El misticismo ruso se remonta a principios del siglo XX. Las principales direcciones del arte creativo del siglo XX - SkillsUp: un práctico catálogo de lecciones de diseño, infografía, lecciones de Photoshop, lecciones de Photoshop

1. El misterio de Rusia a finales del siglo XX. La última década del siglo XX en Rusia estuvo llena de medidas políticas y económicas que cambiaron radicalmente la situación del país. Disolución de la Unión en 1991 y un cambio en el rumbo político, una transición hacia los insumos del mercado y una clara orientación hacia un modelo avanzado de desarrollo económico, soluciones, debilitando, incluso hasta el punto de exprimir por completo, el control ideológico: todo el precio a principios de los años 90 fue por lo que Fue culturalmente El medio comenzó a cambiar rápidamente. La liberalización y democratización del país han llevado al desarrollo y formación de nuevas tendencias e influencias directas en la mística histórica. La evolución del arte en la década de 1990 en Rusia surge de la tendencia emergente de aquellos en el poder hacia el posmodernismo, del surgimiento de una nueva generación de artistas jóvenes que trabajan en direcciones tales como conceptualismo, infografía, neoclasicismo relacionado con el desarrollo de tecnologías informáticas en Rusia. Habiendo surgido del eclecticismo clásico, el "neoclasicismo nuevo ruso" se convirtió en un "diamante rico", incorporando en sí mismo varias direcciones que no estaban presentes antes de los "clásicos" antes de la era del modernismo. Neoclasicismo- Esto está directamente relacionado con el misticismo, en el que los artistas reviven las tradiciones clásicas de pintura, gráfica, escultura y al mismo tiempo utilizan activamente las nuevas tecnologías. Historiador y teórico británico del misticismo. Edward Lucy Smith llamando al neoclasicismo ruso “la primera manifestación sorprendente de la cultura rusa, que ha influido en el proceso artístico mundano después de Kazimir Malevich”. El neoclasicismo combina algo diferente, un clasicismo inferior, anterior a la antigüedad. La visión histórica de la cultura griega, mientras que la creación antigua no se basó en un ideal histórico absoluto, sino concreto, la herencia de los griegos dio lugar a un sentido diferente: en el misticismo antiguo, no fue la normatividad la que llegó a la En primer lugar, sino la libertad, la comprensión de las reglas, etc. A partir de ahora se convertirá en un canon, la vida real de las personas. D.V. Sarab'yanov Conozcamos el neoclasicismo en su “complicada” modernidad. Sin embargo, el neoclasicismo puede verse influenciado tanto por la modernidad tardía como por sí mismo directamente. La creatividad de los “nuevos artistas” carece de modernidad pura y neoclasicismo, siempre están entrelazados, los artistas de la nueva academia unieron varias corrientes en el misticismo creativo de imágenes: vanguardia, posmodernismo, clasicismo en espacios abiertos del “arte colaje”. " El trabajo de los “nuevos artistas” es ecléctico e incorpora infografía, grabado, pintura y fotografía. Los artistas transfirieron sus creaciones al formato digital, vieron los fragmentos necesarios y crearon collages, actualizaron magistralmente el vestuario y la decoración de hace mucho tiempo. La combinación de métodos tradicionales con las capacidades de los programas de gráficos por computadora ha ampliado el potencial creativo de los artistas. A partir del material escaneado se recogieron collages, se les agregaron efectos artísticos especiales, se deformaron y crearon composiciones ilusorias. Los representantes más bellos del neoclasicismo de San Petersburgo de principios de los 90. O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobistin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoclasicismo Toberluts Esta es una de las manifestaciones del romanticismo. Sus creaciones parecen resaltar a las personas, el mundo y la nobleza, que han sido enterrados y brutalizados hasta alcanzar un ideal eterno. . La propia artista se convierte en la heroína de sus creaciones. Detrás del estilo, la creatividad de O. Toberluts se puede identificar como neoclasicismo, pasando por el estilo posmodernista, como un mundo ecléctico, que representa templos antiguos, interiores renacentistas, milenios holandeses y trajes del diseñador K. Honch Rova como un toque de actualidad. Las infinitas posibilidades de la infografía confieren a los robots de O. Tobreluts una cualidad fantástica y sobrenatural. Para obtener ayuda adicional con tecnologías informáticas E. Sheff Se vuelve hacia la antigua Grecia, luego hacia la antigua Roma, creando imágenes de la mitología antigua en collages. en la serie "Mitos de Luis" El artista tomó fotografías de esculturas griegas, esporas arquitectónicas y las imbuyó de efectos antiguos. Con la ayuda de tecnologías informáticas, el artista restaura el estado prístino del Coliseo realizando recorridos impresionantes. pintura digital Shutová Es el equivalente emocional de tus pérdidas numéricas. Aquí puede encontrar clásicos griegos, pinturas etnográficas y elementos de la subcultura juvenil. Por tanto, se puede concluir que el final del siglo XX supuso un punto de inflexión no sólo en la vida política y económica de Rusia, sino también en la historia. En la década de 1990, se estableció una fuerte directiva en la mística creadora de imágenes del “nuevo neoclasicismo ruso”. El desarrollo de las tecnologías informáticas en Rusia amplió el potencial creativo de los artistas; nuevos artistas, utilizando nuevas tecnologías, crearon obras clásicas. Golovne no se trata de técnica o tecnología, sino de estética. Clásico mozhe buti suchasne mystetstvo. 2. El misterio de Rusia a principios del siglo XXI. La peculiaridad del arte creativo de principios de los siglos XX y XXI es que se convirtió en el resultado de la opresión de la censura, como resultado de la afluencia de poder, y no como resultado de la economía de mercado. Dado que recientemente los artistas profesionales recibieron un paquete de garantías sociales, sus pinturas fueron compradas en exposiciones y galerías nacionales, ahora pueden pagar el seguro sin sus propios recursos. Sin embargo, la pintura rusa no se ha extinguido ni se ha transformado en algo parecido al misticismo emergente europeo y americano; continúa desarrollándose sobre la base de las tradiciones rusas. El misticismo cotidiano lo exhiben galerías de misticismo contemporáneo, coleccionistas privados, corporaciones comerciales, organizaciones de arte nacionales, museos de mística contemporánea, estudios de arte o artistas en el espacio dirigido por artistas. Los artistas de hoy reciben apoyo financiero mediante subvenciones, premios y premios, además de ganar dinero con la venta de sus obras. La práctica del ruso es cada vez más difícil para cualquiera que se sienta así. Museos, bienales, festivales y ferias de mística cotidiana se están convirtiendo paulatinamente en herramientas para captar capital, inversiones del negocio turístico y parte de la política gubernamental. Los coleccionistas privados ya están incursionando en todo el sistema del misticismo cotidiano. Rusia tiene una de las mayores colecciones de misticismo cotidiano, el museo independiente de misticismo cotidiano Erarta, cerca de San Petersburgo. Direcciones a la mística de la realidad: No espectacular, no misterioso.- directamente de la mística actual, que resalta la apariencia y la teatralidad. Un ejemplo de tal misticismo es la actuación del artista polaco Pavel Althamer Script Outline, en la exposición Manifesta en 2000. Rusia tiene su propia versión de mística no espectacular, ya que Anatoly Osmolovsky, arte callejero(Inglés) arte callejero- misticismo callejero) - misticismo figurativo, cuya importancia es la expresión más brillante del estilo urbano. La mayor parte del arte callejero es grafito (también conocido como arte en aerosol), pero es imposible entender que el arte callejero no es grafito. El arte callejero también incluye carteles (no comerciales), plantillas, diversas instalaciones escultóricas, etc. En el arte callejero, los detalles de la piel, las vetas, el tono, el color y la línea son importantes. El artista crea su propio logotipo estilizado, un "signo único" que lo representa en el paisaje agrícola. Lo más importante para el arte callejero no es apropiarse del territorio, sino conseguir que el espectador dialoge y muestre un programa argumental diferente. La próxima década significa una variedad de direcciones que tomará el arte callejero. Mientras lloran ante las generaciones mayores, los escritores jóvenes comprenden la importancia de desarrollar un estilo poderoso. Éste es el orden de las nuevas instalaciones que serán entregadas a las ruinas de muchos días futuros. Nuevas y diversas formas de arte callejero pronto cambiarán en su alcance todo lo que se ha creado antes. Aerografía - Una de las técnicas de pintura del arte creativo de imágenes es que el aerógrafo vikory se utiliza como herramienta para aplicar agracejo raro o en polvo utilizando aire comprimido sobre la superficie. También puedes utilizar una lata de spray de color diferente. En relación con la gran expansión de la aerografía y la aparición de un gran número de diferentes tejidos y almacenes, la aerografía generó nuevos desarrollos en la cadena de suministro. La aerografía se puede utilizar para crear pinturas, retocar fotografías, taxidermia, modelado, pintar textiles, pintar paredes, arte corporal, pintar uñas, pintar souvenirs y juguetes, pintar platos. A menudo se utiliza para aplicar pequeños detalles en automóviles, motocicletas, otros equipos, en impresión, diseño, etc. el realismo de la imagen contenida, la imitación de una textura rugosa para la suavidad ideal de la superficie.

Éstas son las cosas con las que mantener ocupados a los seminaristas;

Tema 1. Conceptos básicos de la ciencia mística e historia del conocimiento místico.

Alimentación:

1. El problema de clasificar tipos de misterios.

2. El concepto de “tvir mystetstva”. Viniknennya y zavdannya creación artística. Tvir y misticismo.

3. Esencia, metas, misterios.

4.Funciones y misterios sensoriales.

5. Comprenda el "estilo". Estilo artístico y época.

6. Clasificación de misterios.

7. Historia de la culpa y formación de la ciencia mística.

Comidas para discusión:

1. Ver 5 el significado del misticismo. ¿Qué tiene en común la piel con ellos? ¿Qué propósito buscas? ¿Puedes formular tu misión final?

2. ¿Cuál es el propósito del misticismo?

3. ¿Cómo se puede determinar el valor del misticismo? ¿Cómo expresar “creatividad misteriosa” y “creatividad artística”? Explicar el proceso de creación artística (según I. Diez). ¿A quién pertenece el tesoro de la creación artística (detrás de P.P. Gnedich)?

4. Reinventar las 4 funciones principales de la mística (según I.P. Nikitina) y

Posibles razones del sentido de mística.

5. Sentido significativo del “estilo”. ¿Qué estilos reconoces en el misticismo europeo? ¿Qué es “estilo artístico”, “espacio artístico”?

6. Cambia de opinión y dámelo Breve descripción tipos de misterios: espacio, tiempo-hora, espacio-hora y misterios de especies.

7. ¿Cuál es el tema del estudio de la historia del misticismo?

8. ¿Cuál crees que es el papel de los museos, exposiciones, galerías y bibliotecas en el estudio de la historia cultural?

9. Peculiaridades del pensamiento antiguo sobre el misticismo: Información guardada sobre las primeras imágenes de la literatura sobre el misticismo (“Cánones” de Policleto, tratados de Duris, Jenócrates). “Topográfico” directamente de la literatura sobre misticismo: “Descripción de Hellas” de Pausanias. Descripción de las obras artísticas de Lucian. El concepto pitagórico de “espacio” como un todo estricto, ordenado por las leyes de “armonía y número” también es importante para el inicio de la teoría de la arquitectura. La idea de orden y proporción en la arquitectura y los lugares. Imágenes de un lugar ideal en las obras de Platón (su libro “Leyes”, el diálogo “Critius”) y Aristóteles (su libro “Política”). Un profundo misterio en la Antigua Roma. “Historia Natural” de Plinio el Viejo (siglo I d.C.) como principal fuente de información sobre la historia de la mitología antigua. Tratado de Vitruvio: una presentación sistemática de la teoría arquitectónica clásica

10. La participación de las tradiciones antiguas en la Edad Media y las peculiaridades de la Edad Media sobre el misticismo: visiones estéticas de la Edad Media (Agustín, Homa Aquino), una idea estética clara: Dios es un cuerpo de belleza (Agustín) y estos. son las implicaciones para la teoría y la práctica artística. La idea es "prototipo". Peculiaridades de la literatura de mediados de siglo sobre el misticismo. Libros de referencia práctico-tecnológicos basados ​​en recetas: “El arte de los pintores” del monte Afaón de Dionisio Furnagrafiot, “Sobre los farbis y los misterios de los romanos” de Heracles, “Schedula” (Schedula – Discípulos) de Teófilo. Descripción de monumentos arquitectónicos en las crónicas y vidas de santos.

11. El Renacimiento es un punto de inflexión en la historia del desarrollo del misticismo y la ciencia mística europeos. Recién construido en la antigüedad (antiguo monumento de la antigüedad). El desarrollo de la cosmovisión secular y la reivindicación de la ciencia experimental. Formación de una tendencia a la interpretación histórica y crítica de las manifestaciones del misticismo: “Comentarios” de Lorenzo Ghiberti Tratados sobre comida especial - lugar de vida (Filarete), proporciones en la arquitectura (Francesco di Giorgio), perspectivas de la pintura (P'ero pregúntale a Francesca). Comprensión teórica del punto de inflexión del Renacimiento en el desarrollo del misticismo y evidencia de la transformación humanista de la antigua decadencia en los tratados de León Baptiste Alberti (“Sobre la estatua”, 1435, “Sobre la pintura”, 1435-36, “Sobre la arquitectura ”), Leonardo da Vinci (“Camión”), publ. póstumamente), Alberto Durero (“Cuatro libros sobre las proporciones de las personas”, 1528). Crítica a la teoría arquitectónica de Vitruvio en “Diez libros de arquitectura” (1485) de León Baptiste Alberta. La “Academia del Valor” de Vitruvio y sus actividades se basan en la interpretación y traducción de la obra de Vitruvio. Tratado de Giacomo i Vignoli “La regla de los cinco órdenes de la arquitectura” (1562). “Pocos libros sobre arquitectura” (1570) de Andrea Palladio es un epílogo clásico en la historia de la arquitectura del Renacimiento. El papel de Palladio en el desarrollo de las ideas arquitectónicas del Barroco y el Clasicismo. Paladianismo y paladianismo.

12. Las principales etapas de la formación del misticismo histórico en la Hora Nueva: de Vasari a Winckelmann: “Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más destacados” Giorgio Vasari (1550, 1568) como un paso adelante en la historia de la formación de la ciencia mística. "Un libro sobre artistas" de Karel Van Mander como continuación de la vida de Vasari basada en los materiales de la pintura holandesa.

13. Los pensadores del siglo XVIII sobre los problemas de la creación de estilo en el misticismo, sobre los métodos artísticos, el lugar y papel del artista en el matrimonio: el racionalismo en el misticismo. La teoría clásica de Nicolas Poussin. El programa teórico del clasicismo se encuentra en “Mística poética” de Nicolas Boileau (1674) y “Conversaciones sobre los pintores más famosos, antiguos y nuevos” de A. Feliben (1666-1688).

