1862-1930) tregoi veçantinë e jetës në një punëtor të rëndësishëm dhe të kujdesshëm në pikturën "Washerwomen" (1901, Galeria Tretyakov). Kjo është një paqe e madhe për djalin e ri që gjen, për mundësitë e reja të arsyeshme të ngjyrës dhe dritës.
Mospërputhja, "nënteksti", një detaj viral u zbulua në distancë për të prishur tablonë edhe më tragjike të Sergius Vasilyovich Ivanov (1864-1910) "Në rrugë. Vdekja e një emigranti" (1889, Galeria Tretyakov). Boshtet që lahen, sikur paraqiten në një klithmë, dramatizojnë shumë më tepër veprimin, poshtë imazheve në plan të parë ka një ëndërrimtar ose një grua që rri pezull mbi të. Ivanov është përgjegjës për një nga veprat kushtuar revolucionit të vitit 1905 - "Rozstril". Teknika impresioniste e një "kompozimi të pjesshëm", në vend të një kornize kursimesh të përdredhur rastësisht, është gjithashtu këtu: një rresht Budinki, një rresht ushtarësh, një grup demonstruesish dhe në plan të parë, në një shesh të ndriçuar nga dielli, përvijohen Imazhi i një qeni të rrahur që ikën nga të qëlluarit. Ivanov karakterizohet nga kontraste të mprehta me ngjyra të lehta, një skicë e theksuar e objekteve dhe një imazh i rrafshuar. Gjuha është yogo lapidare.
Në shkëmbinjtë e viteve '90 të shekullit të 19-të. Është mister përfshirja e artistit, i cili është personazhi kryesor i krijimeve të tij dhe të punosh si një punëtor robot. Në vitin 1894 r. Po qetësohet piktura e N.A. Kasatkina (1859–1930) "Shakhtarka" (Galeria Tretyakov), 1895 r. - "Miniera qymyri. Zmina."
Në fund të shekullit, një tjetër zhvillim, i ngjashëm me atë të Surikovit, fillon në një temë historike. Kështu, për shembull, Andriy Petrovich Ryabushkin (1861-1904) punon kryesisht në zhanrin historik, apo edhe zhanrin historik. "Gratë ruse të shekullit të 17-të në kishë" (1899, Galeria Tretyakov), "Tren argëtues afër Moskës. Tregimi XVII" (1901, Galeria Tretyakov), "Shëtitje. (Populli i Moskës në orën e nisjes së ambasadës së huaj në Moskë në fund të shekullit të 17-të)" (1901, Muzeu Rus), "Rruga e Moskës së shekullit të 17-të në Ditën e Shenjtë" (1895, Muzeu Rus) etj. më - këto janë skena të përditshme nga jeta e Moskës në shekullin e 17-të. Ryabushkin ka qenë veçanërisht i dhënë pas këtij shekulli, me çuditshmërinë, polikromin dhe modelet e tij të xhenxhefilit. Artisti admiron natyrshëm dritën e shekullit të 17-të, e cila çon në një stilizim delikat, larg monumentalizmit të Surikov dhe vlerësimeve të tij për periudhat historike. Stilizimit jepen shenja nga Ryabushkin në rrafshtinë e imazhit, në një harmoni të veçantë të ritmit plastik dhe linear, në ngjyrosjen e frymëzuar nga ngjyrat kryesore të ndezura, në një zgjidhje dekorative. Ryabushkin prezanton me guxim ngjyrat lokale në peizazhin plein air, për shembull, në "Trenin ngazëllues..." - një vizka me ngjyrë të kuqe, copa të mëdha rrobash të Krishtlindjeve mbi hirin e bukurosheve të errëta dhe borës, duke pasur, megjithatë, ngjyrën më të mirë. nuancë. Peizazhi gjithmonë përcjell në mënyrë poetike bukurinë e natyrës ruse. Është e vërtetë që ndonjëherë fuqia dhe ironia e Ryabushkin janë të pranishme në disa aspekte të përshkruara, si për shembull, në pikturën "Chavannya" (karton, gouache, tempera, 1903, Muzeu Rus). Në figurat statike të ulura përballë me disqe në duar, lexohet qetësia, mërzia, përgjumja dhe ndjejmë forcën dinjitoze të jetës së qytetit, bashkimin e këtyre njerëzve.
Apollinari Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) i jep respekt edhe më të madh peizazhit në kompozimet e tij historike. Tema e tij e preferuar është shekulli i 17-të, jo vetëm skenat e përditshme, por edhe arkitektura e Moskës. (“Rruga në Kitay-Misti. Fillimi i shekullit të 17-të”, 1900, Muzeu Rus Rus). Piktura "Moska në fund të shekullit të 17-të. Svitanka e Portave të Voskresensky (1900, Galeria Tretyakov) mund të jetë frymëzuar nga hapja e operës "Khovanshchina" të Mussorgsky, bazuar në peizazhin e Vasnetsov, i cili së fundmi u kurorëzua fitues.
JAM. Vasnetsov kontribuoi në klasën e peizazhit të Shkollës së pikturës, skulpturës dhe arkitekturës në Moskë (1901-1918). Si teoricien, ai i hodhi një sy librit “Mister. Është e nevojshme që analiza të kuptojë misticizmin origjinal të pikturës” (M., 1908), i cili u ngrit në mbrojtje të traditave realiste të misticizmit. Vasnetsov ishte gjithashtu themeluesi i "Bashkimit të Artistëve Ruse".
Një lloj i ri pikture, i cili në tërësi është zotëruar dhe përkthyer posaçërisht nga mistika ime bashkëkohore e traditave të artit popullor, krijuar nga Philip Andriyovich Malyavin (1869–1940), i cili studioi në Afonsky në manastirin e tij të rinisë si piktor ikonash, dhe më pas filloi në Akademinë e Mistereve pranë Rep. Këto imazhe të "grave" dhe "vajzave" kanë një kuptim simbolik - një Rusi e shëndetshme dhe e pashtruar. Pikturat e tij janë gjithmonë ekspresive dhe janë, si rregull, krijime kavaleti, por nën syrin e artistit ato krijojnë një interpretim monumental dhe dekorativ. "E qeshura" (1899, Muzeu i Misterit të Përditshëm, Venecia), "Whirlwind" (1906, Galeria Tretyakov) - këto janë imazhe realiste të vajzave të fshatit që qeshin me një tingull infektiv ose që nuk performojnë në një kërcim të rrumbullakët, por ekziston një lloj i ndryshëm realizmi.Ky është gjysmë shekulli. Piktura është e shtrirë, skicuese, me një penel me teksturë, forma të lakuara, thellësi të gjerë, figurat, si rregull, vizatohen në plan të parë dhe mbulojnë të gjithë kanavacën.
Malyavin i shtoi pikturës së tij një dekorativizëm ekspresiv me një besnikëri realiste ndaj natyrës.
Deri në ato Rusia e lashte Si një numër mjeshtërsh më parë, lind Mikhailo Vasilovich Nesterov (1862-1942) dhe imazhi i Rusisë qëndron në pikturat e artistit si një botë ideale, ndoshta magjepsëse që është në harmoni me natyrën dhe përgjithmonë si një legjendë e qytetit. e Kitezh. Ky spektakël i natyrës, i varrosur në dritë, përpara një peme lëkure dhe një teh bari, shprehet veçanërisht gjallërisht në një nga veprat më të famshme të Nesterov të periudhës pararevolucionare - "Bachanna për të rinjtë Bartolomeu" (1889-1890). , Galeria Tretyakov). Komploti i hapur i pikturës ka të njëjtat vizatime të stilizuara si ato të Ryabushkinit, por shpreh pa ndryshim një ndjenjë thellësisht lirike të bukurisë së natyrës, përmes së cilës përcillet shpirtërorja e lartë e heronjve, ndriçimi i tyre, huaja e tyre e métushna laike.
Para krijimit të imazhit të Sergius të Radonezky, Nesterov kishte shprehur tashmë interes për ato Rusia e lashtë me vepra të tilla si "Me emrin e Krishtit" (1887, origjina kulturore nuk dihet), "Pustelnik" (1888, Muzeu Shtetëror Rus; 1888-1889 , Galeria Tretyakov), duke krijuar imazhe të tempujve oh depërtim shpirtëror. Ai i kushtoi një sërë veprash vetë Sergjit të Radonezkit ("Rinia e Shën Sergjit", 1892–1897, Galeria Tretyakov; triptiku "Praktikat e Shën Sergjit", 1896-1897, Galeria Tretyakov; "Sergius of Radonezky, ” 1891–1899, GR).
M.V. Nesterov u përfshi gjerësisht në pikturën monumentale fetare: së bashku me V.M. Vasnetsov pikturoi Katedralen Volodimir të Kievit, manastirin e pavarur në Abastumani (Gjeorgji) dhe manastirin Marta dhe Mary afër Moskës. Pikturat i janë kushtuar gjithmonë një teme të vjetër ruse (për shembull, në Gjeorgji - Aleksandër Nevskit). Pikturat murale të Nesterov kanë shumë tipare reale, veçanërisht në peizazhe, portrete dhe përshkrime të shenjtorëve. Artisti, i cili ishte i përkushtuar ndaj interpretimit të sheshtë të kompozimit, tregoi një infuzion të papërmbajtshëm moderniteti në ekscentricitetin, zbukurimin dhe zbukurimin delikate të ritmeve plastike.
Stilizimi dhe hijezimi i tavolinës është karakteristikë e kësaj ore dhe bota e madhe e veprave të kavaletit të Nesterovit ka prekur. Kjo mund të shihet në një nga kanavacat më të shkurtra kushtuar pjesës së gruas - "Kthesa e madhe" (1898, Muzeu Rus Rus): në mes pozicionet e sheshta të çernitsa, "ciornica" dhe "bilitsa", të rrafshuara. silueta, ose një ritëm ritual i zgjeruar me flakë të kalbur dhe të errët - figura dhe peizazhe me thupër të lehta dhe madje edhe pemë të zeza Yalinka. Dhe si gjithmonë me Nesterov, rajoni luan një nga rolet kryesore. "Unë e dua peizazhin rus," shkroi artisti, "sepse është shumë më i bukur, ju mund të kuptoni më qartë kuptimin e jetës ruse dhe shpirtin rus".
Në ditët e sotme, zhanri i peizazhit po zhvillohet në një mënyrë të re në fund të shekullit të 19-të. Levitan, në thelb, përfundoi shakatë e Wanderers në peizazh. Nuk mjafton t'i thuash një fjalë të re në fund të shekullit K.A. Korovin, V.A. Serov dhe M.A. Vrubel.
Edhe në peizazhet e hershme të Kostyantin Oleksiyovich Korovin (1861–1939) ka shumë probleme - të pikturosh gri në të bardhë, të zezë në të bardhë, gri në gri. Një peizazh "konceptual" (termi i M.M. Allenov), si Savrasivsky ose Levitanian, nuk mund të jetë shumë.
Për koloristin e shkëlqyeshëm, bota e lopës është një "trazira e farës". I pajisur bujarisht nga natyra, Korovin mori si portrete ashtu edhe natyra të qeta, por për ta thënë butë, ai humbi zhanrin e tij të preferuar në peizazh. Ai solli nga mistika traditat realiste të lexuesve të tij nga Shkolla e pikturës, skulpturës dhe arkitekturës në Moskë - Savrasova dhe Polenova, dhe në një mënyrë të re të vështrimit të botës, ai vendosi qëllime të tjera. Duke filluar që herët të pikturohej në ajër të pastër, tashmë në portretin e një vajze kor të vitit 1883 mund të shihet zhvillimi i pavarur i parimeve të plein airizmit, të cilat më pas u futën në një numër portretesh të mbledhura në një kanavacë nga S. Mamontov në Abramtsevo ("U chovny", Galeria Tretyakov; portreti i T.S. Lyubatovich, Muzeu Shtetëror Rus). ін), në peizazhet e jashtme të përshkruara në ekspeditën e S. Mamontov në natyrë ("Dimri në Lapland", Galeria Tretyakov). Peizazhet e tij franceze, të quajtura "Zjarret e Parisit", janë një fletë krejtësisht impresioniste, me kulturën e tyre më të madhe këtu. Të ftuar, armiqtë e Mitt nga jeta e një vendi të shkëlqyeshëm: rrugë të qeta orë të ndryshme thesare, objekte, të çmontuara nga mjedisi i lehtë, të derdhur me një goditje dinamike, "tre-dimensionale", vibruese, një rrjedhë goditjesh të tilla që krijojnë iluzionin e varjes në një dërrasë ose një tas, të mbushur me mijëra avuj të ndryshëm në era, - oriz që na kujton peizazhet e Manet, Pisarro, Monet. Korovin është temperament, emocional, impulsiv, teatror, me një zjarr të ndezur dhe prezantim romantik të peizazheve të tij ("Paris. Boulevard des Capucines", 1906, Galeria Tretyakov; "Paris natën. Bulevardi i Italisë". 1908, Galeria Tretyakov ). Korovin ruan të njëjtat ide të mirësjelljes impresioniste, artit të djemve dhe artit të ndryshëm në të gjitha zhanret e tjera, veçanërisht në portrete dhe natyra të qeta, si dhe në panelet dekorative, në artin e aplikuar, në artin teatror.Këtë peizazhe që kam kam bërë gjithë jetën time (Portreti i Chaliapin, 1911, Muzeu Shtetëror Rus; "Ribi, verë dhe fruta" 1916, Galeria Tretyakov).