14. Siglo de las Luces (siglo XVIII) y problemas teóricos y metodológicos del misticismo. Formación de escuelas nacionales en el marco de la teoría global del misticismo. El desarrollo de la crítica artística en Francia. El papel de los Salones en la vida artística francesa. Considere los Salones como formas destacadas de literatura crítica sobre el arte creativo. Disputa sobre la obra de crítica de arte (valoración de la creatividad y sensibilización del público). Peculiaridades del misticismo alemán. Una introducción a la teoría del misticismo creador de imágenes de Gotthold Ephraim Lessing. El tratado “Laocoonte” (1766) plantea un problema entre pintura y poesía. El concepto de "misticismo imaginativo" se introdujo para reemplazar el de "mística refinada" (transfiriendo el énfasis de la belleza a la verdad y viendo la función imagen-creativa-realista del misticismo). La importancia de las actividades de Johann Joachim Winckelmann para el desarrollo de la ciencia histórica sobre el misticismo. El concepto de Winckelmann de misticismo antiguo y la periodización de su desarrollo.

15. Derrames de misticismo de pensamiento perverso. Noticias sobre artistas y monumentos artísticos en las crónicas y obras epistolares rusas de mediados de siglo. Abordando el misticismo en la vida política de suspenso del siglo XVI. (Concilio de los Cientos de 1551 y otros concilios) como evidencia del despertar del pensamiento crítico y la lucha contra diversas corrientes ideológicas.

16. Un punto de inflexión radical en el misticismo ruso del siglo XVII: la formación de los inicios de la visión secular secular y el primer conocimiento de las formas europeas de cultura artística. Formación del pensamiento artístico y teórico. Capítulo “Sobre la escritura icónica” en “Vida” de Avakum. "Tir sobre el misticismo" de Yosip Volodimirov (1665-1666) y "La palabra a la pintura del icono reliquia" de Simon Ushakov (1666-1667) son las primeras obras rusas sobre la teoría del misticismo.

17. Formación activa de nuevas formas seculares de cultura en el siglo XVIII. Notas

J. von Stahlina es el primer intento de crear la historia del misticismo ruso.

18. Nueva sabiduría romántica en artículos críticos de K.M. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbecker, V.F. Odoievski, D.V. Venevitinova, N.V. Gógol.

19. Ciencia mística de finales del siglo XIX y XX: intentar sintetizar los logros de la escuela formal con los conceptos de los críticos: "ciencia estructural" estilos artísticos. Aproximación semiótica a la ciencia mística. Peculiaridades de la investigación semiótica sobre la creación de imágenes artísticas creativas en robots Yu.M. Lotman, SM. Daniel, B.A. Uspensky. La diversidad de métodos para investigar misterios en la ciencia moderna. Los principios del análisis de la obra artística y un enfoque problemático para la investigación de la historia del misticismo entre los antepasados ​​​​de M. Alpatov (“Problemas artísticos de la mística de la antigua Grecia”, “Problemas artísticos del Renacimiento italiano”). Síntesis de enfoques metodológicos (formal-estilístico, iconográfico, iconológico, sociológico) en Lazarev. Método histórico-histórico de investigación sobre las obras de D. Sarabyanov (“La pintura rusa del siglo XIX entre las escuelas europeas. Evidencias de la investigación histórica”). Enfoque sistemático hacia el dominio y la especialidad.

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8. Yanson H.V. Fundamentos de la historia de los misterios. - M.: Mistetsvo, 2001.

Tema 2. Misterio del mundo antiguo. La mística de la era de la primera armonía comunitaria y del Antiguo.

Alimentación:

1. Periodización de la mística del primer matrimonio. Características de la mística primaria del doby: Paleolítico, Mesolítico, Neolítico, Bronce.

2. El concepto de sincretismo en la mística primaria, su aplicación.

3. Las leyes y principios ocultos de los misterios del Antiguo.

4. El misterio de la antigua Mesopotamia.

5. Misterio de los antiguos sumerios.

6. Misterio de la antigua Babilonia y Asiria.

Comidas para discusión:

1. Dé una breve descripción de la periodización de la mística primaria. ¿Cuáles son las características especiales del período de la piel?

2. Describir los principales riesgos del misticismo primario: sincretismo, fetichismo, animismo, totemismo.

3. Seguir los cánones de los personajes representados desde la creatividad artística de la antigüedad (Egipto y Mesopotamia).

4. ¿Cuáles son las características de la mística creadora de imágenes de la antigua Mesopotamia?

5. Hablar de la arquitectura de Mesopotamia utilizando monumentos específicos:

Zikkurta Etemenniguru en Ur y zikkurat Etemenanka en Nueva Babilonia.

6. Hablar de la escultura de Mesopotamia utilizando monumentos específicos: los muros del camino de los Procesos, la puerta de Ishtar, relieves del palacio de Ashurnasirpal

7. ¿Cuál es el tema de las imágenes escultóricas en relieve de Mesopotamia?

8. ¿Cómo se llamaron los primeros monumentos arquitectónicos babilónicos? Yak bulo їх

¿reconocimiento?

9. ¿Cuál es la peculiaridad de la cosmogonía de la cultura sumeria-acadia?

10. Reinterpretar los logros de la civilización sumeria-acadia.

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Siglo XX: de la vanguardia al posmodernismo." title="pintura rusa 20 Siglo: de las vanguardias al posmodernismo.">!}!}

El siglo XX es una hora de conmoción, una transición divina de épocas. Parece que es imposible deshacerse de un trazo de lápiz, pero no... Como antes, la pintura se puso de moda y cerró.
El comienzo de un siglo es una búsqueda de nuevas formas e ideas. Las vanguardias, el supermodernismo, el abstraccionismo, el realismo socialista emergen, se desarrollan y emergen. La naturaleza entra antes que el interior y la naturaleza muerta sale al aire libre. 20 un siglo es una hora de Boris Kustodiev, Kazimir Malevich, Kostyantin Yuon, Fyodor Reshetnikov.
Ozhe, vanguardia rusa. La mazorca está lista.
El propio término “vanguardia” significa avanzado, innovador, que rompe todos los vínculos con el pasado. vanguardia rusa 20 vitsi – este es el fortalecimiento de las corrientes radicales del misticismo artístico. Hay diferentes nombres en diferentes direcciones: futurismo, modernismo, arte nuevo, abstraccionismo, constructivismo, supermatismo. La rebelión en la mística comenzó después de la primera revolución rusa, la frontera oscila antes 1914 - Desarrollo y madurez progresivos - más de diez años después de la revolución.
La vanguardia rusa come los siguientes arroces:
· Povna, cardenal vidmova del pasado cultural;
· La unión de dos principios: la ruina y el creador. La agresión, la revolución, la destrucción de viejos conceptos sobre los valores artísticos, sobre la representación del mundo, las personas y la energía creativa hirviente, la destrucción de cosas nuevas se crean no sólo en la pintura, sino en todas las esferas de la vida.
Cuando se habla de vanguardia, es mejor recordar a Wassily Kandinsky. Tu creatividad está en la mazorca 20 Un siglo es algo antiguo, una celebración de la modernidad rusa, alemana y algunos de los grabados populares rusos ("El golpe de la vida", "La canción del Volga"). Con estilos militares y revolucionarios, Kandinsky crea pinturas de diferentes estilos. Un poco más tarde, "Óvalo blanco" (1920), un lienzo abstracto simbólico, donde el óvalo se parece lejanamente al corazón, con figuras abstractas, donde todo es visible. Escribe escenarios completamente realistas: Moscú. Plaza Zubivska" (1916) y paisajes alejados de la realidad - "Moscú. Plaza Chervona" (1916).
Entre las corrientes de vanguardia se ve el supermatismo de ese representante ricamente significativo de ese teórico: Kazimir Malevich. ¿Qué significa supermatismo? En el famoso Malevich, el supermatismo es la etapa final del misticismo, la no objetividad y la singularidad del artista. Y el término se ha estancado firmemente en relación al lienzo con abstracciones geométricas (“Cruz Negra”, “Cuadrado Negro” sobre un pulgón blanco). Así se le dio el nombre a tales pinturas, aunque el artista designó supermatismo y formas específicas, por ejemplo, pinturas con figuras humanas.
Estalló la revolución. El vanguardismo ha sobrevivido a las sacudidas y a las llegadas antes del atardecer, y en la pintura rusa 20 Hace cien años ha comenzado una nueva etapa. En la vida laboral, debe establecerse una nueva estética del misticismo creador de imágenes. Este estilo lleva un nombre que refleja el nombre de la nueva era: el realismo socialista. El vino no está entre los artistas, sino entre los políticos.
La “representación veraz de la acción”, como exigía el partido, fue de poca ayuda para una orientación hacia la tradición de la pintura académica. Estilo mav svoi risi:
· El heroísmo de los luchadores de la revolución, de los líderes, de las grandes figuras, de los que siguen a las masas populares;
· Realismo, aceptando al mismo tiempo la necesidad de crear un tema en el lienzo en exacta correspondencia con un tema específico de la historia de la revolución;
· Héroes – trabajadores y aldeanos;
· No hay verdad del autor - no hay verdad del partido, y es el artista el culpable de reforzar la revolución, la lucha, la muerte de la gente - hasta el futuro brillante.
Sin embargo, es imposible confirmar que el realismo social no haya respondido a las fuerzas del momento. Entonces hubo control, presión ideológica, económica, campañas políticas y culturales. A la vanguardia le resulta difícil mantener posiciones frente al dominio totalitario. Tanto el almacén de voyeurs como el almacén de artistas han cambiado. Las plantas plegables, fruto de la industrialización, generaron grandes esfuerzos. Y podrían derivarse del misticismo, que mostraba: una persona sencilla puede ganar mucho y es un héroe de su tiempo.
Así, el realismo socialista tuvo dos tendencias principales. El sentido del primero era hiperbolización, referencia - acontecimientos históricos a gran escala, héroes, líderes - los primeros individuos del nuevo poder. El centro del otro es la vida cotidiana de una persona común y corriente.
“Vidliga” trajo cambios en la pintura. El carácter mitológico de la “vida”-primavera se traslada al crecimiento de las personas, a la infancia y a la juventud. Por desgracia, la juventud ahora no es la belleza de la fuerza física, ni el orgullo del destino de luchar y estar expuesto a figuras atléticas destrozadas. Son niños pequeños y niños, abren la ventana al sol.
La “vida” ha terminado y las pinturas rusas han adquirido el “estilo Suvoriano”. Es similar al misticismo artístico de la "vidliga" y al realismo social temprano, que se considera una "tontería" del mundo artístico pasado.
· “Estilo Suvory”: eliminar ilusiones, despiadadamente ciertas, en las que no hay lugar para la no-turboidad infantil. De las pinturas surgieron el sol y la naturaleza, la vida no tiene lugar para perdonar la alegría, sin un robot.
· El heroísmo en este estilo no es un aspecto físico de una persona y una gran pose. Esta es una tensión interna, zusilya, no importa lo que mires, debes estar demasiado tranquilo, retraído. La fuerza del cuerpo es reemplazada por la fuerza de la voluntad (“Bodyvelniki Bratska” de V.I. Popkov, “Polar Explorers”, “Animal Fighters” de A. Smolin y P. Smolin).
· ¿Quién se convierte en héroe? 20 ¿centenar? Una persona sin edad, estatus, apariencia, no tiene deseo de desarrollo social, la vida no se puede dividir en pública y privada. Todas las personas “sobre la tierra desnuda” están en el mundo, lo cual aún no han hecho, pero pueden hacerlo.
· Pratsia no es alegría, ni desperdicio, ni necesidad de creación. Esto es seguir, arraigar y ordenar la propia naturaleza. Los héroes no son luchadores por nuevo mundo, y trabajadores y geólogos de naftov, budіvelniki remando.
El círculo se cierra y hasta finales de siglo la pintura rusa 20 cien en 90- Su destino gira hacia una modernidad renovada: el posmodernismo. La pintura se vuelve fotográfica: entre una copia y un original prácticamente no hay diferencia. Y al mismo tiempo es esquemático, caricaturizado. El desarrollo del estilo sigue siendo preocupante, aunque es demasiado pronto para decir qué formas surgirán del primer plan.

El comienzo del siglo XIX está asociado con la era del suspenso, provocada por la Gran Guerra Patria de 1812 y el movimiento anticrisis, que condujo en 1825 al levantamiento decembrista.

En el ámbito de la cultura artística de este período hubo un constante cambio de dirección: clasicismo renunciar al lugar de uno romanticismo, y el romanticismo en el camino de su desarrollo está estrechamente alineado con lo que tiene realismo en el misticismo. Es cierto que esto apareció principalmente en pintura. Así como los artistas del siglo XVIII abandonaron el realismo de transmitir la singularidad y la singularidad individuales, en el siglo XIX comenzaron a representar aquellos que eran valiosos, que apreciaban en la vida.

En el otro cuarto del siglo XIX, el capitalismo ya se había establecido en la mayoría de los países de Europa y Rusia todavía sufría el colapso del sistema de servidumbre feudal. Sin embargo, tanto en Europa como en Rusia, este período se caracteriza por el surgimiento de una vida matrimonial agitada; en Europa nos lleva ventaja. La gran revolución francesa misma herencia, y en Rusia una creciente lucha contra el crimen especialmente después del fracaso del levantamiento decembrista.

Esta época tiene clasicismo, que es como un muro. Academia de Misterios, habiendo adquirido su importancia progresiva En 1829, la Academia quedó subordinada a la corte imperial, que se convirtió en conductor de opiniones oficiales del gobierno. Habiendo comenzado a apreciar su posición como místicos, los profesores de la Academia intentaron dominar los límites de las técnicas asociadas con el romanticismo. De esta manera, el método del romanticismo académico, que se utiliza para crear el ideal, aleja la belleza de la realidad de la vida cotidiana.

En contraste con el misticismo académico de la primera mitad del siglo XIX, en Rusia comenzó a gestarse otro misticismo, como empezaron a llamar crítico realismo. Los artistas comenzaron abiertamente, sin profundizar en la forma intelectual de las historias del Evangelio, a exponer los males de su matrimonio cotidiano; el fundador del realismo crítico ruso es respetado con razón por la pintura. Pavlo Fedotov.

La otra mitad del siglo XIX en Rusia estuvo marcada por una nueva era de lucha libre por una vida mejor. En la ciudad de Kerivna hay un asentamiento intelectual entre la gran población rusa. Las dificultades terminaron, pero la vida ya no era fácil para nadie.

Durante este período aumentó la importancia del misticismo, la creatividad y la pintura, que influyeron mucho en el desarrollo espiritual de las personas. Por ejemplo, en la primera mitad del siglo XIX comenzaron a Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, que ahora ha comenzado a desempeñar un gran papel en el matrimonio, como guía hacia caminos democráticos. Aquí echó raíces inmediatamente el sistema pedagógico veneciano, que se basa en la enseñanza de la sierra. mucha vida. El hecho de que la escuela estuviera situada en las afueras de la capital, como en el centro de la vida de la gente, influyó. El más destacado de los egresados ​​de la Facultad de Biología V.G.Perov

El misterio durante la segunda mitad se caracteriza por un alto idealismo, una fuerte adicción a la mayoría de los enfermos y su carácter popular. Servir al pueblo se ha convertido en uno de los principales objetivos de los principales artistas rusos. En primer lugar, la historia del misterio ruso de la vida de los trabajadores se convirtió en el tema principal de las obras de los artistas democráticos. Las personas no están representadas de lado, sino en el medio. Los artistas, que se convirtieron en defensores del pueblo, que a su vez provenían del pueblo, empezaron a hablar de su opresión, la importancia de la vida y la anarquía. Estos sentimientos socialmente críticos han penetrado en las clases de la Academia de Ciencias: 1861 graduados V. Yakobi Lienzo de Vikonav "Detención arrestada". Y el destino de 1864 es un gran éxito, una pequeña imagen. K. Flavitsky "La princesa Tarakanova"", que está dedicado a la bóveda secreta del Fuerte de Pedro y Pablo, venerada por la hija de Isabel Petrivna.

Princesa Tarakanova (1864)

Sin inmutarse por todos los cambios en la vida cotidiana de Rusia, la Academia de Misterios de San Petersburgo continuó manteniéndose alejada de la vida cotidiana y del misticismo académico abstracto. La pintura, como antes, era muy respetada. pintura historica Importante sobre temas mitológicos y religiosos. Como resultado, los artistas avanzados, que no se atreven a ajustarse a los principios establecidos de la Academia, entraron en conflicto con el antiguo sistema de publicación, que se desarrolló entre los críticos. "Revuelta del 14" artistas. Los graduados, admirados por el artista Kramskoy, se inspiraron para completar su trabajo de diploma sobre un tema mitológico determinado. El hedor arrebató la libertad a la elección de aquellos. La Rada de la Academia advirtió a los graduados que se habían ido, por lo que abandonaron la Academia en protesta, habiendo renunciado a su diploma.

Después de abandonar la Academia el 9 de noviembre de 1863, los protestantes organizaron un rock Arte de artistas. El iniciador de este esfuerzo fue Ivan Mikolayovich Kramskoy. Los miembros del Artel alquilaron un apartamento y se establecieron. El gobierno estuvo a cargo del escuadrón de Kramskoy. Nezabar Artel ha creado una nueva era. A menudo eran llamados "Academia Kramsky". Los jueves por la noche se reunían pintores y escritores en el taller de artillería. En estas veladas se discutía la rica nutrición de la política, la vida matrimonial y el misticismo; todo esto estaba inspirado en el cultivo de la juventud artística, el cultivo de las fuerzas artísticas.

El artel surgió durante unos 7 años y se disolvió en 1870. Artel ha sido reemplazado por un nuevo sindicato local Asociación de reexposiciones de exposiciones de arte.

La mística del siglo XIX ocupa un lugar muy importante actividad de P. M. Tretyakov, quien se ha revelado como un verdadero ciudadano de Rusia, habiendo comenzado a coleccionar pinturas y esculturas rusas, desde la antigüedad. Gastó todo su dinero en pinturas y, a menudo, apoyó los pecados de artistas pobres y talentosos.

Convertirse en la zona líder de la pintura rusa en la otra mitad del siglo XIX. Género Poboto. Como antes, perdí mi liderazgo. Tema del pueblo. Los Peredvizhniki describieron la vida de las personas, mostrando el conflicto social entre los bandos nobles y oprimidos del matrimonio ruso. Se continuaron las tradiciones creativas de la pintura. Ocupa un gran lugar Tema infantil.

En la otra mitad del siglo XIX, el misticismo creador de imágenes ruso experimentó una reforma, cuando los temas mitológicos y religiosos comenzaron a dar paso a la representación de escenas históricas reales. El germen de esta reforma lo sembró el artista ruso Ge ​​N.N.

En el paisaje ruso de la segunda mitad del siglo XIX se desataba una feroz lucha por el establecimiento de una identidad nacional. Los maravillosos artistas Savrasov, Shishkin, Levitan y otros rompen con las tradiciones de la vida lejana "idealizada", "suavizada", lo más importante, los paisajes académicos italianos y franceses y recurren a representar la naturaleza de su tierra natal. La afirmación de Chernishevsky “La vida es bella” recibió una cálida respuesta entre los maestros de la pintura de paisajes. Representando la naturaleza en su imagen natural y cotidiana, los artistas itinerantes mostraron su amplia poesía y belleza.

En la segunda mitad del siglo XX, en la pintura rusa había una serie de pintores y maestros de la pintura histórica particularmente brillantes, trabajadores y talentosos: este soy yo. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.

El misticismo ruso entre los siglos XIX y XX se formó en la mente de un espíritu revolucionario. Las opiniones decadentes y el pesimismo impregnaron el seno de la intelectualidad creativa. Los valores estéticos del matrimonio han cambiado. En busca de su camino, el misticismo de muchos artistas comenzó a unirse en varias organizaciones artísticas: la asociación.

En 1903, una familia de ricos artistas realistas se unió en "Unión de Artistas Rusos" Donde continuaron las tradiciones de los Errantes, escribieron obras veraces y realistas. Los artistas maravillosos de este período fueron Serov, Vrubel, Nesterov, Ryabushkin y otros.

Durante la crisis del movimiento populista, en los años 90, el “método analítico del realismo del siglo XIX”, como lo llaman en la ciencia de la historia, sigue vivo. Muchos artistas de Peredvizhniki fueron reconocidos por su espíritu creativo y abordaron los “diferentes temas” de importantes pinturas de género. Las tradiciones de Perov se conservaron principalmente en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú y gracias a la actividad creativa de artistas como S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov ta in.

Los complejos procesos de vida resumieron la diversidad de formas de vida mística de estas rocas. Todos los tipos de arte (pintura, teatro, música, arquitectura) representaban la renovación de la expresión artística y el alto profesionalismo.

Para los artistas de principios de siglo, es típico utilizar métodos de dibujo diferentes a los de los Itinerantes, otras formas de creatividad artística, en imágenes que son súper claras, complejas y representan la vida cotidiana sin ilustratividad ni obviedad. Los artistas buscan intensamente la armonía y la belleza en el mundo, algo que es fundamentalmente ajeno tanto a la armonía como a la belleza. ¿Por qué he aprendido mucho sobre mi misión de quien se ha inspirado en el sentido de la belleza? Esta hora “por delante”, el despertar de los cambios en la vida matrimonial ha dado lugar a un flujo impersonal, unificación, agrupación y confusión de diferentes visiones del mundo y similitudes. También dio lugar al universalismo de toda una generación de artistas que surgieron después del Peredvizhniki “clásico”. No menciones el nombre V.A. Serova y M.A. Vrúbel.

Los artistas de la asociación "La luz del misticismo" desempeñaron un papel importante en la popularización del misticismo antiguo europeo, especialmente en el siglo XVIII. "Miriskusniki" tomó las mayores fuerzas artísticas de San Petersburgo, que publicaron en su revista, y sus bases se inspiraron en la consolidación de las fuerzas artísticas de Moscú, creadas por la "Unión de Artistas Rusos".

Lecciones impresionistas de pintura al aire libre, composición de “drop framing”, un amplio estilo de dibujos animados: esto es el resultado de la evolución en el desarrollo de las habilidades creativas de imágenes en todos los géneros a principios de siglo. En la búsqueda de “belleza y armonía”, Mitzi prueba técnicas y tipos de misticismo altamente sofisticados, desde la pintura monumental y la escenografía teatral hasta el diseño de libros y la mística decorativa y viviente.

A principios de siglo surgió un estilo que abandonó todos los misterios plásticos, comenzando por la arquitectura (en la que el eclecticismo había caído durante mucho tiempo) y terminando por la gráfica, que rechazó el nombre de estilo Art Nouveau. La realidad no es inequívoca: en la modernidad hay una quimera decadente, una pretensión, un gusto burgués del que disfrutan los altos cargos, y también un signo de la misma uniformidad de estilo. El estilo Art Nouveau es una nueva etapa en la síntesis de arquitectura, pintura y artes decorativas.

En los misterios de la creación de imágenes, el Art Nouveau se reveló: en la escultura: planitud de formas, expresividad especial de la silueta, composición dinámica; en pintura: el simbolismo de las imágenes, la pasión por la alegoría.

La aparición de la modernidad no significó que las ideas de movilidad murieran hasta finales de siglo. En los años 90 se desarrolló la pintura de género, pero de manera diferente al movimiento “clásico” de los años 70 y 80. Así, el tema rural se revela de una manera nueva. La división en la comunidad rural la describe de manera torcida Sergey Oleksiyovich Korovin (1858-1908) en el cuadro “Sobre el mundo” (1893, Galería Tretyakov). Abram Yukhimovich Arkhipov (1862-1930) mostró la singularidad de la vida de una trabajadora importante y solidaria en el cuadro "Lavanderas" (1901, Galería Tretyakov). Esta es una gran paz para el nuevo bebé, para las nuevas posibilidades razonables de color y luz.

Inconsistencia, “subtexto”, un detalle viral descubierto a lo lejos para arruinar la imagen aún más trágica de Sergius Vasilyovich Ivanov (1864-1910) “En el camino. Muerte de un migrante" (1889, Galería Tretyakov). Los ejes que se lavan, como presentados en un grito, dramatizan mucho más la acción, debajo de las imágenes en primer plano hay un soñador o una mujer flotando sobre él. Ivanov es responsable de una de las obras dedicadas a la revolución de 1905: "Rozstril". La técnica impresionista de una “composición parcial”, más que un marco casualmente curvado de ahorros, también está aquí: una fila de Budinki, una fila de soldados, un grupo de manifestantes, y en primer plano, en una plaza iluminada por el sol, Se perfila la imagen de un perro golpeado que huye de un disparo. Ivanov se caracteriza por fuertes contrastes de colores claros, un contorno pronunciado de los objetos y una imagen aplanada. El lenguaje es yogo lapidario.

En los años 90 rocas del siglo XIX. Es una mística incluir al artista, que es el protagonista principal de sus creaciones y trabajar como un robot trabajador. En 1894 r. El cuadro de N.A. se va asentando. Kasatkina (1859-1930) “Shakhtarka” (Galería Tretyakov), 1895 r. - "Las minas de carbón. Zmina."

Con el cambio de siglo, comienza otro desarrollo, similar al de Surikov, en un tema histórico. Así, por ejemplo, Andriy Petrovich Ryabushkin (1861-1904) trabaja principalmente en el género histórico, o incluso en el género histórico. “Mujeres rusas del siglo XVII en la iglesia” (1899, Galería Tretyakov), “Tren divertido cerca de Moscú. Historia XVII" (1901, Galería Tretyakov), "Caminar. (El pueblo de Moscú a la hora de la partida de la embajada extranjera a Moscú a finales del siglo XVII)" (1901, Museo Ruso), "Calle de Moscú del siglo XVII en el Día Santo" (1895, Museo Ruso) y así en adelante: estas son escenas cotidianas de la vida en Moscú en el siglo XVII. A Ryabushkin le ha gustado especialmente este siglo, con su rareza, policromía y patrones de pan de jengibre. El artista naturalmente admira la luz del siglo XVII, lo que conduce a una estilización sutil, alejada del monumentalismo de Surikov y sus valoraciones de los períodos históricos. La estilización la da Ryabushkin en la planitud de la imagen, en una armonía especial de ritmo plástico y lineal, en el colorido inspirado en colores brillantes y principales, en una solución decorativa. Ryabushkin introduce audazmente los colores locales en el paisaje al aire libre, por ejemplo en "Jolly Train...": una vizka de color rojo, grandes franjas de túnicas navideñas sobre las cenizas de los novios oscuros y la nieve, pero con el color más fino. matiz. El paisaje siempre transmite poéticamente la belleza de la naturaleza rusa. Es cierto que a veces el poder y la ironía de Ryabushkin están presentes en ciertos aspectos representados, como, por ejemplo, en el cuadro “Chavannya” (cartón, gouache, temple, 1903, Museo Ruso). En las figuras estáticas sentadas frontalmente con platos en la mano se lee tranquilidad, aburrimiento, somnolencia y sentimos la fuerza digna de la vida urbana, la unión de estas personas.

Apollinary Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) respeta aún más el paisaje en sus composiciones históricas. Su tema favorito es el siglo XVII, no sólo las escenas cotidianas, sino también la arquitectura de Moscú. (“La calle de Kitay-Misti. Principios del siglo XVII”, 1900, Museo Ruso Ruso). Cuadro “Moscú a finales del siglo XVII. La Svitanka de las Puertas Voskresensky (1900, Galería Tretyakov) puede haberse inspirado en la inauguración de la ópera "Khovanshchina" de Mussorgsky, basada en la escenografía de Vasnetsov, quien recientemente fue coronado vencedor.

SOY. Vasnetsov contribuyó a la clase de paisaje de la Escuela de pintura, escultura y arquitectura de Moscú (1901-1918). Como teórico, echó un vistazo al libro “Misterio. Es necesario que el análisis comprenda el misticismo original de la pintura” (M., 1908), quien defendió las tradiciones realistas del misticismo. Vasnetsov también fue el fundador de la "Unión de Artistas Rusos".

Un nuevo tipo de pintura, que en su conjunto ha sido especialmente dominada y traducida por la mística contemporánea de las tradiciones del arte popular, creada por Philip Andriyovich Malyavin (1869-1940), quien estudió en Afonsky en su monasterio juvenil como pintor de iconos, y Luego comenzó en la Academia de Misterios cerca de Rep. Estas imágenes de “mujeres” y “niñas” tienen un significado simbólico: una Rusia sana y sin asfaltar. Sus pinturas son siempre expresivas y, por regla general, son creaciones de caballete, pero bajo la mirada del artista crean una interpretación monumental y decorativa. “La risa” (1899, Museo de los Misterios Cotidianos, Venecia), “Torbellino” (1906, Galería Tretyakov): son imágenes realistas de muchachas del pueblo que ríen con un jingle contagioso o bailan en círculos sin fluir, pero hay una diferente tipo de realismo. Este es el medio siglo. La pintura es amplia, esquemática, con pincelada texturizada, formas curvas, profundidad espaciosa, las figuras, por regla general, se dibujan en primer plano y cubren todo el lienzo.