Dhurata piktoreske bujare e Korovin u shfaq shkëlqyeshëm në pikturën teatrale dhe dekorative. Si piktor teatri, ai punoi për Teatrin Abramtsevo (dhe Mamontov nuk ishte i pari që e vlerësoi si artist teatri), për Teatrin e Artit në Moskë, për Operan Private Ruse të Moskës, ku filloi miqësia e tij me Chaliapin, pasi ai shqetësohej. për gjithë jetën e tij, për ndërmarrjen Angelica Ivsky. Korovin e ngriti në një nivel të ri peizazhin teatror dhe rëndësinë e artistit në teatër, pasi kishte bërë një revolucion të tërë në rolin e rëndësishëm të artistit në teatër dhe duke bërë një fluks të madh te publiku me dekorimet e tij barvy, "specie". të cilat zbulojnë thelbin e performancës së burgut.
Një nga artistët dhe novatorët më të mëdhenj të pikturës ruse në fund të shekullit ishte Valentin Oleksandrovich Serov (1865-1911). Kjo "Vajzë me pjeshkë" (portreti i Verusha Mamontova, 1887, Galeria Tretyakov) dhe "Vajza, e ndriçuar nga dielli" (portreti i Masha Simanovich, 1888, Galeria Tretyakov) janë një skenë e tërë në pikturën ruse. Serov studioi midis figurave të shquara të kulturës muzikore ruse (babai i tij ishte kompozitor, nëna e tij ishte pianiste), duke filluar me Repin dhe Chistyakov, pasi kishte parë koleksionet më të bukura muzeale në Evropë dhe pasi u kthye nga prapa kordonit të Uviyshov në në mes të gurit Abramtsevo. Në Abramtsevo u shkruan dy portrete, nga të cilat filloi fama e Serovit, i cili përparoi në misticizëm me vështrimin e tij të fuqishëm, të ndritshëm dhe poetik ndaj botës. Vira Mamontova ulet në një pozicion të qetë në tryezë, pjeshkët janë të shpërndara në mbulesën e bardhë të tavolinës përballë saj. Ajo vetë dhe të gjitha objektet janë paraqitur në një qendër të palosshme me ngjyra të çelura. Dritat e konviktit bien mbi mbulesën e tavolinës, rrobat, pjatën e murit, fundin. Një vajzë është paraqitur e ulur në tryezë, në unitet organik me gjithë këtë dritë të të folurit, në harmoni me të, e plotësuar me drithërimë jetësore dhe rrjedhje të brendshme. Një botë edhe më e madhe e parimeve të pikturës me ajër të pastër u zbulua në portretet e kushërirës së artistit Masha Simanovich, të pikturuara drejtpërdrejt në ajër të hapur. Ngjyrat këtu jepen në ndërveprim kompleks një me një, era e keqe përcjell për mrekulli atmosferën e një dite vere, reflektime ngjyrash që krijojnë iluzionin e shkëmbimeve të përgjumura që enden nëpër gjethe. Serov kalon nga realizmi kritik i mësuesit të tij Repin në "realizmin e poetikës" (termi i D.V. Sarab'yanov). Imazhet e Vira Mamontova dhe Masha Simanovich përshkohen me gëzimin e jetës, një ndjenjë të ndritshme të jetës dhe rininë e ndritshme dhe të mundshme. Kjo arrihet nga piktura impresioniste “e lehtë”, e cila bazohet në “parimin e fuqishëm të rënies”, formë ngjitëse me një penelë dinamike, të lirë, e cila krijon përshtypjen e mesit të palosshëm me ngjyrë të çelur. Përveç përshtypjeve impresioniste, Serov asnjëherë nuk e zbërthen temën nga mesi i së cilës të çmaterializohet, kompozimi i së cilës nuk e humb kurrë stabilitetin dhe masat janë gjithmonë të pranishme në mes. Dhe përveç kësaj, nuk humbet asnjë nga karakteristikat formale të modelit.
Serov shpesh pikturonte përfaqësues të inteligjencës artistike: shkrimtarë, artistë, piktorë (portrete të K. Korovin, 1891, Galeria Tretyakov; Levitan, 1893, Galeria Tretyakov; Yermolova, 1905, Galeria Tretyakov). Të gjitha aromat janë të ndryshme, të gjitha verërat interpretohen thellësisht individualisht, por ato kanë një hakmarrje të lehtë intelektuale dhe një jetë të pasur krijuese. Kolona antike, ose më mirë, statuja klasike, do të zëvendësohet nga Yermolova, e cila do të theksohet edhe më shumë nga formati vertikal i kanavacës. Por koka është e privuar nga pamja e tij - garne, krenare, e tjetërsuar nga gjithçka që është mbeturinë dhe e kotë. Ngjyra e gjithçkaje vjen nga një kombinim i dy ngjyrave: e zeza dhe gri, apo edhe nuanca. Kjo e vërtetë për imazhin, e krijuar jo me mendime, por me mjete thjesht pikturale, pasqyronte vetë veçoritë e Yermolovit, pasi me lojën e saj të efektshme, por thellësisht depërtuese, të rinjtë e shkëmbinjve të stuhishëm të shekullit të 20-të u zmbrapsën.
Portreti i ballit të Ermolovës. Ale Serov është një mjeshtër aq i madh sa, duke marrë një model të ndryshëm nga i njëjti zhanër i portretit ceremonial, në thelb, me vetë ekspresivitetin e mendjes së tij, krijon një imazh të një karakteri krejtësisht të ndryshëm. Pra, në portretin e princeshës Orlovoi (1910–1911, koha), rrjedhja e aktiviteteve (Kaplyukh i Madh, Vasnadno Dovga Spin, Gostrius Kut Kolina), Pidcreshena me respekt për Rozkoshi Inter'yru, transferuar në mënyrë fragmentare, Yak Vikhopliyani Kadr (pjesë e STILS), lejoni mjeshtrin të krijojë ndoshta një imazh grotesk të një aristokrati inteligjent. E njëjta groteskencë ka edhe në "Pjetri I" i tij i famshëm (1907, Galeria Tretyakov) (Pjetri në foto është thjesht gjigant), i cili i lejon Serovit të përshkruajë rrjedhën e shpejtë të Carit dhe oborrtarëve, të cilët nxitojnë në mënyrë të pamatur, për të sjellë në imazhi i një joironike, unë tek portreti i Orlovës, por simbolik, që përcjell sensin e një epoke të tërë. Artisti është i pushtuar nga origjinaliteti i heroit të tij.
Portret, pamje rajonale, natyrë e qetë, pobutova, pikturë historike; vaj, gouache, tempera, vugilla - është e rëndësishme të njihni pikturat dhe zhanret grafike me të cilat Serov nuk ka punuar, dhe materialet me të cilat nuk ka punuar.
Krijimtaria e Serov-Selyansk ka një temë të veçantë. Jogoja e fshatarëve të zhanrit të pereperesostit social, ale є є є є є 'bukur një harmonikë e tillë, do të motivojë fshatarët, i cili ishte i natyrshëm në bukurinë e madhe të popullit rus (" Në fshatin Baba Z kalë " , b. Në harta, Pastel, GTG). Peizazhet dimërore me lustër argjendi-perla janë veçanërisht të admiruara.
Serov e interpretoi plotësisht temën historike në mënyrën e tij: "dushi mbretëror" me shëtitjet e zhurmshme të Elizabeth dhe Katerinës II u transferua nga artisti në orën shumë të re, ironike, por edhe pa ndryshim të ëmbël të bukurisë së shekullit të 18-të. Interesi i Serovit deri në shekullin e 18-të buronte nga fluksi i "Drita e Misterit" dhe nga puna e tij mbi "Historinë e Dukës së Madhe, Carit dhe Perandorit në Rusi".
Serov ishte një artist me mendim të thellë, i cili vazhdimisht kërkonte forma të reja të shprehjes artistike të realitetit. Idetë e frymëzuara nga Art Nouveau rreth rrafshësisë dhe dekorueshmërisë së shtuar u shfaqën jo vetëm në kompozimet historike, por edhe në portretin e tij të kërcimtares Ida Rubinstein, në skicat e tij përpara "The Stolen of Europe" dhe "Odisse". I and Navzikai" (vepër 1910 , Galeria Tretyakov, karton, tempera). Është domethënëse që jeta e Serovit, në fund të jetës së tij, degjeneron në botën antike. Në legjendën poetike, të interpretuar prej tij lirisht, sipas kanoneve klasike, ai dëshiron të njohë harmoninë, në kërkim të së cilës artisti i ka kushtuar gjithë krijimtarinë e tij.
Është e rëndësishme të besohet menjëherë se portreti i Verusha Mamontovës dhe "Evropa e vjedhur" është shkruar nga i njëjti mjeshtër, Serov kaq i pasur në evolucionin e tij përmes autenticitetit impresionist të portreteve dhe peizazheve 80-90 deri në modernitet në motive historike. dhe kompozime nga mitologjia antike.
Rruga krijuese e Mikhail Oleksandrovich Vrubel (1856-1910) ishte më e drejtpërdrejtë, megjithëse në të njëjtën kohë jashtëzakonisht komplekse. Para Akademisë së Mistereve (1880), Vrubel u diplomua në fakultetin juridik të Universitetit të Shën Petersburgut. Në vitin 1884 Në rrugën tonë për në Kiev, ne po restaurojmë afresket në Kishën Kirill dhe po krijojmë një sërë kompozimesh monumentale. Ju mund të krijoni skica me bojëra uji të muraleve të Katedrales Volodimir. Skicat nuk u transferuan në mure, duke lënë mbetjet pas bojës së jokanonikitetit dhe ekspresivitetit të tyre.
Në vitet 1990, kur artisti u vendos në Moskë, u shfaq një fshehtësi e re dhe ndoshta një forcë djallëzore e stilit të fletës së Vrubelit, e cila nuk ngatërrohet me asnjë tjetër. Ju mund ta skalitni formën si një mozaik, nga copa të mprehta "facete" të ngjyrës së gdhendur, në mënyrë që të mos shkëlqejnë kurrë në mes ("Vajza mbi afidet e kilimit persian", 1886, KMRI; "Faljallja", 1895, Galeria Tretyakov). Përdorimi i ngjyrave nuk pasqyron realitetin e ngjyrës, por mund të ketë më shumë kuptim simbolik. Natyra nuk ka fuqi mbi Vrubelin. Ai e di se do ta udhëheqë për mrekulli, por do të krijojë një botë fantastike të mbizotëruar që ka pak ngjashmëri me realitetin. Kuptimi i të cilit është antipod i Vrubelit ndaj impresionistëve (për të cilët nuk thuhet rastësisht se janë natyralistë në letërsi), sepse në asnjë mënyrë nuk ka një fiksim të armiqësisë indiferente ndaj veprimit. Është e vështirë të shkruash lëndë letrare, si abstraksioni abstrakt, duke u përpjekur të krijosh imazhe të fuqisë së përjetshme, të madhe shpirtërore. Kështu, pasi kishte marrë ilustrime para "Demonit", ai shpejt erdhi në parimin e ilustrimit të drejtpërdrejtë ("Vallja e Tamarit", "Mos qaj fëmijë, mos qaj për asgjë", "Tamara në trune" etj. ) dhe në 1890 ai krijoi "Demonin" e tij "Pse ulem" - historia është në thelb pa komplot, por një imazh i përjetshëm, si imazhet e Mefistofelit, Faustit, Don Zhuanit. Imazhi i Demonit është imazhi qendror i krijimtarisë së Vrubelit, tema e tij. U 1899 r. ai shkroi "Demonin, Pse Fluturoj", në 1902. - "Demon i rënë." Demoni i Vrubelit - esenca jonë vuan para nesh. Për disa, vuajtja mbizotëron mbi të keqen, dhe kjo është veçantia e interpretimit kombëtar-rus të imazhit. Pjesëmarrësit, siç u vu re qartë, besuan në "Demonët" e tij një simbol të pjesës së inteligjencës - romancës, e cila tundohet të shpëtojë rebelisht nga harmonia e zvogëluar e realitetit në botën joreale të botës, por përkundrazi nxiton në veprimi i ashpër është tokësor. Kjo tragjedi e dritës artistike pasqyrohet edhe në karakteristikat e portretit të Vrubelit: mosmarrëveshje shpirtërore, prishje në autoportretet e tij, vigjilencë, ndoshta forcë e madhe, monumentalitet në portretin e S. Mamontov (1897, Galeria Tretyakov), konfuzion, ankth në Kazk. imazh. -Mjellma" (1900, Galeria Tretyakov), për të përkujtuar idenë e paneleve dekorative "Spanjë" (1894, Galeria Tretyakov) dhe "Venecia" (1893, Muzeu Rus), pikturuar për rezidencën e O.D. Dunker, qetësi e përditshme dhe jo turbullirë. Vetë Vrubel e formuloi misionin e tij - "të zgjojë shpirtin me imazhe të shkëlqyera përballë jetës së përditshme".
Tashmë, industrialisti dhe filantropisti Sava Mamontov luajti një rol të madh në jetën e Vrubel. Abramtseve e lidhi Vrubelin me Rimsky-Korsakov, nën fluksin e krijimtarisë së secilit artist, ai shkroi "Princeshën e tij Mjellma", pikturoi skulpturat "Volkhov", "Mizgirya", etj. Në Abramtsevo, pasi kishte studiuar gjerësisht pikturën monumentale dhe të kavaletit, ai u zgjerua në folklor: në kaztsi, në bilini, gjë që rezultoi në panelet "Mikula Selyaninovich", "Bogatyri". Vrubel provon dorën e tij në qeramikë, skulptura në majolica. Kjo do të thotë, Rusia pagane dhe Greqia, Konvergjenca e Afërt dhe India - të gjitha kulturat e njerëzimit, praktikat artistike të të cilave verërat nuk u shkelën. Dhe ai menjëherë i shndërroi emocionet që grumbulloi në imazhe thellësisht simbolike për të nxjerrë në pah të gjithë veçantinë e ndjeshmërisë së tij ndaj dritës.
Vrubel krijoi veprat e tij më të mira vizatimore dhe grafike ndër shekuj - në zhanrin e peizazhit, portretit, ilustrimit të librave. Në organizimin dhe trajtimin dekorativo-flat të kanavacës apo fletës, nga ndërthurja e reales me fantastiken, nga finesa tek solucionet zbukuruese, të palosura ritmikisht, veprat e kësaj periudhe shprehen gjithnjë e më shumë si Art Nouveau.
Ashtu si K. Korovin, Vrubel punoi shumë në teatër. Peizazhet më të bukura të Vikonan para operave të Rimsky-Korsakov "Sniguronka", "Sadko", "Përralla e Car Saltan" dhe të tjera në skenën e Operës Private të Moskës, pastaj këtyre veprave që dhanë mundësinë për të "pështyrë së bashku ” me petë ruse clore, përrallë, legjendë.
Universalizmi i dhuntisë, fantazia e pakufishme, anshmëria ekstreme në afirmimin e idealeve fisnike provokojnë Vrubelin nga shokët e tij të pasur.
Krijimtaria e Vrubelit, më e ndritur se të tjerët, mundi lashtësinë dhe dhimbjen e epokës së kufirit. Në ditën e varrimit të Vrubelit, Benois tha: “Jeta e Vrubelit, ashtu siç shkon tani në histori, është një simfoni e mrekullueshme patetike, si forma e lulëzuar e një përpjekjeje artistike. Brezat e ardhshëm... do të shikojnë pas në dhjetëra fatet e mbetura të shekullit të 19-të, si në "epokën e Vrubelit"... Vetë ora jonë është shfaqur në mënyrën më të bukur dhe më të çmendur ndonjëherë."
Me Vrubelin po hyjmë në shekullin e ri, në epokën e “Sribnogo Vuk”, periudhës së mbetur të kulturës së Shën Peterburgut të Rusisë, e cila lidhet si me “ideologjinë e revolucionarizmit” (P. Sapronov), dhe “që prej kohësh ka pushuar së qeni një forcë kulturore autokraci dhe pushtet”. Me fillimin e një shekulli të lidhjeve me të keqen e mendimit filozofik dhe fetar rus, ka një zjarr të madh të poezisë (mund të përmendim Bloka, Bily, Annensky, Gumiliov, Georgiy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsveta Wu, Sologuba); teatër dramatik dhe muzikor, balet; "Zbulesa" e misticizmit rus të shekullit të 18-të (Rokotiv, Levitsky, Borovikovsky), ikonografia e lashtë ruse; profesionalizmin më të mirë në pikturë dhe grafikë që në fillim. Ndonëse “epoka predikuese” ishte e pafuqishme përballë ngjarjeve tragjike që ndodhin në Rusi, të cilat erdhën përpara katastrofës revolucionare, ajo vazhdoi të ishte në “gjërat nga fildishi” dhe në poezinë e simbolizmit.
Ndërsa krijimtaria e Vrubelit mund të gjurmohet në simbolikën e fshehtë të drejtpërdrejtë në misticizëm dhe letërsi, megjithëse, si çdo artist i madh, ai gjithashtu theu kufijtë drejtpërdrejt, pastaj Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) - një shembull i drejtpërdrejtë i simbolizmit të skajshëm dhe një nga retrospektivistët e parë në Misteret krijuese të imazhit të Rusisë së huaj. Kritikët në atë kohë e quajtën atë "dëshmor i retrospektivizmit". Pasi vdiq para revolucionit të parë rus, Borisov-Musatov u shfaq plotësisht i shurdhër ndaj qëndrimeve të reja që po nxitonin me shpejtësi në jetë. Çfarë bëni ju - një shumë konfuzion pas "foleve fisnike" dhe "kopshteve të qershive" të vjetra të diskutueshme që do të humbasin, pas grave të bukura, të frymëzuara, ndoshta jotokësore, të veshura me të njëjtat kostume për orë, që nuk mbajnë asnjë të huaj. traditat Është koha.
Krijimet tuaja me kavalet janë më mbresëlënëse jo në panelet dekorative, por në sixhade. Hapësira është intelektuale kufitare, e sheshtë, pozicionet janë ndoshta po aq pa hije sa, për shembull, bardhësia vajzërore e pikturës "Rezervuari" (1902, tempera, Galeria Tretyakov), e mbushur me mendime të errëta, me një fshehtësi të thellë. Nuancat e zbehta, gri të zbehtë të ngjyrës përmirësojnë shprehjen e izoluar të përroit, bukurinë e çuditshme dhe cilësinë anemike, primare që shtrihet jo vetëm në imazhet njerëzore, por edhe në natyrën që përshkruhet prej tij. Në mënyrë të pazakontë, Borisov-Musatov e quajti një nga veprat e tij "Primari" (1903, tempera, Galeria Tretyakov): statujat e grave të heshtura dhe pa veprim, statujat Marmur të grumbullimeve të bardha, një pemë e zhveshur - një zhurmë flakëruese e errët, gri, f Tonet vjollce shtoni një aluzion thjeshtësie.
Gjatë orëve të fundit, kjo ka sjellë Borisov-Musatov së bashku me artistët e "Bota e misterit" - një organizatë që u themelua në Shën Petersburg në 1898 dhe mblodhi së bashku mjeshtrit e kulturës më të rëndësishme artistike, elitën artistike të Rusia në epokat e errëta c. ("Bota e Artit", para fjalimit, nuk e kuptoi misticizmin e Borisov-Musatov dhe e njohu atë vetëm në fund të jetës së artistit.) Kalli i "Botës së Misticizmit" u vendos në mbrëmje në A. Kasolle e Benois, kushtuar misticizmit, letërsisë dhe muzikës. Njerëzit që u mblodhën aty i bashkoi një dashuri për të bukurën dhe një ndjenjë gëzimi që mund të gjendet vetëm në misticizëm, i cili është përtej fuqisë së veprimit. Duke u shfaqur gjithashtu si një reagim ndaj temave të ndryshme të lëvizjes së vonë, banalitetit dhe ilustrativitetit të saj, "Bota e misticizmit" u bë menjëherë një nga fenomenet e mëdha të kulturës artistike ruse. Nga të cilët të gjithë të njëjtët artistë morën pjesën e tyre - Benois, Somov, Bakst, E.E. Lanceray, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, në Lari onov ta Goncharova. Me rëndësi të madhe për formimin e këtij uniteti është specialiteti i Diaghilev, një filantropist dhe organizator i ekspozitave, dhe më vonë një impresario turne të baletit dhe operave ruse jashtë vendit ("Stinët ruse", i cili prezantoi Evropën me krijimtarinë e tij Shalyapin, Pavlova , Karsavina, Fokin, Nizhinsky dhe Nizhinsky dhe bota është një shembull i kulturës së lartë në formën e mistereve të ndryshme: muzikë, vallëzim, pikturë, skenografi). Në fazën fillestare të formimit të "Botës së Misterit", Dyagilev mbikëqyri ekspozitën e piktorëve anglezë dhe gjermanë me bojëra uji në Shën Petersburg në 1897, pastaj ekspozitën e artistëve rusë dhe finlandezë në 1898. Redaktuar prej tij nga 1899 deri në 1904. Duket se ka një revistë me të njëjtin emër, dy degë: artistike dhe letrare (tjetra është fetare dhe filozofike, e cila është zhvilluar nga D. Filosofiv, D. Merezhkovsky dhe 3. Gippius para botimit, kam shkruar në vitin 1902 për revistën time. "Rruga e re". - drejtimi filozofik i revistës "Bota e misticizmit" u bë vendi i teorisë së estetikës, dhe revista nga ana e saj u bë tribunë e simbolistëve të tjerë së bashku me A. Bilim dhe V. Bryusov).
Në artikujt editoriale të numrave të parë të revistës, dispozitat kryesore të "botës së arteve" për autonominë e artit, për ato probleme. kulturën e përditshme- këtu përfshihen problemet e formës artistike dhe qëllimi kryesor i misticizmit - kultivimi i ngjashmërive estetike të martesës ruse, së pari përmes njohjes së veprave të misticizmit të lehtë. Është e nevojshme t'u thuash atyre me kujdes: me të vërtetë, njerëzit e "botës së artit" e vlerësuan vërtet misticizmin anglez dhe gjerman në një mënyrë të re, dhe, më e rëndësishmja, u vlerësuan pikturat e shekullit të 18-të rus dhe arkitektura e klasicizmit të Shën Petersburgut. nga të pasurit. “Mirskusniki” luftoi për “kritikën si misticizëm”, duke promovuar idealin e kritikut-artist, që nënkupton kulturën e lartë profesionale dhe erudicionin. Lloji i një kritiku të tillë u përshkrua nga një nga krijuesit e "Botës së Misticizmit" A.N. Benoit. "Miriskuchniki" ishte mikpritëse e ekspozitave. E para ishte e vetmja ndërkombëtare që përfshinte, përveç rusëve, artistë nga Franca, Anglia, Gjermania, Italia, Belgjika, Norvegjia, Finlanda e të tjerë. Me të ndanë fatin e tyre si piktorët dhe grafistët e Shën Petersburgut dhe Moskës. Tashmë, një çarje midis këtyre dy shkollave - Shën Petersburg dhe Moskë - u shfaq që në ditën e parë. Mështekna 1903 U mbyll ekspozita "To the World of Mystery", u mbyll ekspozita "To the World of Mystery", e lindur në 1904. Ky është numri i fundit i revistës “The World of Mystery”. Shumica e artistëve iu bashkuan organizimit të ekspozitës së Moskës "36" "Unioni i Artistëve Ruse", shkrimtarë - revista "Rruga e Re" e themeluar nga grupi i Merezhkovsky, simbolistët e Moskës të bashkuar në revistën "Terezi", muzikë Canti organizoi "Mbrëmjet e Muzika e Përditshme”, Dyagilev po punon vazhdimisht në balet dhe teatër. E drejta domethënëse e mbetur në mistikën krijuese të imazhit ishte ekspozita e madhe historike e pikturës së ikonave ruse deri në ditët e sotme në Sallonin e Vjeshtës së Parisit të vitit 1906, e ekspozuar më pas në Berlin dhe Venecia (190 6-1907). Në ndarjen aktuale të pikturës, "bota e artit" ishte fokusi kryesor. Ky do të jetë me të vërtetë akti i parë i njohjes mbarëevropiane të "Botës së Misticizmit" dhe do të jetë një referencë për pikturën ruse të shekullit të 18-të - fillim të shekullit të 20-të. çelësi i kritikës së suksesshme dhe triumfit të vërtetë të misticizmit rus.