Malyavin añadió a su pintura un decorativo expresivo con una fidelidad realista a la naturaleza.

hasta que esos La antigua Rusia Como muchos maestros anteriores, nace Mikhailo Vasilovich Nesterov (1862-1942), y la imagen de Rusia aparece en las pinturas del artista como un mundo ideal, tal vez encantador, en armonía con la naturaleza, y para siempre como una leyenda de la ciudad. de Kitezh. Este espectáculo de la naturaleza, enterrado en la luz, frente a un árbol de cuero y una brizna de hierba, se expresa de manera especialmente vívida en una de las obras más famosas de Nesterov del período prerrevolucionario: "Bachanna para el joven Bartolomé" (1889-1890). , Galería Tretiakov). La trama abierta de la pintura tiene los mismos dibujos estilizados que los de Ryabushkin, pero invariablemente expresa un sentido profundamente lírico de la belleza de la naturaleza, a través del cual se transmite la alta espiritualidad de los héroes, su iluminación, su extrañeza de la métushna secular.

Antes de la creación de la imagen de Sergio de Radonezky, Nesterov ya había expresado interés en la antigua Rusia con obras como "El nombre de Cristo" (1887, origen cultural desconocido), "Pustelnik" (1888, Museo Estatal Ruso; 1888-1889 , Galería Tretyakov), creando imágenes de los templos de percepción espiritual. Dedicó varias obras al propio Sergio de Radonezky (“La juventud de San Sergio”, 1892–1897, Galería Tretyakov; tríptico “Las prácticas de San Sergio”, 1896–1897, Galería Tretyakov; “Sergio de Radonezky, ” 1891–1899, GR).

MV Nesterov se involucró ampliamente en la pintura monumental religiosa: junto con V.M. Vasnetsov pintó la catedral Volodymyr de Kiev, el monasterio independiente de Abastumani (Georgia) y el monasterio de Marta y María cerca de Moscú. Las pinturas siempre han estado dedicadas a un tema ruso antiguo (por ejemplo, en Georgia, a Alexander Nevsky). Las pinturas murales de Nesterov tienen muchas características reales, especialmente en paisajes, retratos y representaciones de santos. El artista, que se dedicó a la interpretación plana de la composición, mostró una irresistible infusión de modernidad en su excentricidad, ornamentación y sutil embellecimiento de ritmos plásticos.

La estilización y el sombreado de la mesa son característicos de esta época, y el gran mundo de las obras de caballete de Nesterov ha tocado. Esto se puede ver en uno de los lienzos más breves dedicados a la parte de la mujer: “El gran giro” (1898, Museo Ruso): en el medio, las posiciones planas de la chernitsa, la “ciornica” y la “bilitsa”, aplanadas siluetas, o un ritmo ritual intensificado con llamas oscuras y decadentes: figuras y paisajes con abedules claros e incluso árboles negros de Yalinka. Y como siempre ocurre con Nesterov, la región desempeña uno de los papeles principales. "Me encanta el paisaje ruso", escribió el artista, "porque es mucho más hermoso, puedes entender más claramente el sentido de la vida rusa y el alma rusa".

Hoy en día, el género del paisaje se desarrolla de una manera nueva a finales del siglo XIX. Levitan, en esencia, completó las bromas de los Wanderers en el paisaje. No basta con decir una palabra nueva a principios de siglo a K.A. Korovin, V.A. Serov y M.A. Vrúbel.

Incluso en los primeros paisajes de Kostyantin Oleksiyovich Korovin (1861-1939) hay muchos problemas: pintar gris sobre blanco, negro sobre blanco, gris sobre gris. Un paisaje “conceptual” (término de M.M. Allenov), como el de Savrasivsky o el de Levitanian, no puede ser demasiado.

Para el brillante colorista, el mundo de la Vaca es un “desenfreno de farb”. Generosamente dotado por la naturaleza, Korovin se dedicó tanto a retratos como a naturalezas muertas, pero, por decirlo suavemente, perdió su género favorito: el paisaje. Sacó de la mística las tradiciones realistas de sus lectores de la Escuela de pintura, escultura y arquitectura de Moscú: Savrasova y Polenova, y en una nueva forma de mirar el mundo, se fijó otros objetivos. Habiendo comenzado temprano a pintar en plein air, ya en el retrato de una corista de 1883 se puede ver el desarrollo independiente de los principios del plein airismo, que luego fueron infundidos en una serie de retratos reunidos en un lienzo por S. Mamontov en Abramtsevo (“U chovny”, Galería Tretyakov; retrato de T.S. Lyubatovich, Museo Estatal Ruso). ін), en los paisajes al aire libre representados en la expedición al aire libre de S. Mamontov (“Invierno en Laponia”, Galería Tretyakov). Sus paisajes franceses, llamados “Incendios de París”, son una lámina completamente impresionista, con su mayor cultura aquí. Invitados, enemigos de Mitt de la vida de un gran lugar: calles tranquilas hora diferente tesoros, objetos, desmantelados del medio ligero, moldeados con un trazo dinámico, “tridimensional”, vibrante, un flujo de trazos que crean la ilusión de estar colgados en una tabla o en un cuenco, infundidos con miles de vapores diferentes en el viento, - arroz que nos recuerda los paisajes de Manet, Pisarro, Monet. Korovin es temperamental, emocional, impulsivo, teatral, con un fervor chispeante y una presentación romántica de sus paisajes (“París. Boulevard des Capucines”, 1906, Galería Tretyakov; “París de noche. Boulevard de Italia”. 1908, Galería Tretyakov). Korovin conserva las mismas ideas de etiqueta impresionista, arte juvenil y artes diversas en todos los demás géneros, especialmente en los retratos y naturalezas muertas, así como en los paneles decorativos, en las artes aplicadas y en el arte teatral. He estado haciendo toda mi vida (Retrato de Chaliapin, 1911, Museo Estatal Ruso; “Ribi, vino y fruta” 1916, Galería Tretyakov).

El generoso don pictórico de Korovin se manifestó brillantemente en la pintura teatral y decorativa. Como pintor de teatro, trabajó para el Teatro Abramtsevo (y Mamontov no fue el primero en apreciarlo como artista teatral), para el Teatro de Arte de Moscú, para la Ópera Privada Rusa de Moscú, donde comenzó su amistad con Chaliapin, ya que le preocupaba. sobre toda su vida, para la empresa Angelica Ivsky. Korovin elevó la escenografía teatral y la importancia del artista en el teatro a un nuevo nivel, habiendo logrado toda una revolución en el importante papel del artista en el teatro y causando una gran afluencia entre el público con sus decoraciones barvy, "especies", que revelan la esencia del espectáculo carcelario.

Uno de los más grandes artistas e innovadores de la pintura rusa de principios de siglo fue Valentin Oleksandrovich Serov (1865-1911). Esta “Niña con melocotones” (retrato de Verusha Mamontova, 1887, Galería Tretyakov) y “Niña iluminada por el sol” (retrato de Masha Simanovich, 1888, Galería Tretyakov) son toda una etapa de la pintura rusa. Serov estudió entre figuras destacadas de la cultura musical rusa (su padre era compositor, su madre era pianista), empezando por Repin y Chistyakov, después de haber visto las colecciones de museos más bellas de Europa y después de regresar de detrás del cordón de Uviyshov en el medio del gurt de Abramtsevo. En Abramtsevo se pintaron dos retratos, a partir de los cuales comenzó la fama de Serov, quien avanzó en el misticismo con su mirada poderosa, brillante y poética del mundo. Vira Mamontova está sentada tranquilamente a la mesa, delante de ella hay melocotones esparcidos sobre el mantel blanco. Ella misma y todos los objetos se presentan en un centro plegable de color claro. Las luces del dormitorio caen sobre el mantel, la ropa, la placa de la pared y el fondo. Se representa a una niña sentada a la mesa, en unidad orgánica con toda esta luz del habla, en armonía con ella, completa con inquietud vital y fluidez interior. Un mundo aún mayor de principios de la pintura al aire libre se reveló en los retratos de la prima del artista, Masha Simanovich, pintados directamente al aire libre. Los colores aquí se dan en una compleja interacción uno con uno, el hedor transmite milagrosamente la atmósfera de un día de verano, reflejos de color que crean la ilusión de intercambios somnolientos que vagan sobre las hojas. Serov pasa del realismo crítico de su maestro Repin al “realismo de lo poético” (término de D.V. Sarab’yanov). Las imágenes de Vira Mamontova y Masha Simanovich están impregnadas de la alegría de vivir, un brillante sentimiento de vida y la brillante y posible juventud. Esto se logra mediante la pintura impresionista “ligera”, que se basa en el poderoso “principio de caída”, una forma pegajosa con una pincelada dinámica y libre, que crea la impresión de un centro plegable de color claro. Aparte de las impresiones impresionistas, Serov nunca rompe el tema de cuyo punto medio se desmaterializa, cuya composición nunca pierde su estabilidad, y las masas siempre están presentes en el medio. Y además no pierde ninguna de las características formales del modelo.

Serov pintó a menudo a representantes de la intelectualidad artística: escritores, artistas, pintores (retratos de K. Korovin, 1891, Galería Tretyakov; Levitan, 1893, Galería Tretyakov; Yermolova, 1905, Galería Tretyakov). Todos los olores son diferentes, todos los vinos se interpretan profundamente de forma individual, pero tienen una ligera venganza intelectual y una rica vida creativa. La columna antigua, o mejor dicho, la estatua clásica, será reemplazada por Yermolova, que se enfatizará aún más por el formato vertical del lienzo. Pero el líder está privado de su apariencia: garne, orgulloso, alienado de todo lo que es basura y vanidad. El color de todo surge de una combinación de dos colores: negro y gris, o incluso matices. Esta fidelidad a la imagen, creada no por opiniones, sino por medios puramente pictóricos, reflejaba las peculiaridades mismas de Yermolov, ya que con su juego estilizado, pero profundamente penetrante, repelió a los jóvenes de las rocas tormentosas del siglo XX.

Retrato del frente de Ermolova. Ale Serov es un gran maestro que, tomando un modelo diferente del mismo género de retrato ceremonial, en esencia, con la expresividad misma de su mente, crea una imagen de un carácter completamente diferente. Entonces, en el retrato de la princesa Orlovoi (1910-1911, momento), la salida de actividades (Gran Kaplyukh, Vasnadno Dovga Spin, Gostrius Kut Kolina), Pidcreshena de respeto a Rozkoshi Inter'yru, transferido fragmentariamente, Yak Vikhopliyani Kadr (parte de STILS), permite al maestro crear quizás una imagen grotesca de un aristócrata inteligente. Lo mismo grotesco se encuentra en su famoso "Pedro I" (1907, Galería Tretyakov) (Pedro en la imagen es simplemente gigantesco), lo que permite a Serov representar el rápido flujo del zar y los cortesanos, que se apresuran imprudentemente para llevar a la imagen no es irónica, como el retrato de Orlova, sino simbólica, que transmite el sentido de toda una época. El artista queda abrumado por la originalidad de su héroe.

Retrato, visión regional, naturaleza muerta, pobutova, pintura histórica; óleo, gouache, témpera, vugilla: es importante conocer tanto las pinturas y los géneros gráficos con los que Serov no trabajó como los materiales con los que no trabajó.

La creatividad de Serov-Selyansk tiene un tema especial. El yogo de los aldeanos del género de pereperesosti social, ale є є є є є 'bellamente una armónica así, motivará a los aldeanos, que era inherente a la gran belleza del pueblo ruso (" En el pueblo de Baba Z caballo " , B. En mapas, Pastel, GTG). Son especialmente admirados los paisajes invernales con su esmalte plateado perlado.

Serov interpretó completamente el tema histórico a su manera: la "lluvia real" con los rugientes paseos de Isabel y Catalina II fue trasladada por el artista a la nueva hora, irónica, pero también invariablemente deliciosa de la belleza del siglo XVIII. El interés de Serov hasta el siglo XVIII surgió de la influencia de "La luz del misterio" y de su trabajo sobre la "Historia del gran duque, zar y emperador en Rusia".

Serov era un artista profundamente pensante que buscaba constantemente nuevas formas de expresión artística de la realidad. Las ideas inspiradas en el Art Nouveau sobre la planicidad y el aumento de la decoración aparecieron no solo en composiciones históricas, sino también en su retrato de la bailarina Ida Rubinstein, en sus bocetos anteriores a "Lo robado de Europa" y "Odisse". Yo y Navzikai" (ofensa de 1910 , Galería Tretyakov, cartón, témpera). Es significativo que la vida de Serov, al final de su vida, degenere en el mundo antiguo. En la leyenda poética, interpretada libremente por él según los cánones clásicos, quiere conocer la armonía a la que el artista ha dedicado toda su creatividad.

Es importante creer de inmediato que el retrato de Verusha Mamontova y "La Europa robada" fueron escritos por el mismo maestro, tan rico en Serov en su evolución a través de la autenticidad impresionista de los retratos y paisajes de los años 80-90 hasta la modernidad en motivos históricos. y composiciones de la mitología antigua.

El camino creativo de Mikhail Oleksandrovich Vrubel (1856-1910) fue más directo, aunque al mismo tiempo extremadamente complejo. Antes de ingresar a la Academia de los Misterios (1880), Vrubel se graduó en la Facultad de Derecho de la Universidad de San Petersburgo. En 1884 De camino a Kiev, restauraremos los frescos de la iglesia de Kirill y crearemos una serie de composiciones monumentales. Puedes crear bocetos en acuarela de los murales de la Catedral de Volodymyr. Los bocetos no fueron trasladados a las paredes, dejando tras de sí los restos de tinta de su no canonicidad y expresividad.

En la década de 1990, cuando el artista se instaló en Moscú, surgió un nuevo secreto y tal vez una fuerza demoníaca en el estilo de las hojas de Vrubel, que no se confunde con ningún otro. Puede esculpir la forma como un mosaico, a partir de piezas afiladas "facetadas" de color tallado, de modo que nunca brillen en el medio ("Niña sobre los pulgones del kilim persa", 1886, KMRI; "Adivino", 1895, Galería Tretiakov). El uso de colores no refleja la realidad del color, pero puede tener un significado más simbólico. La naturaleza no tiene poder sobre Vrubel. Él sabe que la guiará milagrosamente, pero creará un mundo fantástico dominante que se parece poco a la realidad. Cuyo sentido es la antípoda de Vrubel respecto a los impresionistas (de quienes no se dice casualmente que son los naturalistas en la literatura), porque de ninguna manera existe una fijación de hostilidad indiferente a la acción. Es difícil escribir temas literarios, como la abstracción abstracta, tratando de crear imágenes de gran poder espiritual eterno. Así, habiendo empezado a ilustrar antes del "Demonio", pronto llegó al principio de la ilustración directa ("Danza de Tamari", "No llores niña, no llores por nada", "Tamara en trune", etc. ) y en 1890 creó su "Demonio" "Por qué sentarse": la historia esencialmente no tiene trama, pero es una imagen eterna, como las imágenes de Mefistófeles, Fausto y Don Juan. La imagen del Demonio es la imagen central de la creatividad de Vrubel, su tema. En 1899 r. Escribió “El demonio, por qué volar”, en 1902. - “El demonio caído”. El demonio de Vrubel: nuestra esencia sufre frente a nosotros. Para algunos, el sufrimiento prevalece sobre el mal, y ésta es la peculiaridad de la interpretación nacional-rusa de la imagen. Los participantes, como se observó claramente, creían en sus "Demonios" un símbolo de la participación de la intelectualidad: el romance, que se siente tentado a escapar rebeldemente de la reducida armonía de la realidad en el mundo irreal del mundo, sino que más bien se precipita hacia la acción brusca es terrenal. Esta tragedia de la luz artística también se refleja en las características del retrato de Vrubel: discordia espiritual, ruptura en sus autorretratos, alerta, quizás gran fuerza, monumentalidad en el retrato de S. Mamontov (1897, Galería Tretyakov), confusión, ansiedad en el Kazk. imagen.-Swan" (1900, Galería Tretyakov), para conmemorar la idea de los paneles decorativos "España" (1894, Galería Tretyakov) y "Venecia" (1893, Museo Ruso), pintados para la mansión de O.D. Dunker, calma diaria y sin turbulencias. El propio Vrubel formuló su misión: "despertar el alma con grandes imágenes frente a la vida cotidiana".