Në vitin 1910 U përpoqa t'i jepja përsëri jetë "Dritës së Misterit" (për nder të Roerich). Në këtë kohë ka një ndarje mes piktorëve. Benois dhe ndjekësit e tij po ndahen me Unionin e Artistëve Ruse, me Moskovitët dhe po largohen nga kjo organizatë, përndryshe ata do të kuptojnë se bashkimi i dytë nën titullin "Drita e Misterit" nuk do të thotë asgjë për të fjetur me të parën. Benoit shprehet në mënyrë të përmbledhur se "të mos pajtuarit nën shenjën e bukurisë tani është shuar në të gjitha sferat e jetës, përveç luftës së ashpër". Para se të vinte fama "Bota e Artit", e njohur ndryshe si "Bota e Misticizmit", në fakt, nuk ekzistonte më, megjithëse ishte konsoliduar zyrtarisht deri në fillim të viteve 20 (1924) - për integritetin e plotë, tolerancën dhe përulësinë e pakufishme dhe pozicione që pajtojnë artistët nga Rilova në Tatlin, nga Grabar në Chagall. Si mund të mos merret me mend impresionistët këtu? Shoqërimi, që u popullarizua te mjeshtri Gleyre, në “Sallonin e Maledëve”, në tavolinat e kafenesë Guerbois dhe një nevojë e tillë u nguli në të gjithë pikturën europiane, u shpërbë edhe në moshën e origjinës së saj. Një brez tjetër “artistësh botërorë” janë më pak të interesuar për problemet e pikturës së kavaletit, interesat e tyre qëndrojnë në artet grafike, veçanërisht në artin e librit, dhe në mistikën teatrore e dekorative, në të dyja fushat ata kanë krijuar reformën e duhur artistike. Një brez tjetër i "artistëve botërorë" kishte individualitet të madh (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigor'ev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, etj.), Por nuk kishte fare artistë novatorë, sepse nga vitet 1910 "Bota e Misteri” “Epogonia po mbyt. Prandaj, kur karakterizojmë "Drita e misticizmit", kryesisht flasim për fazën e parë të themelimit të këtij bashkimi dhe thelbin e tij - Benoit, Somov, Bakst.
Artisti kryesor i "Botës së Misterit" ishte Kostyantin Andriyovich Somov (1869-1939). Syn i kreut të rojes së Hermitage, i cili, pasi u diplomua në Akademinë e Misterit dhe kishte udhëtuar në Evropë, Somov mori një ndriçim të shkëlqyeshëm. Pjekuria krijuese i erdhi herët, por, siç e vuri në dukje qartë paraardhësi i tij (V.N. Petrov), ai gjithmonë shfaqte shenja dualiteti - një luftë midis ndjeshmërive intensive realiste dhe ndjeshmërive të dhimbshme-emocionale ttyam.
Somov, siç e dimë, u shfaq në portretin e artistit Martinova ("Zonja në Blakitny", 1897-1900, Galeria Tretyakov), në pikturën-portretin "Hëna e orës së kaluar" (1903, e përdorur në hartë, bojëra uji, gouache, Galeria Tretyakov), ai krijon një karakterizim poetik të bukurisë tendencioze, anemike femërore të një imazhi dekadent, që duket se përcjell shenja reale të përditshme të jetës së përditshme. Ai i vesh modelet me kostume të lashta, duke u dhënë atyre një pamje të errët vuajtjeje, konfuzioni dhe trishtimi, thyerje të dhimbshme.
Somov është përgjegjës për një sërë portretesh grafike të shokëve të tij - elitës intelektuale (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lanseray, Dobuzhinsky dhe të tjerë), në të cilat Vikoristov ka një metodë të përbashkët: afidën e bardhë - të këndojë orë pas ore. -sfera e orës – pikturon një denoncim, ngjashmëri në të cilën arrihet jo nëpërmjet natyralizimit, por përmes formalizimit të hollë dhe përzgjedhjes së kujdesshme të detajeve karakteristike. Kjo dukuri e përditshme e orës krijon kërcënimin e staticitetit, bajatit, ftohtësisë, madje edhe egoizmit tragjik.
Më parë, për të gjithë në "Bota e misterit", Somov u kthye në të kaluarën, në interpretimin e shekullit të 18-të. ("List", 1896; "Konfidence", 1897), duke u bërë një paraardhës i peizazheve të Versajës së Benoit. I pari krijon një dritë surrealiste, të thurur nga motivet e kulturës fisnike-kopshtore e oborrtare dhe nga mbresat e fuqishme të përditshme subjektive artistike, të përshkuara nga ironia. Historicizmi i “botës së artit” rrjedh me aktivitet. Jo në të shkuarën, por në vënien në skenë të saj, aq fort sa nuk rrotullohet, është boshti i motivit kryesor të saj. Nuk janë njerëzit e gëzuar që argëtohen, por argëtimi i njerëzve argëtues me puthje nëpër rrugica - ky është Somov.
Veprat e tjera të Somov janë të gjitha shenjtorë baritorë dhe galantë ("Puthja tallëse", 1908, Muzeu Ruse Ruse; "Shëtitja e Markezes", 1909, Muzeu Ruse Ruse), plot ironi kaustike, zbrazëti shpirtërore dhe mungesë shprese. Skena dashurie nga XVIII – kalli XIX V. dhënë së pari me një nuancë erotizmi. Pjesa e mbetur ishte veçanërisht e dukshme në figurinat e tij prej porcelani, kushtuar një teme - ndjekja kryesore e malteve.
Somov punoi gjerësisht si grafik, pasi kishte përpiluar një monografi të S. Diaghilev për D. Levitsky dhe një vepër të A. Benois për Tsarske Selo. Libri, si një organizëm i vetëm, me unitetin e tij ritmik e stilistik, u ngrit në një lartësi supreme prej tij. Somov nuk është një ilustrues, ai "ilustron jo tekstin, por epokën, duke përdorur mjete letrare si trampolinë", duke shkruar për A.A. Sidorov, dhe kjo është e drejtë.
Udhëheqësi ideologjik i "Botës së Misterit" ishte Oleksandr Mikolayovich Benois (1870-1960) - një talent jashtëzakonisht i gjithanshëm. Piktor, grafist dhe ilustrues i kavaletit, artist teatri, regjisor, autor libretosh baleti, teoricien dhe historian i misticizmit, aktivist muzikor, i cili, sipas fjalëve të A. Bily, ishte politikani dhe diplomati kryesor i "Botës së Misterit". . I ardhur nga një rreth i madh i inteligjencës artistike të Shën Petersburgut (kompozitorë dhe regjisorë, arkitektë dhe artistë), ai filloi studimet në Fakultetin Juridik të Universitetit të Shën Petersburgut. Si artist, nga Somov mund të dallojmë prirjet stilizuese dhe pasionin për të kaluarën (“Jam varrosur në Versajë, për shkak të sëmundjes, frikacakëve, varësisë malinje... Kam kaluar plotësisht në të kaluarën...”). Në peizazhet e Versajës, Beni ishte i zemëruar me rindërtimin historik të shekullit të 17-të. Kjo është armiqësia e vazhdueshme e artistit ndaj klasicizmit francez dhe gdhendjes franceze. Ka një përbërje të qartë, hapësirë të qartë, madhështi dhe ashpërsi të ftohtë të ritmeve, duke shfaqur madhështinë e monumenteve mistike dhe një sërë figurinash njerëzore, të tilla si stafet (seria e parë e Versajës 1896-1898). nën titullin "Shëtitjet e fundit të Seria e Louis X. At Another Versailles (1905-1906), e cila është e fuqishme për harkëtarët e parë, është e lidhur me nota ndoshta tragjike (“Shëtitja e Mbretit”, vaj, gouache, bojëra uji, ar, argjend, stilolaps, 1906, Galeria Tretyakov). Është e rëndësishme që një artist teatri të ketë njohuri dhe kuptim të mrekullueshëm për teatrin.
Benoit e percepton natyrën në një lidhje shoqëruese me historinë (shih Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, të përshkruara me teknikën e akuarelit).
Në një seri pikturash nga e kaluara ruse, të pikturuara në punën e ekspozitës së Moskës Knebel (ilustrime përpara "The Tsar's Glades"), në skena të jetës fisnike dhe pronare të tokës në shekullin e 18-të. Benois krijoi një imazh intim të kësaj epoke, madje edhe pak teatralitet ("Parada për Palin I", 1907, Muzeu Rus Rus).
Benois ilustruesi (Pushkin, Hoffmann) është një pjesë e tërë e historisë së librit. Përballë Somovit, Benoit krijon një ilustrim ilustrativ. Zona e anës nuk është qëllim në vetvete për askënd. Ilustrimet para "Gruaja e Mbretëreshës" ishin krijime më të plota të pavarura, dhe jo aq shumë "misteri i një libri", që i besohet A.A. Sidorov, sa "mister është në fund". Dizajni grafik i "The Copper Peak" (1903,1905,1916,1921–1922, bojë dhe bojëra uji, që i ngjan një gdhendjeje me ngjyra në dru) u bë një kryevepër e ilustrimit të librit. Në serinë e ilustrimeve për të madhin, personazhi kryesor është peizazhi arkitektonik i Shën Petërburgut, herë me histori dhe patetik, herë paqësor, herë ogurzi dhe lodhja e të cilit duket ende e pavlefshme për t'u bërë Evgen. Kështu e shpreh Benoit konfliktin tragjik midis aksioneve të pushtetit rus dhe pjesës së veçantë të njerëzve të vegjël (“Dhe gjithë natën i gjori i çmendur,/Kudo që kanë vdekur këmbët,/3 dhe me të kudo Maja e Mes/Kërcim me një marrëzi të rëndësishme”).
Si artist teatri, Benois projektoi shfaqjet e "Stinëve Ruse", më e famshmja prej të cilave ishte baleti "Petrushka" nën muzikën e Stravinsky, i cili punoi gjerësisht në Teatrin e Artit në Moskë, dhe më vonë - ndoshta në të gjitha skena të mëdha evropiane.
Veprimtaria e Benoit - një kritik arti dhe historian i misticizmit, i cili së bashku me Grabarin zhvilloi metoda, duke adoptuar ato të misticizmit rus - është një fazë e tërë në historinë e shkencës mistike (kapitulli "Historia e pikturës së shekullit të 19-të" R Mutera - vëllimi "Pikturë ruse", 1901 - 1902; "Shkolla Rosіyska e Pikturës", Vidannya 1904; "The Tsarovnia Imtritriyvyu", The Tsarovayaveti Petrivni ", 1910; Statti në revistat" Svit Mystetswy "I", Artist Skarki Rosiya "I.
I treti në thelb të "Botës së Misterit" ishte Lev Samuilovich Bakst (1866-1924), i cili u bë i famshëm si artist teatri dhe ishte i pari ndër "botën e artistëve" që fitoi popullaritet në Evropë. Ajo erdhi në "Botën e Misticizmit" nga Akademia e Misterit, duke promovuar më pas stilin e Art Nouveau, duke iu përmbajtur rrymave majtiste të pikturës evropiane. Në ekspozitat e para “To the World of Mysticism”, ai ekspozoi portrete me pikturë të ulët dhe grafike (Benoit, Bely, Somova, Rozanova, Gippius, Diaghileva), ku u transformua natyra, e cila ka vend në të ardhmen e shteteve të gjalla. në Ky është një deklaratë ideale për një qenie njerëzore. Bakst krijoi një markë për revistën "World of Mystery", e cila u bë emblema e "Stinëve Ruse" të Diaghilev në Paris. Grafikat e Bakstit kanë motive të ndryshme nga shekulli i 18-të. dhe kopshte me to. Ai daton në antikitet, madje edhe në atë arkaik grek, me hije simbolike. Veçanërisht e suksesshme në mesin e simbolistëve ishte piktura e tij "Frika e lashtë" - "Terror antiquus" (tempera, 1908, Muzeu Rus Rus). Qielli i stuhishëm është i tmerrshëm, drita vezulluese që ndriçon humnerën e detit dhe vendin e lashtë, dhe mbi të gjithë katastrofën universale korja arkaike po vërshon me një buzëqeshje misterioze. Nezabar Bakst e vlerësoi shumë punën teatrale dhe dekorative, dhe peizazhet dhe kostumet e tij te baletet e ndërmarrjes Diaghilean, Vikonians me shkëlqimin më të madh, virtuoz, artistikisht, i sollën famë botërore. Ai vuri në skenë shfaqje me Anna Pavlovën dhe balet nga Fokine. Artisti grabiti karamele me kostume te "Scherazadi" nga Rimsky-Korsakov, "Zhari-PTITITSI" Straivinskoy (Obudva -1910), "Daphnis I Clar" Ravel, te baleti në muzikën e debitit "Pirlyapoludnevy of the Favna". (i ofenduar –1912).
Nga brezi i parë i "botës së artit" deri te brezi i ri ishte Evgen Evgenovich Lanceray (1875-1946), krijimtaria e të cilit u fokusua në të gjitha problemet kryesore të grafikës së librit që nga fillimi i shekullit të 20-të. (Ilustrime verbuese për librin "Legjenda për kështjellat antike të Brittany", para Lermontov, kopertina për "Nevsky Prospekt" nga Bozheryanov dhe të tjerë). Lanceray krijoi një sërë bojërash uji dhe litografish të Shën Petersburgut ("Kalinkin Place", "Mikilsky Market", etj.). Arkitektura zë një vend të rëndësishëm në kompozimet e tij historike ("Perandoresha Elizaveta Petrivna në Tsarskoe Selo", 1905, Galeria Tretyakov). Mund të thuhet se veprat e Serov, Benois, Lancer kanë krijuar një lloj të ri të pikturës historike - nuk ka komplot, por në këtë rast krijon mrekullisht imazhin e epokës, ngjall impersonalitetin e shoqatave historike, letrare dhe estetike. . Një nga veprat më të mira të Lanceray - 70 piktura të vogla dhe bojëra uji deri në historinë e L.M. "Haxhi Murad" i Tolstoit (1912-1915), siç e admironte Benoit "me këngën e tij të pavarur, pasi për mrekulli humbet në muzikën e fuqishme të Tolstoit". Me kalimin e kohës, Lancer u bë një muralist i njohur.
Grafiku Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) ka përfaqësime jo aq të Shën Petërburgut të kohës së Pushkinit apo të shekullit të 18-të, por të vendit të sotëm, i cili nuk është në gjendje të përcjellë njëfarë virulence tragjike (“Shoku i Vogël i Vjetër”, 1905, bojëra uji, Galeria Tretyakov), ashtu si njerëzit - një përzierje e vendeve të tilla ("Njerëzit në okularë", 1905-1906, pastel, Galeria Tretyakov: samotnya, mbi hirin e sumny Budynki ka një numër njerëzish, të cilëve koka e merr me mend kafkën). Urbanizmi i së ardhmes ngjalli frikë paniku te Dobuzhinsky. Pasi ka punuar shumë në ilustrime, më e bukura mund të shihet në ciklin e tij të bojës së vogël deri në "Netët e bardha" të Dostojevskit (1922). Dobuzhinsky gjithashtu punoi në teatër, duke projektuar "Mikola Stavrogina" të Nemirovich-Danchenko (një përshtatje skenike e "Besivs" të Dostojevskit), dramat e Turgenev "Një muaj në fshat" dhe "The Freeloader".
Mikola Kostyantinovich Roerich (1874-1947) zë një vend të veçantë në "Botën e Misterit". Një ekspert në filozofi dhe etnografi, një arkeolog-shkencëtar, Roerich mori ndriçimin e mrekullueshëm që në fillim në shtëpi, pastaj në fakultetet juridike dhe historiko-filologjike të Universitetit të Shën Petersburgut, më pas në Akademinë e Shkencave në mjeshtrin Kuindzhi. , dhe në Paris në studion e F. Cormon. Duke mësuar autoritetin e të mëdhenjve herët. Ai u bashkua me "botën e artit" nga e njëjta dashuri përpara retrospeksionit, jo vetëm në shekujt 17-18, por antikiteti pagan slloven dhe skandinav, përpara Rusisë së Lashtë; Tendencat e stilizimit, dekorativiteti teatror ("Lajmëtari", 1897, Galeria Tretyakov; "Pleqtë mblidhen", 1898, Muzeu Rus Rus; "Sinisters", 1901, Muzeu Rus Rus). Roerich ishte i lidhur më ngushtë me filozofinë dhe estetikën e simbolizmit rus, por misticizmi i tij nuk u përfshi në kuadrin e drejtimeve natyrore, pasi ishte e qartë se para iluminizmit të artistit dukej se ishte para gjithë njerëzimit për shkak të britmës së një bashkimi miqësor i të gjithë popujve. Këtu bie në sy cilësia epike e pikturave të tij.
Pas vitit 1905 në krijimtarinë e Roerich ka një humor në rritje të misticizmit panteist. Figura historike sakrifikojnë vendin e legjendave fetare ("Beteja Qiellore", 1912, Muzeu Rus Rus). Fluksi i madh i një ikone të vogël ruse në Roerich: paneli i tij dekorativ "Sich at Kerzhents" (1911) u ekspozua gjatë rishfaqjes së një fragmenti me të njëjtin emër nga opera e Rimsky-Korsakov "Përralla e qytetit të padukshëm të Kitezhit". dhe Virgjëreshës Fevronia” në Parisian “Ro këtë sezon”.
Në një gjeneratë tjetër të "Botës së Misterit" një nga artistët më të talentuar ishte Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927), student i Repin, i cili gjithashtu e ndihmoi atë në punën e tij në "Rada Sovran". Kustodiev gjithashtu ka një stilizim të fuqishëm, por jo një stilizim të shtypit popullor popullor. Yjet e krishtlindjeve të ndritura "Panairet", "Maslyani", "Balagani", nga fotot nga jeta borgjeze dhe tregtare, të përcjella me ironi të lehtë, por jo pa favor me këto bukuroshe me faqe të kuqe pas samovarit dhe disqet me gishta topolakë. ." 1915, Muzeu Shtetëror Rus; "Gruaja e tregtarit në çaj", 1918, Muzeu Ruse Rus)
E njëjta "Drita e Misterit" ndau gjithashtu të njëjtin fat si A.Ya. Golovin është një nga artistët më të mëdhenj të teatrit të çerekut të parë të shekullit të 20-të, I. Ya. Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedeva dhe në.
“Drita e misticizmit” u bë një lëvizje e madhe estetike në fillim të shekullit, duke rivlerësuar të gjithë kulturën aktuale artistike, duke konfirmuar shije dhe problematika të reja, duke e kthyer misticizmin – në nivelin më profesional – në forma të grafikës së librit dhe dekorimit teatror, si dhe pikturës. , їх зузілми kanë ardhur. një kritikë e re artistike që, pasi ka përhapur misticizmin rus pas kordonit, në thelb i kthen veprimet e kësaj faze në themelet e shekullit të 18-të rus. “Bota e Artit” krijoi një lloj të ri të pikturës historike, portretit, peizazhit me shenjat e tyre të fuqishme stilistike (prirje të ndryshme stilizimi, rëndësia e teknikave grafike mbi ato vizatimore, urtësia thjesht dekorative në ngjyra, etj.). Kjo tregohet nga rëndësia e saj për misticizmin jetësor.
Dobësitë e "Drita e misticizmit" na u duk menjëherë në shkurtësinë dhe mospërputhjen e programeve, të cilat tingëllojnë si "tani Beclina, tani Manet"; në pikëpamjet idealiste të misticizmit, të prekur nga madhështia e misticizmit, në apoliticitetin programatik, në humbjen e rëndësisë shoqërore të tablosë. Dhoma e “Dritës së Misticizmit”, esteticizmit të tij të pastër, u përcaktua nga termi i fundit historik i jetës së tij në epokën e kufijve të zymtë, tragjikë të revolucionit që po afrohet. Këta ishin kroku i parë në rrugën e njerëzve krijues, dhe të rinjtë ishin shpejt përpara artistëve të "Botës së Artit".
Megjithatë, për disa njerëz të "botës së arteve", revolucioni i vërtetë për botën ishte revolucioni i parë rus. Lëvizshmëria dhe disponueshmëria e grafikëve stimuluan aktivitetin e tyre të veçantë gjatë periudhës së trazirave revolucionare. Revistat satirike Vinikloch (financuan 380 tituj nga viti 1905 deri në 1917). Revista “Sting” u pa në drejtpërdrejtshmërinë e saj revolucionare-demokratike dhe artistët më të mëdhenj u grupuan rreth “Bug” dhe suplementit të saj “Pekelna Posta”. Armiqësia e autokracisë konsumoi artistë me mendje liberale në drejtime të ndryshme. Në një nga numrat e "Bugs" Bilibin vendos një karikaturë "Gomari 1/20 e madhësisë së jetës": pranë kornizës me atributet e fuqisë dhe lavdisë, ku ishte vendosur imazhi i mbretit dhe gomarit të lagur. Lanceray në 1906 Një karikaturë tjetër është "Trizna": gjeneralët e carit në sallën e zymtë nuk mund të dëgjojnë, por ushtarët nuk mund të dëgjojnë se çfarë të bërtasin, çfarë t'i kushtojnë vëmendje. Dobuzhinsky në "Zhovtneva idylya" të vogëlushit është i privuar nga tema e vërtetë e vendit aktual, vetëm shenjat ogurzi të ditës shpërthejnë në vend: dritare, thyejnë çantën, kukullën, okularët dhe flakët e gjakut në mur dhe në brukivtsi. . Kustodiev Vikon ka një numër karikaturash të Carit dhe gjeneralëve të tij dhe Vinyatkov për ashpërsinë dhe ironinë e keqe të portreteve të ministrave të Carit - Witte, Ignatyev, Dubasova dhe të tjerë, të cilët janë kaq të sjellshëm, duke ndihmuar Repin në veprën e tij "Sovrane Rada ". Mjafton të thuhet se Vette, nën dorën e tij, është një klloun që fshihet, me një flamur të kuq në njërën dorë dhe një flamur mbretëror në tjetrën.
Por më e rëndësishmja për numërimin revolucionar të këtyre fateve është njohja e vogëlushit V.A. Serova. Ky pozicion u përcaktua plotësisht gjatë revolucionit të vitit 1905. Revolucioni bërtiti deri në fund të karikaturave të Serovit: "1905 r. Pas pendimit” (Mikola II, me raketë nën parmendë, u shpërndan të penduarve kreshtat e Shën Gjergjit); "Të korrat" (armët vendosen në fushë pranë detit). Më e famshmja në këtë serial është kompozimi “Ushtarë, djem guximtarë! Ku është lavdia jote? (1905, Muzeu Rus). Këtu u zbulua plotësisht pozicioni i madh i Serovit, mjeshtëria, kujdesi dhe lakonizmi i tij i mençur si hartues. Serov përshkruan fillimin e sulmit të Kozakëve ndaj demonstruesve më 9 shtator 1905. Në sfond u jepet një masë e errët demonstruesve; përballë, pranë buzës së çarçafit, ka figura të mëdha kozakësh dhe midis ballit dhe sfondit, në qendër, një oficer me kalë, i cili i thërret të sulmojnë, me shpatën tullac. Emri është për të hequr të gjithë ironinë e hidhur të situatës: ushtarët rusë kanë ngritur një sulm kundër popullit. Kështu u shpalos kjo situatë tragjike për Serovin që në moshën e zotit të tij dhe (le të themi figurativisht) nga thellësia e njohurive liberale të inteligjencës ruse. Artistët rusë, të cilët dëgjuan revolucionin e vitit 1905, nuk dinin të qëndronin përballë ndonjë kataklizmi në historinë e Vietnamit. Duke qëndruar në anën e revolucionit, ata i dhanë përparësi, intelektualisht, terroristëve-bombistëve (përfshirë pasardhësit nihilistë-lehtësues, “me aftësitë e tyre në luftën politike dhe "reflektim ideologjik i ideve të gjera të martesës", sipas një historiani), një vend lokal që qëndron në roje të rendit. Ata nuk e dinin se "rrota e kuqe" e revolucionit nënkuptonte se si ata e urrenin autokracinë, por të gjithë strukturën e jetës ruse, të gjithë kulturën ruse, të cilës i shërbenin dhe atë që ishte e dashur për ta.