El industrial y filántropo Sava Mamontov ya jugó un gran papel en la vida de Vrubel. Abramtseve conectó a Vrubel con Rimsky-Korsakov, bajo la influencia de la creatividad de cada artista, escribió su "Princesa Cisne", pintó las esculturas "Volkhov", "Mizgirya", etc. En Abramtsevo, después de haber estudiado extensamente pintura monumental y de caballete, se expandió hacia el folclore: a kaztsi, a bilini, de lo que resultaron los paneles "Mikula Selyaninovich", "Bogatyri". Vrubel prueba suerte con la cerámica, la escultura y la mayólica. Es decir, la Rusia pagana y Grecia, la Casi Convergencia y la India: todas las culturas de la humanidad cuyas prácticas artísticas no fueron violadas. E inmediatamente transformó las emociones que recogió en imágenes profundamente simbólicas para resaltar toda la singularidad de su sensibilidad a la luz.

Vrubel creó sus mejores obras gráficas y de dibujos animados a lo largo de los siglos: en el género del paisaje, el retrato y la ilustración de libros. En la organización y tratamiento decorativo-plano del lienzo o de la hoja, desde la combinación de lo real y lo fantástico, desde la sutileza hasta las soluciones ornamentales, plegadas rítmicamente, las obras de este período se expresan cada vez más como Art Nouveau.

Al igual que K. Korovin, Vrubel trabajó intensamente en el teatro. Los paisajes más bellos de Vikonan antes de las óperas de Rimsky-Korsakov “Sniguronka”, “Sadko”, “El cuento del zar Saltan” y otras en el escenario de la Ópera Privada de Moscú, luego estas obras que dieron la oportunidad de “escupir juntos ”Con láminas rusas, cuento, leyenda.

El universalismo de la superdotación, la fantasía ilimitada, la extrema parcialidad en la afirmación de ideales nobles provocan a Vrubel entre sus ricos compañeros.

La creatividad de Vrubel, más brillante que la de otros, superó la antigüedad y el dolor de la era fronteriza. El día del funeral de Vrubel, Benois dijo: “La vida de Vrubel, tal como ahora pasa a la historia, es una sinfonía maravillosa y patética, como la forma florida de un esfuerzo artístico. Las generaciones futuras... mirarán hacia atrás, a las docenas de destinos restantes del siglo XIX, como a la “era de Vrubel”... Nuestra hora misma se ha manifestado de la manera más bella y más loca que jamás haya existido”.

Con Vrubel entramos en un nuevo siglo, la era del “Sribnogo Vuk”, el período restante de la cultura de la Rusia de San Petersburgo, que está relacionado tanto con la “ideología del revolucionarismo” (P. Sapronov), como con “la cual Hace tiempo que dejó de ser una fuerza cultural, la autocracia y el poder". Con el comienzo de un siglo de conexiones con el mal del pensamiento filosófico y religioso ruso, hay un gran fervor por la poesía (se pueden nombrar a Bloka, Bily, Annensky, Gumiliov, Georgiy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsveta Wu, Sologuba); teatro dramático y musical, ballet; “revelación” del misticismo ruso del siglo XVIII (Rokotiv, Levitsky, Borovikovsky), iconografía rusa antigua; La mejor profesionalidad en pintura y gráfica desde el principio. Si bien la “era del sermón” fue impotente ante los trágicos acontecimientos que se avecinan en Rusia, previos a la catástrofe revolucionaria, siguió siéndolo en las “cosas de marfil” y en la poesía del simbolismo.

Como la creatividad de Vrubel se remonta al simbolismo directo oculto en el misticismo y la literatura, aunque, como todo gran artista, también rompió fronteras directamente, entonces Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905), un ejemplo directo del simbolismo marginal y Uno de los primeros retrospectivos en los misterios creativos de imágenes de la Rusia extranjera. Los críticos de aquella época lo llamaron “el mártir del retrospectivismo”. Habiendo muerto antes de la primera revolución rusa, Borisov-Musatov parecía completamente sordo a las nuevas actitudes que rápidamente estaban cobrando vida. ¿Qué se hace? Toda una confusión detrás de los viejos y discutibles "nidos nobles" y "jardines de cerezos" que perecerán, detrás de las hermosas mujeres, espiritualizadas, tal vez sobrenaturales, vestidas con los mismos trajes de hora, que no llevan ningún extraño. tradiciones Es hora.

Sus creaciones de caballete impresionan no en paneles decorativos, sino en tapices. La extensión es casi intelectual, plana, las posiciones son quizás tan sin sombras como, por ejemplo, la blancura juvenil del cuadro “Depósito” (1902, tempera, Galería Tretyakov), llena de pensamientos oscuros, con un profundo subrepticio. Los tonos descoloridos y gris pálido del color realzan la expresión aislada del arroyo, su belleza sobrenatural y su cualidad anémica y primitiva que se extiende no sólo a las imágenes humanas, sino también a la naturaleza que representa. Inusualmente, Borisov-Musatov llamó a una de sus obras "Primari" (1903, témpera, Galería Tretyakov): estatuas de mujeres silenciosas e inmóviles, estatuas de Mármur de reuniones blancas, un árbol desnudo: un estrépito ardiente de tonos oscuros, grises y violetas. añade un toque de simplicidad.

En las últimas horas esto ha unido a Borisov-Musatov con los artistas de "El mundo del misterio", una organización fundada en San Petersburgo en 1898 y que reunió a los maestros de la cultura artística más importante, la élite artística de Rusia en la Edad Media c. ("El mundo del arte", antes del discurso, no entendió el misticismo de Borisov-Musatov y lo reconoció sólo hacia el final de la vida del artista). La mazorca de "El mundo del misticismo" se colocó por la noche en A. La cabaña de Benois, dedicada al misticismo, la literatura y la música. Las personas allí reunidas estaban unidas por el amor por lo bello y un sentimiento de alegría que sólo se puede encontrar en el misticismo, que está más allá del poder de la acción. Habiendo surgido también como reacción a varios temas del movimiento tardío, su banalidad e ilustratividad, “El mundo del misticismo” se convirtió inmediatamente en uno de los grandes fenómenos de la cultura artística rusa. De quienes todos los mismos artistas tomaron su parte: Benois, Somov, Bakst, E.E. Lanceray, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, sobre Lari onov ta Goncharova. De gran importancia para la formación de esta unidad es la especialidad de Diaghilev, filántropo y organizador de exposiciones, y más tarde empresario de giras de ballet y óperas rusas en el extranjero ("Temporadas rusas", que introdujo en Europa su obra Shalyapin, Pavlova , Karsavina, Fokin, Nizhinsky y Nizhinsky y el mundo son un ejemplo de alta cultura en forma de diversos misterios: música, danza, pintura, escenografía). En la etapa inicial de la formación de "El mundo del misterio", Diagilev supervisó la exposición de acuarelistas ingleses y alemanes en San Petersburgo en 1897, y luego la exposición de artistas rusos y finlandeses en 1898. Editado por él de 1899 a 1904. Parece haber una revista con el mismo nombre, dos ramas: artística y literaria (la otra es religiosa y filosófica, que fue desarrollada por D. Filosofiv, D. Merezhkovsky y 3. Gippius antes de su publicación, escribí en 1902 para mi revista). "New Way" - la dirección filosófica de la revista "El mundo del misticismo" se convirtió en el lugar de la teoría de la estética, y la revista, por su parte, se convirtió en la tribuna de otros simbolistas junto con A. Bilim y V. Bryusov).

En los artículos editoriales de los primeros números de la revista, las principales disposiciones del “mundo de las artes” sobre la autonomía del arte, sobre esos problemas cultura diaria- esto incluye los problemas de la forma artística y el objetivo principal del misticismo: el cultivo de las similitudes estéticas del matrimonio ruso, primero a través del conocimiento de las obras del misticismo luminoso. Es necesario decírselo con atención: de hecho, la gente del "mundo del arte" realmente apreció el misticismo inglés y alemán de una manera nueva y, lo más importante, se apreciaron las pinturas del siglo XVIII ruso y la arquitectura del clasicismo de San Petersburgo. por los ricos. "Mirskusniki" luchó por "la crítica como misticismo", promoviendo el ideal del crítico-artista, que significa una alta cultura profesional y erudición. El tipo de crítico de este tipo fue descrito por uno de los creadores de "El mundo del misticismo", A.N. Benoit. "Miriskuchniki" acogió las exposiciones. El primero fue el único internacional que incluía, además de rusos, artistas de Francia, Inglaterra, Alemania, Italia, Bélgica, Noruega, Finlandia y otros. Tanto los pintores y artistas gráficos de San Petersburgo como de Moscú compartieron su destino con ella. Ya desde el primer día apareció una grieta entre estas dos escuelas, San Petersburgo y Moscú. Abedul 1903 Se clausuró la exposición “Al mundo del misterio”, nacida en 1904. Este es el último número de la revista “El Mundo del Misterio”. La mayoría de los artistas se unieron a la organización de la exposición de Moscú “36” “Unión de Artistas Rusos”, escritores - la revista “New Way” fundada por el grupo de Merezhkovsky, los simbolistas de Moscú unidos en la revista “Terezi”, la música Canti organizó “Tardes de Daily Music”, Dyagilev trabaja constantemente en ballet y teatro. El resto de derecho significativo en la mística creativa de la imagen fue la gran exposición histórica de la pintura de iconos rusa hasta nuestros días en el Salón de Otoño de París de 1906, luego expuesta en Berlín y Venecia (1906-1907). En la división actual de la pintura, el “mundo del arte” era el foco principal. Este será verdaderamente el primer acto de reconocimiento europeo del "Mundo del misticismo" y será una referencia a la pintura rusa del siglo XVIII y principios del XX. la clave para una crítica exitosa y el verdadero triunfo del misticismo ruso.

En 1910 Intenté volver a dar vida a la “Luz del Misterio” (en honor a Roerich). Existe una división entre pintores en esta época. Benois y sus seguidores rompen con la Unión de Artistas Rusos, con los moscovitas, y abandonan esta organización; de lo contrario, entenderán que la segunda unificación bajo el título "La luz del misterio" no significa acostarse con el primero. Benoit afirma sumariamente que “el no reconciliarse bajo el signo de la belleza se ha extinguido en todas las esferas de la vida, excepto en la lucha encarnizada”. Antes de que llegara la fama del "Mundo del Arte", también conocido como "El Mundo del Misticismo", de hecho, ya no existía, aunque se consolidó formalmente hasta principios de los años 20 (1924), por su total integridad, tolerancia ilimitada y humildad y Posiciones que reconcilian a artistas de Rilova a Tatlin, de Grabar a Chagall. ¿Cómo no adivinar aquí a los impresionistas? El compañerismo, que se popularizó con el maestro Gleyre, en el “Salón de los Maled”, en las mesas del café Guerbois, y tal necesidad quedó impresa en toda la pintura europea, también se desintegró en la época de su origen. Otra generación de "artistas mundiales" está menos interesada en los problemas de la pintura de caballete, sus intereses radican en las artes gráficas, especialmente el arte del libro, y la mística teatral y decorativa, en ambas áreas han creado la reforma artística adecuada. Otra generación de “artistas mundiales” tenía una gran individualidad (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigor'ev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, etc.), pero no hubo ningún artista innovador, porque a partir de la década de 1910 “El mundo de Misterio” “La epogonía se está asfixiando. Por lo tanto, al caracterizar "La luz del misticismo", nos referimos principalmente a la primera etapa de la fundación de esta unificación y su núcleo: Benoit, Somov, Bakst.

El artista principal de "El mundo misterioso" fue Kostyantin Andriyovich Somov (1869-1939). Syn del jefe de guardia del Hermitage, quien, después de graduarse de la Academia de Misterios y viajar a Europa, Somov recibió una brillante iluminación. La madurez creativa le llegó temprano, pero, como claramente señaló su predecesor (V.N. Petrov), siempre mostró signos de dualidad: una lucha entre una intensa sensibilidad realista y una sensibilidad dolorosa y emocional ttyam.

Somov, como sabemos, apareció en el retrato de la artista Martinova ("La dama de Blakitny", 1897-1900, Galería Tretyakov), en el cuadro-retrato "La luna de la última hora" (1903, utilizado en el mapa, acuarela, gouache, Galería Tretyakov), crea una caracterización poética de la belleza femenina tendenciosa y anémica de una imagen decadente, que parece transmitir signos reales de la vida cotidiana. Viste a las modelos con trajes antiguos, dándoles una mirada de oscuro sufrimiento, confusión y tristeza, doloroso quebrantamiento.

Somov es responsable de una serie de retratos gráficos de sus compañeros, la élite intelectual (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lanseray, Dobuzhinsky y otros), en los que Vikoristov tiene un método común: el pulgón blanco, que canta hora tras hora. -Esfera horaria – pinta una denuncia, cuya similitud no se alcanza a través de la naturalización, sino a través de una formalización sutil y una cuidadosa selección de detalles característicos. Este acontecimiento cotidiano de la hora crea la amenaza de estancamiento, estancamiento, frialdad e incluso egoísmo trágico.

Anteriormente, para todos en "El mundo del misterio", Somov se remontaba al pasado, a la interpretación del siglo XVIII. (“Liszt”, 1896; “Confidence”, 1897), convirtiéndose en un predecesor de los paisajes de Versalles de Benoit. El primero crea una luz surrealista, entretejiendo los motivos de la cultura de los jardines nobles y de la corte y las poderosas impresiones artísticas subjetivas cotidianas, impregnadas de ironía. El historicismo del “mundo del arte” fluye con actividad. No en el pasado, pero sí en su puesta en escena, tan apretada que no se le da la vuelta, es el eje de su motivo principal. No es la gente alegre la que se divierte, sino la diversión de la gente divertida que se besa en los callejones: ese es Somov.

Las otras obras de Somov son todas santos pastorales y galantes (“El beso burlón”, 1908, Museo Ruso; “El paseo de la marquesa”, 1909, Museo Ruso), llenas de ironía cáustica, vacío espiritual y desesperanza. Escenas de amor del XVIII – mazorca XIX v. dado primero con un toque de erotismo. El resto era especialmente evidente en sus figuras de porcelana, dedicadas a un tema: la búsqueda principal de maltas.

Somov trabajó intensamente como artista gráfico, habiendo compilado una monografía de S. Diaghilev sobre D. Levitsky y una obra de A. Benois sobre Tsarske Selo. El libro, como organismo único, con su unidad rítmica y estilística, fue elevado por él a una altura suprema. Somov no es ilustrador, “no ilustra el texto, sino la época, utilizando recursos literarios como trampolín”, escribiendo sobre A.A. Sidorov, y así es.

El líder ideológico del "Mundo de Misterio" fue Oleksandr Mikolayovich Benois (1870-1960), un talento extremadamente versátil. Pintor, artista gráfico de caballete e ilustrador, artista de teatro, director, autor de libretos de ballet, teórico e historiador del misticismo, activista musical que, en palabras de A. Bily, fue el principal político y diplomático de “El mundo de los misterios”. . Proveniente de un amplio círculo de intelectuales artísticos de San Petersburgo (compositores y directores, arquitectos y artistas), comenzó sus estudios en la Facultad de Derecho de la Universidad de San Petersburgo. Como artista, podemos reconocer en Somov las tendencias a la estilización y la pasión por el pasado (“Estoy enterrado en Versalles, debido a una enfermedad, cobardía, adicción maligna... Me mudé completamente al pasado...”). En los paisajes de Versalles, Ben estaba enojado con la reconstrucción histórica del siglo XVII. Ésta es la constante hostilidad del artista hacia el clasicismo francés y el grabado francés. Hay una composición clara, una amplitud clara, la grandeza y la fría severidad de los ritmos, que muestran la grandeza de los monumentos místicos y una serie de figuras humanas, como el bastón (primera serie de Versalles, 1896-1898), bajo el título "Los últimos paseos de La ironía de la serie Louis X. At Another Versailles (1905-1906), poderosa para los primeros arqueros, está salpicada de notas quizás trágicas (“El paseo del rey”, óleo, gouache, acuarela, oro, plata, pluma, 1906, Galería Tretyakov) Es importante que un artista de teatro tenga un maravilloso conocimiento y comprensión del teatro.

Benoit percibe la naturaleza en una conexión asociativa con la historia (ver Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, representados con la técnica de la acuarela).

En una serie de pinturas del pasado ruso, pintadas sobre la obra de la exposición Knebel de Moscú (ilustraciones anteriores a “Los claros del zar”), en escenas de la vida noble y terrateniente en el siglo XVIII. Benois creó una imagen íntima de esta época, incluso un poco de teatralidad (“Desfile de Pablo I”, 1907, Museo Ruso).

Benois el ilustrador (Pushkin, Hoffmann) es toda una parte de la historia del libro. Frente a Somov, Benoit crea una ilustración ilustrativa. La zona del lateral no es un fin en sí mismo para nadie. Las ilustraciones anteriores a "La esposa de la reina" eran creaciones independientes más completas, y no tanto el "misterio de un libro", atribuido a A.A. Sidorov, cuánto "misterio hay en el fondo". El diseño gráfico de “The Copper Peak” (1903,1905,1916,1921–1922, tinta y acuarela, que se asemeja a un grabado en color sobre madera) se convirtió en una obra maestra de la ilustración de libros. En la serie de ilustraciones del gran, el personaje principal es el paisaje arquitectónico de San Petersburgo, a veces histórico y patético, a veces pacífico, a veces siniestro, y cuyo cansancio todavía parece inútil para convertirse en Evgen. Así expresa Benoit el trágico conflicto entre la parte del poder ruso y la parte especial del pueblo pequeño (“Y toda la noche el pobre loco,/Dondequiera que hayan muerto los pies,/3 y con él en todas partes el ápice del Medio/Saltando con una estupidez importante”).

Como artista teatral, Benois diseñó las representaciones de las “Temporadas rusas”, la más famosa de las cuales fue el ballet “Petrushka” con música de Stravinsky, quien trabajó extensamente en el Teatro de Arte de Moscú y, más tarde, tal vez en todos los grandes escenarios europeos.

La actividad de Benoit, crítico de arte e historiador del misticismo, que junto con Grabar desarrolló métodos, adoptando los del misticismo ruso, es toda una etapa en la historia de la ciencia mística (capítulo "Historia de la pintura del siglo XIX" R Mutera - volumen "Pintura rusa", 1901 - 1902; "Escuela de pintura Rosіyska", Vidannya 1904; "La Tsarovnia Imtritriyvyu", La Tsarovayaveti Petrivni ", 1910; Statti en las revistas" Svit Mystetswy "I" Starі Roki "," Artista Skarby Rosiya "yo.

El tercero en el centro de "El mundo de los misterios" fue Lev Samuilovich Bakst (1866-1924), quien se hizo famoso como artista de teatro y fue el primero entre el "mundo de los artistas" en ganar popularidad en Europa. Llegó al “Mundo del Misticismo” procedente de la Academia del Misterio, impulsando entonces el estilo Art Nouveau, adhiriéndose a las corrientes izquierdistas de la pintura europea. En las primeras exposiciones "Al mundo del misticismo", exhibió retratos gráficos y pintados en bajo (Benoit, Bely, Somova, Rozanova, Gippius, Diaghileva), donde la naturaleza, que tiene un lugar en el futuro de los estados de vida, se transformó. into Esta es una declaración ideal sobre un ser humano. Bakst creó una marca para la revista "World of Mystery", que se convirtió en el emblema de las "Estaciones rusas" de Diaghilev en París. Los gráficos de Bakst tienen varios motivos del siglo XVIII. y jardines con esos. Se remonta a la antigüedad, e incluso al arcaico griego, matizado simbólicamente. Particularmente exitoso entre los simbolistas fue su pintura "Ancient Fear" - "Terror antiquus" (tempera, 1908, Museo Ruso). Es terrible el cielo tormentoso, la luz centelleante que ilumina el abismo del mar y el lugar antiguo, y sobre toda la catástrofe universal la corteza arcaica se desplaza con una sonrisa misteriosa. Nezabar Bakst apreció mucho el trabajo teatral y decorativo, y sus escenografías y vestuario para los ballets de la empresa Diaghilean, los vikonianos con el mayor esplendor, virtuoso y artístico, le dieron fama mundial. Realizó actuaciones con Anna Pavlova y ballets de Fokine. El artista robó señuelos con disfraces para “Scherazadi” de Rimsky-Korsakov, “Zhari-PTITITSI” Straivinskoy (Obudva –1910), “Daphnis I clar” Ravel, para el ballet con música del débito “Pirlyapoludnevy of the Favna” (ofendido –1912).

Desde la primera generación del "mundo del arte" hasta la generación más joven estuvo Evgen Evgenovich Lanceray (1875-1946), cuya creatividad se centró en todos los problemas principales de la gráfica de libros desde principios del siglo XX. (Ilustraciones deslumbrantes para el libro “Leyendas sobre los antiguos castillos de Bretaña”, anterior a Lermontov, portada de “Nevsky Prospekt” de Bozheryanov y otros). Lanceray creó varias acuarelas y litografías de San Petersburgo (“Kalinkin Place”, “Mikilsky Market”, etc.). La arquitectura ocupa un lugar importante en sus composiciones históricas (“Emperatriz Elizaveta Petrivna en Tsarskoe Selo”, 1905, Galería Tretyakov). Se puede decir que las obras de Serov, Benois, Lancer crearon un nuevo tipo de pintura histórica: no hay trama, pero en este caso crea milagrosamente la imagen de la época, evoca la impersonalidad de las asociaciones históricas, literarias y estéticas. . Una de las mejores obras de Lanceray: 70 pequeñas pinturas y acuarelas hasta la historia de L.M. “Hadji Murad” de Tolstoi (1912-1915), como admiraba Benoit “con su canción independiente, que milagrosamente se pierde en la poderosa música de Tolstoi”. Con el paso del tiempo, Lancer se convirtió en un conocido muralista.

El artista gráfico Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) tiene representaciones no tanto del San Petersburgo de la época de Pushkin o del siglo XVIII, sino del lugar actual, que es incapaz de transmitir cierta virulencia trágica (“Old Little Buddy”, 1905, acuarela, Galería Tretyakov), al igual que la gente, una mezcolanza de esos lugares (“La gente en los oculares”, 1905-1906, pastel, Galería Tretyakov: samotnya, sobre las cenizas del sumny Budynki hay una suma de personas, cuyas la cabeza adivina el cráneo). El urbanismo del futuro infundió miedo y pánico en Dobuzhinsky. Habiendo trabajado extensamente en ilustraciones, las más bellas se pueden ver en su ciclo de poca tinta hasta Las “Noches blancas” de Dostoievski (1922). Dobuzhinsky también trabajó en el teatro, diseñando "Mikola Stavrogina" de Nemirovich-Danchenko (una adaptación teatral de "Besivs" de Dostoievski), las obras de Turgenev "Un mes en el campo" y "El aprovechador".

Mikola Kostyantinovich Roerich (1874-1947) ocupa un lugar especial en el “Mundo de los Misterios”. Experto en filosofía y etnografía, arqueólogo-científico, Roerich recibió la iluminación milagrosa desde el principio en su casa, luego en las facultades de derecho e histórico-filológica de la Universidad de San Petersburgo, luego en la Academia de Ciencias de, en el maestro Kuindzhi. , y en París en el estudio de F. Cormon. Habiendo aprendido la autoridad de los grandes desde temprano. Estaba unido al “mundo del arte” por el mismo amor antes de la retrospección, no sólo de los siglos XVII y XVIII, sino de la antigüedad pagana eslovena y escandinava, antes de la antigua Rusia; tendencias de estilización, decoración teatral (“El Mensajero”, 1897, Galería Tretyakov; “Los ancianos convergen”, 1898, Museo Ruso Ruso; “Sinisters”, 1901, Museo Ruso Ruso). Roerich estaba más estrechamente asociado con la filosofía y la estética del simbolismo ruso, pero su misticismo no estaba incluido en el marco de las direcciones naturales, ya que era obvio que antes de la iluminación del artista parecía estar ante toda la humanidad debido al grito de un unión amistosa de todos los pueblos. Es aquí donde destaca la calidad épica de sus pinturas.

Después de 1905 En la creatividad de Roerich hay un sentimiento creciente de misticismo panteísta. Personajes históricos sacrifican el lugar de las leyendas religiosas (“Batalla celestial”, 1912, Museo Ruso Ruso). La gran afluencia de un pequeño icono ruso en Roerich: su panel decorativo "Sich at Kerzhents" (1911) se exhibió durante la recreación de un fragmento del mismo nombre de la ópera de Rimsky-Korsakov "El cuento de la ciudad invisible de Kitezh" y la Virgen Fevronia” en la parisina “Ro esta temporada”.

En otra generación de "El mundo de los misterios", uno de los artistas más talentosos fue Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927), un alumno de Repin, quien también lo ayudó en su trabajo sobre la "Rada Soberana". Kustodiev también tiene una estilización poderosa, pero no una estilización de la letra popular popular. Estrellas de las brillantes "ferias" navideñas, "Maslyani", "Balagani", de imágenes de la vida burguesa y mercantil, transmitidas con ligera ironía, pero no sin favor, con estas bellezas de mejillas rojas detrás de un samovar y platillos en dedos regordetes. ". 1915, Museo Estatal Ruso; “La esposa del comerciante tomando el té”, 1918, Museo Ruso)

La misma “Light of Mystery” también compartió el mismo destino que A.Ya. Golovin es uno de los más grandes artistas teatrales del primer cuarto del siglo XX, I. Ya.Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedeva y en.

“La luz del misticismo” se convirtió en un gran movimiento estético a principios de siglo, revalorizando toda la cultura artística actual, confirmando nuevos sabores y problemáticas, convirtiendo el misticismo –en el nivel más profesional– en formas de gráfica de libros y decoración teatral en pintura. , han llegado їх зузілми. una nueva crítica artística que, habiendo propagado el misticismo ruso detrás del cordón, en esencia, remonta las acciones de esta etapa a los fundamentos del siglo XVIII ruso. "El mundo del arte" creó un nuevo tipo de pintura histórica, retrato y paisaje con sus propios signos estilísticos poderosos (diversas tendencias de estilización, la importancia de las técnicas gráficas sobre las de dibujos animados, sabiduría puramente decorativa en el color, etc.). Esto lo indica su importancia para el misticismo vital.

Las debilidades de “La luz del misticismo” nos resultaron inmediatamente evidentes en la concisión e inconsistencia de los programas, que suenan como “ahora Beclina, ahora Manet”; en visiones idealistas del misticismo, afectadas por la grandeza del misticismo, en la apoliticalidad programática, en la pérdida del significado social de la imagen. La cámara de “La luz del misticismo”, su puro esteticismo, estuvo determinada por el reciente período histórico de su vida en la era de las sombrías y trágicas fronteras de la revolución que se avecina. Estos fueron los primeros krok en el camino de las personas creativas, y los jóvenes rápidamente se adelantaron a los artistas del "Mundo del Arte".

Sin embargo, para algunas personas del “mundo de las artes”, la verdadera revolución para el mundo fue la primera revolución rusa. La movilidad y la disponibilidad de gráficos estimularon su actividad particular durante el período de malestar revolucionario. Revistas satíricas Vinikloch (financiaron 380 títulos entre 1905 y 1917). La revista "Sting" se destacó en su franqueza democrático-revolucionaria, y los más grandes artistas se agruparon en torno al "Bug" y su suplemento "Pekelna Posta". La hostilidad de la autocracia consumió a los artistas de mentalidad liberal en diversas direcciones. En uno de los números de "Bugs", Bilibin coloca una caricatura "Burro 1/20 de tamaño natural": cerca del marco con los atributos de poder y gloria, donde estaban colocadas la imagen del rey y el burro pintado. Lanceray en 1906. Otra caricatura es "Trizna": los generales del zar en el lúgubre salón no pueden oír, pero los soldados no pueden oír qué gritar, qué ponerse firmes. Dobuzhinsky en "Zhovtneva idlya" del pequeño está privado del verdadero tema del lugar actual, solo los signos siniestros del día irrumpen en el lugar: ventana, bolsa rota, muñeca, oculares y llamas de sangre en la pared y en brukivtsi. . Kustodiev Vikon tiene una serie de caricaturas del zar y sus generales y Vinyatkov por la severidad y la malvada ironía de los retratos de los ministros del zar: Witte, Ignatyev, Dubasova y otros, que son tan amables que ayudan a Repin en su trabajo "Rada soberana". ". Basta decir que Vette, bajo su mano, es un payaso que se esconde, con una insignia roja en una mano y una insignia real en la otra.