Në vitin 1903, siç pritej më parë, u zhvillua një nga ekspozitat më të mëdha të shekullit - "Bashkimi i Artistëve Ruse". Deri më tani, të gjitha figurat e shquara të "Botës së Misterit" janë larguar - Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, pjesëmarrësit në ekspozitat e para përfshinin Vrubel, Borisov-Musatov. Iniciatorët e krijimit të shoqatës ishin artistë të Moskës, të lidhur me "Botën e Misticizmit", si dhe me natyrën e rëndë programore të banorëve të Shën Petersburgut. "Bashkimi" u vlerësua veçanërisht nga piktorët e Moskës të stilit Peresuvnytsky, studentët e Shkollës së Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë, studiues të Savrasovit dhe studiues të Serov dhe K. Korovin. Ka shumë njerëz që janë ekspozuar në ekspozita të ndryshme në të njëjtën kohë. Ndër ekspozuesit e “Bashkimit” ishin këta artistë: S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, vëllezërit Korovini, L. Pasternak. Autoritetet organizative ishin A.M. Vasnetsov, S.A. Vinogradiv, V.V. Paliturnikov. Stovpi peresuvnitstva V.M. Vasnetsov, Surikov, Polenov ishin anëtarët e saj. Drejtuesi i “Bashkimit” ishte K. Korovin.
Peizazhi kombëtar, pikturat e pikturuara me dashuri të Rusisë rurale, është një nga zhanret kryesore të artistëve të "Bashkimit", të cilët e kanë identifikuar "impresionizmin rus" me motivet e tij të rëndësishme rurale dhe jo laike. Pra, peizazhet e I.E. Grabar (1871–1960) me disponimin e tij lirik, me aspektet më delikate djaloshare, zhvat ndryshime të buta nga natyra moderne, një lloj paralelizimi me tokën ruse me peizazhin impresionist francez ("Veresneviy Snow", 1903, Galeria Tretyakov) . Në automonografinë e tij, Grabar flet për këtë peizazh të thjeshtë: “Pamja e borës me gjethet e saj të verdha të ndezura ishte aq e pakënaqshme dhe në të njëjtën kohë aq e mrekullueshme saqë isha i qetë në tarracë dhe gjatë tre viteve. ditë të pikturuara... një foto.” Interesi i Grabar për zbërthimin e ngjyrave të dukshme në paleta spektrale dhe të pastra të ngjyrave lidhet me neo-impresionizmin, J. Seurat dhe P. Signac ("Birch Snow", 1904, Galeria Tretyakov). Nga natyra, efektet komplekse koloristike bëhen objekt i "sharrimit të aleatëve" për të krijuar në telajo një dritë figurative malovi-plastike, duke zvogëluar pamjen dhe ilustrativitetin.
Me gjithë interesimin për transferimin e dritës dhe erës, piktura e mjeshtrave të "Bashkimit" nuk është aspak e kujdesshme për të shkatërruar temën në mediumin dritë-ajër. Ngjyra zhvillon një karakter dekorativ.
“Aleatët” nën udhëheqjen e Shën Petersburgasve – grafistët “To the World of Mystery” – janë piktorë të rëndësishëm që frymëzohen nga ngjyrat dekorative. Një prapanicë monstruoze e kësaj - piktura nga F.A. Malin.
Midis pjesëmarrësve të "Bashkimit" kishte mitsi, afër "botës së arteve", tema e krijimtarisë. Pra, K.F. Yuon (1875-1958) shtoi pamjen e vendeve të lashta ruse, panoramën e Moskës së vjetër. Ale Yuon është një pamje e largët e mëshirës natyrore të së kaluarës, peizazhit kryesor arkitekturor. Kjo nuk është parqet e Versajës dhe barok Tsarsko-Silsky, por arkitektura e Moskës së vjetër në pamjen e saj të pranverës dhe dimrit. Piktura të natyrës nga jeta e përditshme, në të cilat mund të ndjehet natyra e armiqësisë, siç është vetë artisti (Birch Son, 1915, Galeria Tretyakov; "Trinity Lavra në dimër", 1910, Muzeu Rus Rus). Hollësitë delikate të natyrës përcillen në peizazhet e një pjesëmarrësi tjetër në "Union" dhe tani anëtar i Shoqatës së Ekspozitave Peresuviale - S.Yu. Zhukovsky (1873-1944): pafundësia e qiellit, e cila ndryshon barbarinë e tij, vrullin e thellë të ujit, shpërndarjen e borës nën muaj ("Nata mujore", 1899, Galeria Tretyakov; "Votazh", 1909, Rusisht Rusisht Muzeu). Shpesh në Vitin e Ri motivi është një kopsht i mbyllur.
Piktura e artistit të shkollës së Shën Petersburgut, një anëtar besnik i "Unionit të Artistëve Rus" A.A. Rilova (1870-1939), "Zhurma e gjelbër" (1904) mjeshtri ishte në gjendje të përcillte se si ai vetë ndjehej si një erë e freskët, nën të cilën lëkunden pemët dhe frynin dritaret. Ajo ndjen ndjenja të gëzueshme dhe ankthioze. Këtu u dhanë shenja të traditave romantike të mësuesit tim Kuindzhi.
Dizajni i "Aleatëve" nuk ishte vetëm një studim i thjeshtë, por edhe forma monumentale pikture. Deri në vitin 1910, ora e shpërbërjes dhe ripërqafimit të "Botës së Misticizmit", në ekspozitat e "Bashkimit" ishte e mundur të shfaqej një peizazh intim (Vinogradov, Petrovichev, Yuon dhe të tjerë), pikturat mbyllen. ndaj divizionizmit francez (Grabar, Larion i hershëm) ose simbolikës së afërt (P. Kuznetsov, Sapunov, Sudeikin); Pjesë e tyre morën edhe artistët e "Botës së Misterit" të Diaghilev - Benois, Somov, Bakst, Lanceray, Dobuzhinsky.
"Bashkimi i Artistëve Ruse", me themelet e tij të forta realiste, luajti një rol të rëndësishëm në misticizmin e lashtë të imazhit krijues dhe u bë një fluks i madh në formimin e shkollës së pikturës Radyan, e cila ekzistonte deri në vitin 1923.
Fatet midis dy revolucioneve karakterizohen nga tensioni i kërkimeve krijuese, ndonjëherë duke fikur drejtpërdrejt njëra-tjetrën. Në vitin 1907 Në Moskë, revista "Golden Fleece" organizoi një ekspozitë të vetme të artistëve-pasues të Borisov-Musatov, e cila u quajt "Trojani i Zi". Artisti kryesor i "Trojanit të Zi" ishte P. Kuznetsov. Kohët e fundit, M. Sar'yan, N. Sapunov, S. Sudeikin, K. Petrov-Vodkin, A. Fonvizin dhe skulptori A. Matveev filluan të mblidheshin së bashku. “Holoborozistët” më të afërt janë me simbolikën që na është shprehur më parë në “filmin” e tyre: hollësia e humorit, muzikaliteti i pakonceptueshëm, i papërkthyeshëm i asociacioneve, finesa e kompozimeve shumëngjyrëshe. Në misticizmin rus, simbolizmi është formuluar gjithnjë e më shumë në letërsi; në ditët e para të shekullit të ri, emra të tillë si A. Blok, A. Biliy, V. Ivanov, S. Solovyov tashmë ishin dëgjuar. Përveç kësaj, elementë të "simbolizmit të korbit" u shfaqën në krijimtarinë e Vrubelit, siç u përmend tashmë, Borisov-Musatov, Roerich dhe Ciurlenis. Pikturat e Kuznetsovit dhe bashkëpunëtorëve të tij kishin shumë pika me poetikën e Balmont, Bryusov, Bely, madje arritën në simbolikë përmes operave të Wagnerit, dramave të Ibsen, Hauptmann dhe Maeterlinck. Ekspozita “Black Troy” përfaqësonte një sintezë: interpretuan poetë simbolikë dhe u luajt muzikë bashkëkohore. Platformës estetike të pjesëmarrësve të ekspozitës iu dhanë shenja në vitet e ardhshme, dhe emri i ekspozitës u bë nominal për të gjithë drejtpërdrejt në historinë e gjysmës tjetër të viteve 900. I gjithë aktiviteti i "Trojanit të Zi" është gjithashtu i ndikuar fuqishëm nga infuzioni i stilit Art Nouveau (stilizim planar-dekorativ i formave, gjallëri ritmesh lineare).
Veprat e Pavel Varfolomiyovich Kuznetsov (1878-1968) pasqyrojnë parimet themelore të "goluborozistëve". Krijimtaria e tij është e mbushur me konceptin neo-romantik të “qartësisë së bukur” (shprehja e poetit M. Kuzmin). Kuznetsov krijoi një pikturë dekorative në panel, e cila, pasi kishte zgjedhur të abstraktojë nga konkretiteti i jetës, tregoi uniken e njerëzve dhe natyrës, elasticitetin e ciklit të përjetshëm të jetës dhe natyrës, harmoninë e shpirtit njerëzor. Këto janë shprehje të formave monumentale të pikturës, vëzhguese paqësore, të pastruara nga mustaqet e dorës, zagalnogo, shënime për orë, duke përcjellë në mënyrë të qëndrueshme shpirtëroren e materies. Një figurë është thjesht një shenjë që shpreh një koncept; Ngjyra i shërben qëllimit të transmetimit; ritmi - në mënyrë që drita e këndimit të ungjilltarëve (si në ikonografi - një simbol i dashurisë, butësisë, pikëllimit dhe të tjerëve.). Ndriçimi dhe marrja e një shpërndarjeje të barabartë të dritës në të gjithë sipërfaqen e kanavacës është një nga themelet e artit dekorativ Kuznetsov. Serov tha se natyra e P. Kuznetsov "po vdes". Kjo shprehet mrekullisht në suitat e tij Kirgize (Stepovy) dhe Bukhara, në peizazhet e Azisë Qendrore. (“Fjetja në Koshar”, 1911, siç shkruan A. Rusakova, pasardhësja e krijimtarisë së Kuznetsovit, është një imazh i dritës paqësore të stepës, qetësisë, harmonisë. Gruaja e paraqitur nuk është një person specifik, por një grua kirgize, një shenjë e Rasiut mongol.) Qielli i lartë, pa shkretëtira, kodra të buta, brigje, tufa delesh krijojnë imazhin e një idili patriarkale. Ëndrra unike, e paarritshme për harmoninë, për zemërimin e njerëzve me natyrën, e cila është vlerësuar gjithmonë nga artistët ("Mirage at the Steppe", 1912, Galeria Tretyakov). Kuznetsov mësoi teknikat e ikonografisë së lashtë ruse dhe Rilindjes së hershme italiane. Ky zhvillim i traditave tradicionale të misticizmit të lehtë në frymën e stilit të tij madhështor, siç u vërejt qartë nga paraardhësit e tij, ka pak rëndësi në periudhën kur njerëzve shpesh u mungonte ndonjë traditë.
Ekzotizmi menjëherë - Irani, Egjipti, Turqia - u frymëzua nga peizazhet e Martiros Sergiyovich Sar'yan (1880–1972). Mbledhja ishte një temë e natyrshme për artistin virmenian. Saryan krijon në pikturën e tij një lehtësi, një version dekorativiteti të ndritshëm, më pasionant, më tokësor, më pak Kuznetsov, dhe vendimi i festës së djalit ishte gjithmonë i frymëzuar nga marrëdhëniet e kundërta me ngjyrat, pa nuanca, me një mjedis të mprehtë në hije. (“Phoenix Palm, Egjipt”, 1911, karrocë, Tempera, Galeria Tretyakov). Është e rëndësishme të theksohet se veprat orientale të Saryan, me kontrastet e tyre shumëngjyrëshe, duken të jenë më të hershme se veprat e Matisse, të krijuara prej tij pas vizitës në Algjeri dhe Marok.
Imazhet e Sar'yan janë monumentale për shkak të rregullsisë së formave, fushave të mëdha barvous, lëvizjes lapidare zagal - kjo, si rregull, është një referencë për imazhin e Egjiptit, Persisë dhe Virmenisë vendase, e cila ruan natyrën. disa shkrime nga natyra. Kanavacat dekorative të Saryan janë gjithmonë të gjalla, ato dëshmojnë për deklaratën e tij për krijimtarinë: "... krijimi i misticizmit është vetë rezultat i lumturisë, ose punës krijuese. "Sigurisht, është e mundur të ndezësh në sy gjysmën e furrës krijuese, të pranosh shfaqjen e të fuqishmit në formën e natyrës së tokës, lumturisë dhe lirisë."