Pero lo más significativo para el recuento revolucionario de estos destinos es el reconocimiento del pequeño V.A. Serova. Esta posición quedó completamente determinada durante la revolución de 1905. La revolución gritó hasta el final de las caricaturas de Serov: “1905 r. Después del arrepentimiento” (Mikola II, con una raqueta bajo el arado, distribuye crestas de San Jorge a los arrepentidos); "Cosecha" (las armas se colocan en el campo cerca de la gavilla). La más famosa de esta serie es la composición “¡Soldados, muchachos valientes! ¿Dónde está tu gloria? (1905, Museo Ruso). Aquí se reveló plenamente la enorme posición de Serov, su dominio, su cautela y su sabio laconismo como dibujante. Serov representa el comienzo del ataque cosaco contra los manifestantes el 9 de septiembre de 1905. Al fondo, se muestra una masa oscura en honor a los manifestantes; al frente, cerca del borde de la sábana, hay grandes figuras de cosacos, y entre el frente y el fondo, en el centro, hay un oficial a caballo, que los llama al ataque, con su espada calva. El nombre pretende eliminar toda la amarga ironía de la situación: los soldados rusos han lanzado un ataque contra el pueblo. Así se desarrolló para Serov esta trágica situación desde la época de su maestro y (digamos en sentido figurado) desde las profundidades del conocimiento liberal de la intelectualidad rusa. Los artistas rusos que escucharon la revolución de 1905 no supieron resistir ningún cataclismo en la historia de Vietnam. Al estar del lado de la revolución, dieron prioridad, intelectualmente, al terrorista-bombardero (incluidos los descendientes de nihilistas-relevistas, “con sus habilidades en la lucha política y “reflejo ideológico de las ideas generales del matrimonio”, según un historiador), un lugar local que vela por el orden. No sabían que la “rueda roja” de la revolución significaba cuánto odiaban a la autocracia, sino toda la estructura de la vida rusa, toda la cultura rusa a la que servían y lo que les era querido.

En 1903, como se esperaba, tuvo lugar una de las mayores exposiciones del siglo: la “Unión de Artistas Rusos”. Hasta ahora, todas las figuras destacadas de "El mundo del misterio" se han ido: Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov; entre los participantes en las primeras exposiciones se encontraban Vrubel, Borisov-Musatov. Los iniciadores de la creación de la asociación fueron los artistas moscovitas asociados con el "mundo del misticismo", así como con el fuerte carácter programático de los residentes de San Petersburgo. La “Unión” fue especialmente apreciada por los pintores moscovitas del estilo Peresuvnytsky, los estudiantes de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, los estudiosos de Savrasov y los estudiosos de Serov y K. Korovin. Hay muchas personas que estuvieron expuestas en varias exposiciones al mismo tiempo. Entre los expositores de la “Unión” se encontraban los siguientes artistas: S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, los hermanos Korovini, L. Pasternak. Las autoridades organizativas fueron A.M. Vasnetsov, S.A. Vinogradiv, V.V. Palitúrnikov. Stovpi peresuvnitstva V.M. Vasnetsov, Surikov y Polenov eran sus miembros. El líder de la "Unión" era K. Korovin.

El paisaje nacional, cuadros pintados con cariño de la Rusia rural, es uno de los principales géneros de los artistas de la “Unión”, que han identificado el “impresionismo ruso” con sus importantes motivos rurales, más que seculares. Entonces los paisajes de I.E. Grabar (1871-1960) con su talante lírico, con los más sutiles aspectos juveniles, extorsiona cambios mitigantes de la naturaleza moderna, una especie de paralelo entre el suelo ruso y el paisaje impresionista de los franceses (“Veresneviy Snow”, 1903, Galería Tretyakov) . En su automonografía, Grabar habla de este paisaje al aire libre: “La vista de la nieve con sus hojas de color amarillo brillante era tan insatisfactoria y al mismo tiempo tan milagrosa que estuve tranquilamente sentado en la terraza y durante tres Los días pintaron... un cuadro”. El interés de Grabar por descomponer los colores visibles en paletas de colores puros y espectrales está relacionado con el neoimpresionismo, J. Seurat y P. Signac (“Birch Snow”, 1904, Galería Tretyakov). Alejados de la naturaleza, los efectos coloristas complejos se convierten en el tema del "aserrado de los aliados" para crear en el lienzo una luz figurativa plástico malovny, reduciendo la apariencia y el carácter ilustrativo.

Con todo el interés en la transferencia de la luz y el viento, la pintura de los maestros de la “Unión” no duda en destruir el tema en el medio de la luz y el aire. El color adquiere un carácter decorativo.

Los “aliados” liderados por los habitantes de San Petersburgo, los artistas gráficos de “Al mundo misterioso”, son pintores importantes que se inspiran en los colores decorativos. Una monstruosa muestra de eso: pinturas de F.A. Malín.

Entre los participantes de la “Unión” se encontraban mitsi, cercanos al “mundo de las artes”, el tema de la creatividad. Entonces, K.F. Yuon (1875-1958) añadió la vista de los antiguos lugares rusos, el panorama del viejo Moscú. Ale Yuon es una vista lejana de la misericordia natural del pasado, el paisaje arquitectónico principal. No se trata de los parques de Versalles ni del barroco Tsarsko-Silsky, sino de la arquitectura del viejo Moscú en su aspecto primaveral e invernal. Pinturas de la naturaleza de la vida cotidiana, en las que se puede sentir la naturaleza de la hostilidad, como las del propio artista (Birch Son, 1915, Galería Tretyakov; “Trinity Lavra in Winter”, 1910, Museo Ruso). Las sutiles sutilezas de la naturaleza se transmiten en los paisajes de otro participante de la “Unión” y ahora miembro de la Asociación de Exposiciones Peresuviales – S.Yu. Zhukovsky (1873-1944): el infinito del cielo, que cambia su barbarie, el profundo torrente de agua, la dispersión de la nieve bajo el mes (“Noche de mes”, 1899, Galería Tretyakov; “Remo”, 1909, ruso ruso Museo). A menudo, en Año Nuevo el motivo es un jardín cerrado.

La pintura del artista de la escuela de San Petersburgo, miembro leal de la “Unión de Artistas Rusos” A.A. Rilova (1870-1939), "Ruido verde" (1904), el maestro supo transmitir cómo él mismo se sentía como un viento fresco, bajo el cual los árboles se balanceaban y las ventanas volaban. Siente sentimientos de alegría y ansiedad al mismo tiempo. Aquí se dieron señales de las tradiciones románticas de mi maestro Kuindzhi.

El diseño de “Los Aliados” no fue sólo un estudio al aire libre, sino también formas de pintura monumentales. Hasta 1910, la hora de la desintegración y reagrupación del "Mundo del misticismo", en las exposiciones de la "Unión" era posible mostrar un paisaje íntimo (Vinogradov, Petrovichev, Yuon y otros), pinturas cercanas al divisionismo francés (Grabar, principios de Larion) o al simbolismo cercano (P. Kuznetsov, Sapunov, Sudeikin); También participaron los artistas del "Mundo misterioso" de Diaghilev: Benois, Somov, Bakst, Lanceray, Dobuzhinsky.

La "Unión de Artistas Rusos", con sus sólidas bases realistas, jugó un papel importante en el antiguo misticismo creador de imágenes y se convirtió en un influjo importante en la formación de la escuela de pintura Radyan, que existió hasta 1923.

Los destinos entre dos revoluciones se caracterizan por la tensión de búsquedas creativas, que a veces se desconectan directamente entre sí. En 1907 En Moscú, la revista "Golden Fleece" organizó una exposición única de artistas seguidores de Borisov-Musatov, que se llamó "Troyano negro". El artista principal del "Troyano Negro" fue P. Kuznetsov. Recientemente, M. Sar'yan, N. Sapunov, S. Sudeikin, K. Petrov-Vodkin, A. Fonvizin y el escultor A. Matveev comenzaron a reunirse. Los "holoborozistas" más cercanos son el simbolismo que nos expresaron antes en su "película": la sutileza del estado de ánimo, la musicalidad inconcebible e intraducible de las asociaciones, la sutileza de las composiciones coloridas. En el misticismo ruso, el simbolismo se ha formulado cada vez más en la literatura: en los primeros días del nuevo siglo ya se escuchaban nombres como A. Blok, A. Biliy, V. Ivanov, S. Solovyov. Además de esto, en la obra de Vrubel aparecieron elementos del "simbolismo del cuervo", como ya se mencionó, Borisov-Musatov, Roerich y Ciurlenis. Las pinturas de Kuznetsov y sus asociados tenían muchas conexiones con la poética de Balmont, Bryusov, Bely, e incluso alcanzaron el simbolismo a través de las óperas de Wagner, los dramas de Ibsen, Hauptmann y Maeterlinck. La exposición “La Troya Negra” representó una síntesis: actuaron poetas simbólicos y se tocó música contemporánea. La plataforma estética de los participantes de la exposición se fue dando señales en los años siguientes, y el nombre de la exposición pasó a ser nominal para el conjunto directamente en la historia de la otra mitad del siglo XX. Toda la actividad del "Troyano Negro" también está fuertemente influenciada por la infusión del estilo Art Nouveau (estilización plana y decorativa de las formas, vitalidad de los ritmos lineales).

Las obras de Pavel Varfolomiyovich Kuznetsov (1878-1968) reflejan los principios básicos de los "goluborozistas". Su creatividad está imbuida del concepto neorromántico de “hermosa claridad” (expresión del poeta M. Kuzmin). Kuznetsov creó una pintura sobre panel decorativo que, habiendo elegido abstraerse de la concreción de la vida, mostró la singularidad de las personas y la naturaleza, la resistencia del ciclo eterno de la vida y la naturaleza, la armonía del alma humana. Estas son expresiones de formas monumentales de pintura, pacíficamente observantes, purificadas del bigote de manopla, zagalnogo, notas horarias, que transmiten constantemente la espiritualidad de la materia. Una figura es simplemente un signo que expresa un concepto; El color cumple la función de transmisión; ritmo: para que los evangelistas canten la luz (como en la iconografía, un símbolo de amor, ternura, dolor y otros). Iluminar y recibir una distribución uniforme de la luz sobre toda la superficie del lienzo es uno de los fundamentos del arte decorativo de Kuznetsov. Serov dijo que la naturaleza de P. Kuznetsov está "muriendo". Esto se expresa milagrosamente en sus suites kirguís (Stepovy) y Bukhara, en paisajes de Asia Central. (“Dormir en el Koshar”, 1911, como escribe A. Rusakova, la sucesora de la obra de Kuznetsov, es una imagen de la estepa pacífica, la luz, la calma, la armonía. La mujer representada no es una persona específica, sino una mujer kirguisa, un signo del Rasi mongol.) El cielo alto, sin desiertos, suaves colinas, orillas, rebaños de ovejas crean la imagen de un idilio patriarcal. El sueño único e inaccesible sobre la armonía, sobre la ira de las personas hacia la naturaleza, que siempre ha sido elogiado por los artistas (“Espejismo en la estepa”, 1912, Galería Tretyakov). Kuznetsov aprendió las técnicas de la iconografía rusa antigua y del Renacimiento italiano temprano. Este desarrollo de las tradiciones tradicionales del misticismo luminoso en el espíritu de su gran estilo, como lo notaron claramente sus predecesores, tiene poca importancia en una época en la que la gente a menudo echaba de menos alguna tradición.

El exotismo inmediatamente (Irán, Egipto, Turquía) se inspiró en los paisajes de Martiros Sergiyovich Sar'yan (1880-1972). La reunión fue un tema natural para el artista virmenio. Saryan crea en su pintura una ligereza, una versión de una decoración brillante, más apasionada, más terrenal, menos de Kuznetsov, y la decisión del grupo del niño siempre se inspiró en relaciones contrastantes con los colores, sin matices, con una nitidez en el ambiente de sombra. (“Phoenix Palm, Egipto”, 1911, cart., Temple, Galería Tretyakov). Es importante señalar que las obras orientales de Saryan, con sus coloridos contrastes, parecen ser anteriores a las obras de Matisse, creadas por él después de visitar Argelia y Marruecos.

Las imágenes de Sar'yan son monumentales debido a la regularidad de las formas, las grandes llanuras barvosas, el movimiento lapidario zagal; esto, por regla general, es una referencia a la imagen de Egipto, Persia y la Virmenia nativa, que preserva lo natural. algunos escritos de la naturaleza. Los lienzos decorativos de Saryan están siempre vivos, atestiguan su afirmación sobre la creatividad: “... la creación del misticismo es el resultado mismo de la felicidad o del trabajo creativo. “Por supuesto, es posible encender en los ojos la mitad del horno creativo, aceptar la manifestación del poderoso en la forma de la naturaleza de la tierra, la felicidad y la libertad”.

Kuznetsov y Saryan, con sus abrigos tallados, crearon una imagen poética del mundo rico y rico, una basada en la tradición del antiguo misticismo ruso de los iconos y la otra en la antigua miniatura ucraniana. Durante el período del “Troyano Negro”, también aumentaron su interés por los motivos orientales y las tendencias simbólicas. Las autoridades no ejercieron ninguna influencia impresionista sobre los artistas del Troyano Negro.

Los "holoborozistas" actuaron de manera rica y fructífera en el teatro, estrechamente entrelazados con la dramaturgia y el simbolismo. NUEVO MÉJICO. Sapunov (1880-1912) y S.Yu. Sudeikin (1882-1946) fue decorado con dramas de M. Maeterlinck, un tal Sapunov, G. Ibsen y "Balaganchik" de Blok. Esta fantasía teatral, estilización popular de feria, Sapunov transfirió a sus obras de caballete, bodegones gostrodecorativos con flores de papel en jarrones de porcelana de cerezo (“Pivoni”, 1908, témpera, Galería Tretyakov), a escenas de género grotesco (“Mascarada”, 1907, Galería Tretiakov).