Kuznetsov dhe Saryan, me veshjet e tyre të gdhendura, krijuan një imazh poetik të botës së pasur të pasur, njëra bazuar në traditën e misticizmit të lashtë rus të ikonave, tjetra në miniaturën e lashtë ukrainase. Gjatë periudhës së “Trojanit të Zi”, ata shtuan interesin e tyre edhe për motivet dhe tendencat simbolike orientale. Autoritetet nuk patën ndonjë ndikim impresionist te artistët e Trojanit të Zi.
“Holoborozistët” performuan me bollëk dhe frytshmëri në teatër, të ndërthurur ngushtë me dramaturgjinë dhe simbolikën. N.M. Sapunov (1880-1912) dhe S.Yu. Sudeikin (1882–1946) u dekorua me drama nga M. Maeterlinck, një Sapunov - G. Ibsen dhe "Balaganchik" i Blokut. Sapunov e transferoi këtë fantazi teatrale, stilizim popullor në panair në veprat e tij të kavaletit, natyra gostro-dekorative me lule letre në vazo porcelani vishnje (“Pivoni”, 1908, tempera, Galeria Tretyakov), në skena të zhanrit grotesk, (“Maskarada”, 1907, Galeria Tretyakov).
Në vitin 1910 një numër artistësh të rinj - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova dhe të tjerë - u bashkuan në organizatën "Jack of Diamonds", e cila kishte një statut të vogël, i cili kontrollonte ekspozitat dhe, me sa duket, koleksionet e artikujve. "Jack of Diamonds" në fakt u ngrit deri në vitin 1917. Ashtu si postimpresionizmi, përpara se Cezanne të bëhej një "reagim ndaj impresionizmit", kështu "Jack of Diamonds" foli kundër paqartësisë, mospërputhjes dhe nuancave delikate të gjuhës simbolike të "Trojandës së Zezë" dhe "misticizmit estetik". "Dambourines", të zhytur në materialitet, "vokalitet" të dritës, krijuan një dizajn të qartë të figurës, të përforcuar nga objektiviteti i formës, intensiteti dhe tingulli i ngjyrës. Jeta e vdekur e Nevypadkovo po bëhet një zhanër i preferuar i "Valetivtsev", ashtu si peizazhi është një zhanër i preferuar i anëtarëve të "Bashkimit të Artistëve Rus". Illya Ivanovich Mashkov (1881–1944) në jetën e tij të qetë ("Kumbulla blu", 1910, Galeria Tretyakov; "Njerëz e qetë me një kamelia", 1913, Galeria Tretyakov) përcakton plotësisht programin e bashkimit të saj, si Petro Petrovich Konchalovsky (1 876–195) portrete (portreti i G. Yakulov, 1910, Muzeu Shtetëror Rus; "Matador Manuel Hart", 1910, Galeria Tretyakov). Shkathtësia në përcjelljen e ndryshimeve të humorit, psikologizmi i karakteristikave, mungesa e besimit në kampe, dematerializimi i pikturës së "goluborozitëve", poezia e tyre romantike hidhet jashtë nga "valetianët". Ato shfaqin shenjtërinë spontane të farbit, shprehjen e një vizatimi konturor, impasto të shijshme të një mënyre të gjerë shkrimi, e cila përcjell një humor optimist në botë, duke krijuar një humor që mund të jetë një showroom ose Maidan. Konchalovsky dhe Mashkov në portretet e tyre japin një karakterizim të qartë, por njëdimensional, ndonjëherë duke e ekzagjeruar deri në grotesk, një kufi; në jetën e qetë ata theksojnë sipërfaqen e kanavacës, ritmin e spërkatjeve shumëngjyrëshe ("Agave", 1916, Galeria Tretyakov, - Konchalovsky; portret i një gruaje me një fazan, 1911, Muzeu Rus, - Mashkova). "Bubnovoletivtsi" lejojnë thjeshtime të tilla në formën e interpretuar si të ngjashme me lubok popullor, lodër popullore, kahli të pikturuar, viviska. Një mall për primitivizëm (nga latinishtja primitivus - para së gjithash) u shfaq në artistë të ndryshëm që trashëguan forma të thjeshtuara të misticizmit për epokat primitive - fiset dhe kombësitë e para - në shakatë e ditës pa një terren të mesëm dhe integritetin e shprehjes artistike. . “The Jack of Diamonds” e mori frymëzimin e tij nga Cézanne (i quajtur edhe “sésanism rus”), ose më mirë, nga versioni dekorativ i sesanizmit – Fauvizmi, aq më tepër – nga kubizmi, madje edhe nga futurizmi; nga kubizmi ka forma “ssuv”, nga futurizmi – dinamika, modifikime të ndryshme të formës, si në pikturën “Dzvin. Dzvinitsya e Ivanit të Madh" (1915, Galeria Tretyakov) nga A.V. Lentulov (1884-1943). Lentulov krijoi një imazh shumë shprehës, bazuar në motivin e arkitekturës së vjetër, harmonia e së cilës u shkatërrua nga shoqëria nervoze, mikpritëse e njerëzve të zakonshëm, ritmet e çmendura industriale.
Portrete të P.P. Falk (1886-1958), i cili ka humbur besnikërinë e tij ndaj kubizmit në format e tij racionale dhe të interpretuara (nuk është kot të flasim për "kubizmin lirik" të Falk-ut), i fragmentuar në harmoni delikate ngjyra-plastike që përcjellin staturën e këndimit të model.
Jetët e qeta dhe peizazhet e A. V. Kuprin (1880-1960) ndonjëherë shfaqin një notë epike, dhe ka një tendencë për t'u bërë më formale ("Futa e qetë me një shalqi, vazo dhe furça", 1917, Galeria Tretyakov, e quajtur me të drejtë nga pasardhësit "duke kënduar "Çfarë mbulon praktika e pikturës? Kalli dekorativ i Kuprinit përputhet me depërtimin analitik të natyrës.
Forma jashtëzakonisht e thjeshtë, një lidhje e drejtpërdrejtë me mistikën e uiskit, bie veçanërisht në sy te M.F. Larionov (1881-1964), një nga themeluesit e "Jack of Diamonds", dhe gjithashtu në 1911. duke u shkëputur me të dhe duke organizuar ekspozita të reja: “Bishti i gomarit” dhe “Target”. Larionov pikturon peizazhe, portrete, natyra të qeta, duke vepruar si një artist teatror i ndërmarrjes së Diaghilev, pastaj zhvillohet në një pikturë zhanri, tema e së cilës është një rrugë provinciale dhe kazerma e ushtarëve. Format janë të sheshta, groteske, buzët janë tërësisht të stilizuara që t'i ngjajnë foshnjës së një fëmije, një shami ose një tempull. Në vitin 1913 Larionov botoi librin e tij "Rayism" - në thelb, i pari nga manifestet e mistikës abstrakte, krijuesit kryesorë të të cilit në Rusi ishin V. Kandinsky dhe K. Malevich.
Artisti N.S. Goncharova (1881–1962), skuadra e Larionov, zhvilloi vetë tendencat në pikturat e zhanrit, veçanërisht në një temë rurale. Ne e shikojmë fatin e krijimtarisë së saj, më dekorative dhe më e çuditshme, më pak se mistika e Larionov, monumentale pas forcës së brendshme dhe lakonizmit, mund të ndihet thellë primitivizmi i varrosur. Duke karakterizuar krijimtarinë e Goncharova dhe Larionov, shpesh përdoret termi "neo-primitivizëm". Në fakt, jemi afër për nga drita artistike dhe shprehjet e gjuhës së larmishme të O. Shevçenkos, V. Chekrigin, K. Malevich, V. Tatlin, M. Chagall. Secili prej këtyre artistëve (faji i takon Chekrigin, i cili vdiq shumë herët) e di qartë rrugën e tij të fuqishme krijuese.
M.Z. Chagall (1887–1985) krijoi fantazi, u shndërrua nga armiqtë e mërzitshëm të jetës së qytetit të vogël të Vitebsk dhe i interpretoi ato në një frymë naive-poetike dhe groteske-simbolike. Me hapësirën e tij surreale, barvisitetin e ndritshëm dhe pranimin e pavëmendshëm të formës, Chagall duket i afërt si me ekspresionizmin e përparuar ashtu edhe me misticizmin primitiv popullor ("Unë dhe fshati", 1911, Muzeu i Artit Modern, Nju Jork; "On d Vitebsk", 1914 , zіbr. Zak. Toronto, "Vinchannya", 1918, Galeria Tretyakov).
Shumë nga mjeshtrat e lartpërmendur, afër "Jack of Diamonds", ishin pjesë e organizatës së Shën Petersburgut "Youth Union", e cila u formua në të njëjtën kohë me "Jack of Diamonds" (1909). Kremi i Chagall në "Union" u ekspozua nga P. Filonov, K. Malevich, V. Tatlin, Y. Annenkov, N. Altman, D. Burlyuk, A. Exter dhe në. Rolin kryesor e luan grav i ri L. Zheverzheev. Pra, si valetianët, anëtarët e Unionit të Rinj nxorën asamble teorike. Deri në rënien e ob'ednannya në 1917. “Bashkimi i Rinisë” ka një program këndimi, duke theksuar simbolizmin, kubizmin, futurizmin dhe “joobjektivitetin”, dhe artistët janë më të ekspozuar në mënyrë krijuese.
Karakteristikat më të mëdha të palosjes së P.N. Filoniv (1883-1941). D. Sarab'yanov e përshkroi saktë krijimtarinë e Filonov si "të barabartë dhe unike". Në këtë kuptim, është e drejtë ta vendosim artistin në të njëjtin nivel me A. Ivanov, N. Ge, V. Surikov, M. Vrubel. Vazhdoni me artikullin e Filonov, paraqitjen e tyre në kulturën artistike ruse të viteve 10 të shekullit të 20-të. natyrore. Me fokusin e tij në “një rrjedhë unike formash që zhvillohet vetë” (D. Sarab’yanov), Filonov është më afër gjithë futurizmit, por natyra problematike e krijimtarisë së tij është larg çdo gjëje të re. Shvidshe vin është afër jo me malovnikun, por me futurizmin poetik të Khlebnikov me kërkimet e tij për kuptimin parësor të fjalës. "Shpesh duke filluar të pikturojë një pikturë nga çdo skaj, duke transferuar ngarkesën e tij krijuese në forma, Filonov u tregon atyre për jetën, dhe ata nuk janë më në vullnetin e artistit, por me dorën e tyre perandorake, ato zhvillohen, ndryshojnë, ndryshojnë, rriten. Vetë-zhvillimi i formave nga Filonov është vërtet i jashtëzakonshëm” (D. Sarabyanov).
Mistika e shkëmbinjve para-revolucionarë në Rusi tregohet nga kompleksiteti i jashtëzakonshëm dhe super-larmishmëria e ideve artistike që ndryshojnë një grup me cilësimet e tyre programore dhe simpatitë stilistike. Përveç eksperimentuesve në magjepsjen me format abstrakte në orën mistike ruse, si "Bota e Artit" dhe "Goluborozivtsi", "Aleatët", "Vullnetarët Dambourine" vazhduan të praktikojnë njëkohësisht, duke futur gjithashtu një rrymë të fortë neoklasike. por cila mund të jetë krijimtaria e një anëtari aktiv të “Mistereve të Botës” nga “një brez tjetër” Z.Є. Sribnyakova (1884-1967). Pikturat e zhanrit poetik të Serebryakov me vogëlsinë e tyre lakonike, formimin plastik dukshëm të ndjeshëm dhe nivelin e rëndësisë së kompozimit të Serebryakov vijnë nga traditat e larta kombëtare të misticizmit rus, së pari Venetsianova dhe më shumë - mistika e lashtë ruse ("Selyani", 1914, 15, 15 Muzeu i Artit Odessa;
Ne kemi gjetur prova të shkëlqyera të vitalitetit të traditave kombëtare, pikturën e madhe të lashtë ruse dhe veprën e Kuzma Sergiyovich Petrov-Vodkin (1878–1939), një artist-mendimtar që më vonë u bë një mjeshtër i shquar i artit. Në pikturën e famshme "Bathing the Red Horse" (1912, PT), artisti shkoi aq larg sa të krijonte një metaforë të krijimit të imazhit. Siç u vu re saktë, i riu mbi një kalë të kuq të ndezur evokon lidhjen me imazhin popullor të Shën Gjergjit Fitimtar ("Shën Yegory") dhe siluetën e habitshme, kompozimin ritmik, kompakt, intensitetin e tingullit në Forca e plotë e ngjyrave të kundërta, rrafshimi për enigmën rreth ikonës së vjetër ruse. Një imazh i ndriçuar në mënyrë harmonike është krijuar nga Petrov-Vodkin në kanavacën monumentale "Vajzat në Volz" (1915, Galeria Tretyakov), e cila tregon orientimin e saj në traditën e misticizmit antik, i cili e sjell mjeshtrin në nivelin e duhur ї kombësi.
MISTERI RUS I KINTSYAXIX- COBXXSHEKULLI
Kinet XIX-kalli XX cent. Është një epokë, një pikë kthese në të gjitha sferat e jetës shoqërore dhe shpirtërore. Rusia kaloi një revolucion. "Po kalojmë orë të stuhishme," shkroi W.I. Lenini, i lindur në 1902, - nëse historia e Rusisë përparon me hapa të mëdhenj, afatshkurtër do të thotë më shumë se një dekadë periudhash paqësore. Çelësi për të kuptuar mirëkuptimin e ndërsjellë të misticizmit me veprimtarinë historike të kësaj ore mund të jetë formimi, i formuluar nga V.I. Lenini në serinë e famshme të artikujve për L. N. Tolstoy: "Dhe meqenëse kemi para nesh një artist vërtet të madh, atëherë njerëzit, edhe nga anët thelbësore të revolucionit, janë fajtorë për mashtrimin e krijimeve të tyre". Rezultati është një interpretim leninist i diatributeve të Tolstoit: “E lodhshme në sytë e Tolstoit nuk është një fshirje e mendimeve të tij të veçanta, por reflektim i këtyre mendjeve shumë inteligjente, super të ndjeshme, flukseve shoqërore, traditave historike, si dhe nënkupton psikologjinë. të klasave të ndryshme dhe besimeve të ndryshme të konsullatës ruse për reformën, apo epokës së pararevolucionit”. E gjithë ideja e Leninit është të përqafojë parimin themelor metodologjik të shpjegimit historik të misticizmit, i cili na lejon të zgjerojmë atë që thuhet për Tolstoin në fushën e krijimtarisë artistike.
Megjithatë, nuk është e lehtë të kuptosh këtë situatë dhe të mendosh se në çdo veprimtari krijuese vërehen menjëherë shenja të një krize të rendit borgjez ose të dyndjes së ideologjisë proletare. Kjo do të thotë thjesht se misticizmi në përgjithësi, në prirjet kryesore të procesit artistik, bëhet një manifestim i forcave të mbinatyrshme të zhvillimit të vonë borgjez, që kërcënon me një dridhje revolucionare dhe varet si proletariati që kryen forcën revolucionare. Niveli i thellësisë dhe i mprehtësisë së këtyre rubrikave është i tillë që misticizmi dhe mistika akoma më krijuese, e cila shtrihet në të djathtë të dritës së disponueshme për syrin e jashtëm, gradualisht po kapërcehet nga pamundësia për të përshkruar një jetë të re. metoda e realizmit të vjetër - metoda e paraqitjes së drejtpërdrejtë të veprimtarisë në vetë format e veprimtarisë. Primati i imazheve dhe formave artistike, që shprehin indirekt vendin e realitetit, mbi format e reflektimit indirekt është aspekti kryesor i rëndësishëm i mistikës së fundit të shekullit të 19-të dhe fillimit të shekullit të 20-të.
KULTURA NË SHEKUJT KORDONI
Kronologjikisht, kjo periudhë varion nga fillimi i viteve '90 dhe 1917. Vitet e 80-ta do t'i përshkruaj si një dekadë kalimtare kur realizmi i gjysmës tjetër të shekullit të 19-të arrin kulmin. në krijimtarinë e Repin dhe Surikov, dhe në të njëjtën kohë, vërehen pamje të një ndjesie të re mirëkuptimi në veprat e para të artistëve që kanë arritur lulëzimin krijues në periudhën e sotme.
Në mendjet e polarizimit të forcave pezull dhe betejave të klasave në rritje, të ushqyerit për vendin dhe rolin e misticizmit po ngrihen dhe ndryshojnë përsëri. Vetë jeta duket se është ndikuar nga demokratizimi i misticizmit, i cili u perceptua fort nga vetë artistët dhe u shkri me prirjen drejt një përsosjeje të sofistikuar të formës artistike që karakterizon krijimtarinë e mjeshtrave më të mëdhenj të kësaj ore - Vrub El, Levitan. , Serov, Borisov-Musatov dhe veçanërisht përfaqësuesit e kunjit "Drita e Misterit" - i pari i madh pas Wanderers.
Pas situatës revolucionare të viteve 60-70, Rusia përjetoi një reagim të dhunshëm politik. Vitet 1980 ishin një orë krize për populizmin revolucionar dhe e njëjta platformë ideologjike mbi të cilën bazohej estetika e Endacakëve. E gjithë kjo dekadë ishte njëkohësisht një orë e lulëzimit të madh të realizmit Peresuvnytsky në veprën e Repin dhe Surikov, dhe fillimi i krizës së tij. Vëzhguesit e sotëm tashmë kanë filluar ta shohin atë si një fenomen që i ka mbijetuar kohës së lulëzimit.
Në vitin 1894 r. Përfaqësuesit më të mëdhenj të Partneritetit - Repin, Makovsky, Shishkin, Kuindzhi - janë bërë profesorë akademikë.
Patosi social kritik i mistikës së dikurshme nuk ekziston, por është transformuar plotësisht. Shfaqet si forma të afirmimit të idealeve të harmonisë dhe të bukurës në njohjen e publikut të natyrës së tyre iluzore, magjepsjes së këtyre idealeve të përjetshme të kulturës me rendin aktual botëror, i cili ishte burimi i disponimit pesimist, në të cilin ata u bënë një nga veçoritë e rëndësishme të klimës intelektuale, në fakt. Dëshmia se bukuria nuk vjen nga materialet e kësaj bote, por rrjedh vetëm nga shpërdorimi i burimeve të pushtetit për talentin dhe imagjinatën poetike të artistit, është bërë gjithnjë e më shumë subjekte vulgare, alegorike ose mitologjike, dhe në vetë strukturën është forma të këqija jete, të cilat i përkthyen imazhet e realitetit të jashtëm në fushën e dukurive folklorike, duke hamendësuar për të kaluarën dhe të panjohurën para të nesërmes.
Metoda analitike për realizmin e mesit të shekullit të nëntëmbëdhjetë. jeton për vete. Pseudonimi Postrizhianikh borgjezis, Nabudosyn, jo aq moral dhe etik, Socialnna Zabirnnya, Skilki Verisna është ekstetik: Golovna është e keqe, për të sjellë borgjezët e borgjezëve svit,- Baiduzhniy në të bukurën, atrofinë dhe aq dheun. Misioni humanist i artistit tani ndiqet në mënyra që duket se janë të arritshme për mistikën. "Zgjohu... për kënaqësinë e të zgjuarve nga imazhet e mrekullueshme..." - kështu shprehet M. Vrubel." Në formën e tij më të qëndrueshme, ky problem u reduktua në zhvillimin e shtypjes së prozës utilitare në të njëjtën sferë të përditshme - sferën e jetës së përditshme.
Afërsia e harruar e mistikës me jetën u kuptua nga artistët e messhekullit dhe Endacakët si imazhi i harruar i jetës në misticizëm, por vetë mistika humbi pasi u rrethua me muret e muzeut. Artistët e fundit të shekullit të 19-të. Pranojeni formulën e afrimit të misticizmit me jetën në kuptimin e tij të drejtpërdrejtë - si një futje e paracaktuar e mistikës në jetë, e shndërruar me bukurinë në botën shtesë.
Një pikturë, një figurë skulpturore duhet të largohet nga muzeu, për shkak të lidhjes së padukshme me fjalimet dhe arkitekturën e përditshme, që i bën njerëzit më të dalluar. Por për këtë krijim artistik, në vetë pëlhurën e tij, në konfigurimet e formave dhe pëlhurave, mund të jetë harmonik deri në mes të skajshme, për të formuar një ansambël të vetëm prej tij. Kjo tërësi siguron stilin që jep ligji i formës, i cili përshkon të gjithë hapësirën e misticizmit të gjerë, stil që, deri në krijimin e çdo lloji, u ndikua drejtpërdrejt nga artistët që nga fundi i shekullit të 19-të deri në shek. fillimi i shekullit të 20-të. Në Rusi, emri stil Art Nouveau u braktis.
Revolucioni i 1905-1907, sipas fjalëve të V.I. Lenini, "Revolucioni është i popullit" 2. Natyrisht, këto shkatërrime në njohuritë artistike u zbuluan menjëherë si të përcaktuara drejtpërdrejt nga e gjithë rrjedha e zhvillimit të përparuar të artit rus. Pika e kthesës së epokës së analizuar u përcaktua nga zhvillimi i konflikteve të brendshme, polemika e dukshme ose e nënkuptuar midis grupeve artistike fqinje dhe ashpërsia kaleidoskopike e ndryshimit të njëri-tjetrit, në shpejtësinë në rritje të evolucionit artistik, veçanërisht pas vitit 1910. Kjo u vërtetua nga aktiviteti ekstrem i jetës ekspozitare, dhe nga rritja e numrit të ngjarjeve periodike dhe të llojeve të tjera, kushtuar posaçërisht ushqimit të misticizmit krijues, veçanërisht atij të përditshëm - rus dhe natyrisht evropian.
Një rol të madh në këtë proces luajti grupi i artistëve "Bota e Misterit", të cilët kontrolluan ekspozitat më të fundit dhe shfaqjet retrospektive të misticizmit rus të shekullit të 18-të. . Duke ftuar mjeshtra të huaj evropianë të marrin pjesë në ekspozitat e tyre, "Drita e Misterit" ka zgjeruar kontaktet midis misticizmit rus dhe të huajve aktualë. Një fenomen i madh është zhvillimi i artistëve të rinj rusë në shkollat dhe studiot private evropiane. Veprimtaria e “Botës së Misticizmit”, me qendër në Shën Petersburg, nxiti procesin e konsolidimit të forcave artistike në Moskë, gjë që çoi në themelimin në vitin 1903 të një shoqate të re artistike - “Bashkimit të Artistëve Ruse”. Vetë rëndësia e shkollës Malovnik të Moskës dhe e Shën Petersburgut “Miriskusnitsky”, e lidhur drejtpërdrejt me kultin e saj të grafikës, mund të identifikohet si një faktor i domosdoshëm në zhvillimin e misticizmit në periudhën që po shihet.
Një tipar tjetër i rëndësishëm i kësaj periudhe është përafrimi me zhvillimin e pabarabartë të llojeve të tjera të misticizmit: pranë pikturës ka arkitekturë, misticizëm dekorativ, grafikë librash, skulpturë, peizazhe teatrale. Hegjemonia e pikturës së kavaletit, e cila simbolizonte mistikën e messhekullit, po kalon. Në mendje, nëse sferat e krijimtarisë krijuese të ndenjur po zgjerohen përtej besimit, po formohet një lloj i ri artisti universal, i cili "mund të bëjë gjithçka" - të pikturojë një pikturë dhe një panel dekorativ, të bëjë një vinjetë për një libër dhe një pikturë monumentale. , dizenjoni një skulpturë dhe bëni një kostum teatrale. Veprat e M. Vrubel dhe artistët e "Botës së Misterit" simbolizohen nga vizatimet e një universalizmi të tillë.
Kulti i universalizmit artistik është zhdukur midis një grupi artistësh që ishin grupuar rreth industrialistit dhe filantropistit S. I. Mamontova. Vinik i lindur më 1872 Dhe në "rezidencën" e tij në Abramtsevo afër Moskës, grupi u bë një lloj farkëtimi i ideve dhe formave të misticizmit të ri rus. Veprimtaria e grupit gradualisht zhvillon një orientim drejt dekorimit teatror dhe misticizmit dekorativ, drejt ringjalljes së mistikës popullore. Mblidhen punime artizanale, motive folklorike përdoren në punë krijuese - në bast, qëndisje, lodra, gdhendje druri.
I favorizuar...