En 1910 varios artistas jóvenes: P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova y otros, unidos en la organización "Jack of Diamonds", que tenía un pequeño estatuto, que controlaba las exposiciones y, aparentemente, las colecciones de artículos. La “Jota de Diamantes” en realidad surgió hasta 1917. Al igual que el postimpresionismo, antes de Cezanne, que se convirtió en una "reacción al impresionismo", "Jack of Diamonds" se pronunció contra la vaguedad, la inconsistencia y los matices sutiles del lenguaje simbólico del "Troyand Negro" y el "misticismo estético". Los “Dambourines”, impregnados de materialidad, “vocalidad” de la luz, dieron lugar a un diseño claro del cuadro, reforzado por la objetividad de la forma, la intensidad y la sonoridad del color. La naturaleza muerta de Nevypadkovo se está convirtiendo en el género favorito de los “Valetivtsev”, así como el paisaje es el género favorito de los miembros de la “Unión de Artistas Rusos”. Illya Ivanovich Mashkov (1881-1944) en sus naturalezas muertas (“Ciruelas azules”, 1910, Galería Tretyakov; “Naturaleza muerta con camelia”, 1913, Galería Tretyakov) determina completamente el programa de su unificación, al igual que Petro Petrovich Konchalovsky (1 876–195) retratos (retrato de G. Yakulov, 1910, Museo Estatal Ruso; "Matador Manuel Hart", 1910, Galería Tretyakov). Sutileza en la transmisión de cambios de humor, psicologismo de las características, falta de confianza en los campos, desmaterialización de la pintura de los "Goluborozitas", su poesía romántica es descartada por los "Valetianos". Exhiben la santidad espontánea de la farb, la expresión de un dibujo de contorno, el empaste suculento de una manera amplia de escribir, que transmite un estado de ánimo optimista al mundo, creando un estado de ánimo que puede ser una sala de exposición o un Maidan. Konchalovsky y Mashkov en sus retratos dan una caracterización clara, pero unidimensional, a veces exagerando hasta lo grotesco, una frontera; en las naturalezas muertas enfatizan la superficie del lienzo, el ritmo de las salpicaduras de colores (“Agave”, 1916, Galería Tretyakov, - Konchalovsky; retrato de una mujer con un faisán, 1911, Museo Ruso, - Mashkova). "Bubnovoletivtsi" permite simplificaciones en la forma interpretada como similares al lubok popular, juguete popular, kahli pintado, viviska. El anhelo de primitivismo (del latín primitivus - primero, primero) apareció en varios artistas que heredaron formas simplificadas de misticismo sobre las épocas primitivas - las primeras tribus y nacionalidades - en los chistes de la época sin término medio y la integridad de la expresión artística. . “La sota de diamantes” se inspiró en Cézanne (también llamado “sésanismo ruso”), o más bien, en la versión decorativa del sésanismo –fauvismo, más aún–, del cubismo, e incluso del futurismo; del cubismo hay formas “ssuv”, del futurismo – dinámicas, diversas modificaciones de forma, como en el cuadro “Dzvin. Dzvinitsya de Iván el Grande" (1915, Galería Tretyakov) de A.V. Léntulov (1884-1943). Lentulov creó una imagen muy expresiva, basada en el motivo de la arquitectura antigua, cuya armonía fue destruida por la compañía nerviosa y hospitalaria de la gente común y los locos ritmos industriales.

Retratos de P.P. Falk (1886-1958), que ha perdido su fidelidad al cubismo en sus formas racionales e interpretadas (no en vano se habla del “cubismo lírico” de Falk), fragmentado en sutiles armonías color-plásticas que transmiten la estatura cantante del modelo.

Las naturalezas muertas y los paisajes de A. V. Kuprin (1880-1960) presentan en ocasiones una nota épica y tienden a volverse más formales (“Naturaleza muerta con sandía, jarrón y pinceles”, 1917, Galería Tretyakov, acertadamente llamada por el descendientes “cantando "¿Qué cubre la práctica de la pintura? La mazorca decorativa de Kuprin coincide con la visión analítica de la naturaleza.

La forma extremadamente simple, una conexión directa con la mística del whisky, se nota especialmente en M.F. Larionov (1881-1964), uno de los fundadores de la “Jota de Diamantes”, y también en 1911. rompiendo con ello y organizando nuevas exposiciones: “Donkey’s Tail” y “Target”. Larionov pinta paisajes, retratos, naturalezas muertas, actuando como un artista teatral de la empresa de Diaghilev, luego se desarrolla en una pintura de género, cuyo tema es una calle provincial y un cuartel de soldados. Las formas son planas, grotescas, los labios están completamente estilizados para parecerse a un bebé, una férula o una sien. En 1913 Larionov publicó su libro "Rayismo", en esencia, el primero de los manifiestos de la mística abstracta, cuyos principales creadores en Rusia fueron V. Kandinsky y K. Malevich.

Artista N.S. Goncharova (1881-1962), del equipo de Larionov, desarrolló las tendencias mismas en la pintura de género, especialmente en temas rurales. Observamos el destino de su creatividad, más decorativa y burda, menos que la mística de Larionov, monumental detrás de la fuerza interior y el laconismo, se puede sentir profundamente el primitivismo enterrado. Al caracterizar la creatividad de Goncharova y Larionov, se utiliza a menudo el término "neoprimitivismo". De hecho, estamos cerca en términos de luz artística y expresión del diverso lenguaje de O. Shevchenko, V. Chekrigin, K. Malevich, V. Tatlin, M. Chagall. Cada uno de estos artistas (la culpa es de Chekrigin, que murió demasiado pronto) conoce claramente su poderosa trayectoria creativa.

M.Z. Chagall (1887-1985) creó fantasías, transformadas de los aburridos enemigos de la vida de la pequeña ciudad de Vitebsk y las interpretó en un espíritu ingenuo-poético y grotesco-simbólico. Con su espacio surrealista, su brillante viveza y su inconsciente aceptación de la forma, Chagall parece cercano tanto al expresionismo avanzado como al misticismo popular primitivo (“I and the Village”, 1911, Museo de Arte Moderno, Nueva York; “On d Vitebsk”, 1914 , zіbr. Zak. Toronto, “Vinchannya”, 1918, Galería Tretyakov).

Muchos de los maestros antes mencionados, cercanos a la "Jota de Diamantes", formaban parte de la organización "Unión Juvenil" de San Petersburgo, que se formó aproximadamente al mismo tiempo que la "Jota de Diamantes" (1909). La crema de Chagall en la "Unión" fue expuesta por P. Filonov, K. Malevich, V. Tatlin, Y. Annenkov, N. Altman, D. Burlyuk, A. Exter y en. El papel principal lo desempeña el nuevo gravedad L. Zheverzheev. Así, como los valecianos, los miembros de la Unión Joven organizaron asambleas teóricas. Hasta el colapso del ob'ednannya en 1917. “La Unión de la Juventud” tiene un programa de canto que enfatiza el simbolismo, el cubismo, el futurismo y la “no objetividad”, y los artistas están más expuestos creativamente.

Las mayores características de plegado de P.N. Filoniv (1883-1941). D. Sarab'yanov describió correctamente la creatividad de Filonov como "igual y única". En este sentido, es justo poner al artista a la par de A. Ivanov, N. Ge, V. Surikov, M. Vrubel. Continúe con el artículo de Filonov, su aparición en la cultura artística rusa de los años 10 del siglo XX. natural. Con su enfoque en “un flujo único de formas que se desarrolla por sí solo” (D. Sarab’yanov), Filonov está más cerca de todo futurismo, pero la naturaleza problemática de su creatividad está lejos de ser algo nuevo. Shvidshe vin no está cerca del malovnik, sino del futurismo poético de Khlebnikov con su búsqueda del significado principal de la palabra. “A menudo, comenzando a pintar un cuadro desde cualquier borde, transfiriendo su carga creativa a las formas, Filonov les habla de la vida, y ya no están a la voluntad del artista, sino que con su propia mano imperiosa se desarrollan, cambian, cambiar, crecer. El autodesarrollo de las formas por parte de Filonov es verdaderamente notable” (D. Sarabyanov).

La mística de las rocas prerrevolucionarias en Rusia está indicada por la extraordinaria complejidad y superdiversidad de ideas artísticas que cambian a un grupo con sus configuraciones programáticas y simpatías estilísticas. Además de los experimentadores de la fascinación por las formas abstractas en la hora mística rusa, tanto “World of Art” como “Goluborozivtsi”, “Allies”, “Dambourine Volunteers” continuaron practicando simultáneamente, inculcando también una fuerte corriente de neoclasicismo. pero ¿cuál puede ser la creatividad de un miembro activo de los “Misterios del mundo” de “otra generación” Z.Є. Sribniakova (1884-1967). Las pinturas de género poético de Serebryakov con su lacónica pequeñez, su moldeado plástico claramente sensible y el nivel de importancia de la composición de Serebryakov provienen de las altas tradiciones nacionales del misticismo ruso, primero Venetsianova y, más aún, la mística rusa antigua ("Selyani", 1914, 15, 15). ;, Museo de Arte de Odesa;

Hemos encontrado pruebas brillantes de la vitalidad de las tradiciones nacionales en la gran pintura rusa antigua y en la obra de Kuzma Sergiyovich Petrov-Vodkin (1878-1939), un artista y pensador que más tarde se convirtió en un destacado maestro del arte. En el famoso cuadro “El baño del caballo rojo” (1912, PT), el artista llegó incluso a crear una metáfora de creación de imágenes. Como se señaló correctamente, el joven sobre un caballo rojo brillante evoca la asociación con la imagen popular de San Jorge el Victorioso (“San Yegory”), y la silueta llamativa, la composición rítmica y compacta, la intensidad del sonido en Colores contrastantes con toda su fuerza, uniformidad para el enigma sobre el antiguo icono ruso. Petrov-Vodkin crea una imagen armoniosamente ilustrada en el lienzo monumental "Niñas en el Volz" (1915, Galería Tretyakov), que muestra su orientación en la tradición del misticismo antiguo, que lleva al maestro al nivel correcto de nacionalidades.

EL MISTERIO RUSO DE KINTSYAXIX- COBXXSIGLO

Kinets XIX-cob XX cent. Es una era, un punto de inflexión en todas las esferas de la vida social y espiritual. Rusia pasó por una revolución. "Estamos atravesando horas de tormenta", escribió W.I. Lenin, nacido en 1902, - si la historia de Rusia avanza a pasos agigantados, el corto plazo significa más de una década de períodos de paz.” La clave para comprender la comprensión mutua del misticismo con la actividad histórica de esta hora puede ser la formación formulada por V.I. Lenin en la famosa serie de artículos sobre L. N. Tolstoi: “Y como tenemos ante nosotros a un artista verdaderamente grande, entonces el pueblo, incluso los que pertenecen a los aspectos esenciales de la revolución, son culpables de engañar a sus creaciones”. El resultado es una interpretación leninista de las diatribas de Tolstoi: “A los ojos de Tolstoi, cansarse no es borrar sus pensamientos especiales, sino el reflejo de estas mentes altamente inteligentes y supersensibles, las afluencias sociales, las tradiciones históricas, como y significaron la psicología. de diferentes clases y diferentes creencias del consulado ruso para la reforma, o era prerrevolucionaria". Toda la idea de Lenin es abrazar el principio metodológico fundamental de la explicación histórica del misticismo, que permite ampliar lo que se dice sobre Tolstoi en el ámbito de la creatividad artística.

Sin embargo, no es fácil comprender esta situación y pensar que en toda actividad creativa hay inmediatamente signos de una crisis del orden burgués o del influjo de la ideología proletaria. Esto simplemente significa que el misticismo en general, en las principales tendencias del proceso artístico, se convierte en una manifestación de las fuerzas sobrenaturales del desarrollo tardoburgués, que amenaza con una vibración revolucionaria y cuelga como el proletariado que ejerce la fuerza revolucionaria. El nivel de profundidad y nitidez de estas rúbricas es tal que el misticismo, y aún más el misticismo creativo, que se encuentra a la derecha de la luz disponible para el ojo exterior, se ve gradualmente superado por la imposibilidad de representar una nueva vida. el método del antiguo realismo: el método de representar directamente la actividad en las formas de la actividad misma. La primacía de las imágenes y formas artísticas, que expresan indirectamente el lugar de la realidad, sobre las formas de reflexión indirecta es el principal aspecto importante de la mística de finales del siglo XIX y principios del XX.

LA CULTURA EN LOS SIGLOS CORDONI

Cronológicamente, este período oscila entre principios de los años 90 y 1917. Describiré los años 80 como una década de transición en la que el realismo de la otra mitad del siglo XIX alcanza su apogeo. en la obra de Repin y Surikov y, al mismo tiempo, se vislumbra un nuevo sentido de comprensión en las primeras obras de los artistas que han alcanzado su florecimiento creativo en el período actual.

En la mente de la polarización de las fuerzas de suspenso y las crecientes luchas de clases, la nutrición sobre el lugar y el papel del misticismo está una vez más aumentando y cambiando. La vida misma parece estar influenciada por la democratización del misticismo, que fue percibido vivamente por los propios artistas y se fusionó con la tendencia hacia un refinamiento sofisticado de la forma artística que caracteriza la creatividad de los más grandes maestros de esta época: Vrub El, Levitan. , Serov, Borisov-Musatov y especialmente representantes de la estaca "Light of Mystery", la primera grande después de los Wanderers.

Después de la situación revolucionaria de los años 60 y 70, Rusia experimentó una reacción política violenta. La década de 1980 fue una hora de crisis para el populismo revolucionario y para la misma plataforma ideológica en la que se basaba la estética de los Wanderers. Toda esta década fue al mismo tiempo una hora de gran florecimiento del realismo de Peresuvnytsky en la obra de Repin y Surikov y el comienzo de su crisis. Los observadores actuales ya empiezan a verlo como un fenómeno que ha sobrevivido a la época del florecimiento.

En 1894 r. Los mayores representantes de la Asociación (Repin, Makovsky, Shishkin, Kuindzhi) se han convertido en profesores académicos.

El patetismo socialmente crítico de la antigua mística no existe, sino que se ha transformado por completo. Surge como formas de afirmación de los ideales de armonía y belleza en el conocimiento público de su naturaleza ilusoria, la fascinación de estos ideales eternos de la cultura con el orden mundial actual, que fue la fuente de estados de ánimo pesimistas en los que se convirtieron en uno de las características importantes del clima intelectual, de hecho. La evidencia de que la belleza no proviene de los materiales de este mundo, sino que surge únicamente del derroche de recursos de poder al talento y la imaginación poética del artista, se ha convertido en temas cada vez más vulgares, alegóricos o mitológicos, y en la propia estructura está malas formas de vida, que tradujeron las imágenes de la realidad externa al campo de los fenómenos folclóricos, habiendo adivinado sobre el pasado y lo desconocido antes del día siguiente.

Método analítico para el realismo de mediados del siglo XIX. viviendo para ella misma. Postrizhianikh apodo burguesías, Nabudosyn, no tan moral y ético, Socialnna Zabirnnya, Skilki Verisna es extético: Golovna es malvado, para llevar a los burgueses del svit burgués, Baiduzhniy a lo bello, atrofiado y tan sucio. La misión humanista del artista se persigue ahora de maneras que parecen accesibles a la mística. “Despierta... para el deleite de los que despiertan con grandes imágenes...” - así lo expresó el señor Vrubel. En su forma más consistente, este problema se redujo al desarrollo de la opresión de la prosa utilitaria en la misma esfera cotidiana: la esfera de la vida cotidiana.

La cercanía olvidada de la mística a la vida fue entendida por los artistas de mediados de siglo y los Wanderers como la imagen olvidada de la vida en el misticismo, pero la mística misma se perdió después de ser vallada con las paredes del museo. Artistas de finales del siglo XIX. Acepte la fórmula de acercar el misticismo a la vida en su significado directo: como una introducción predestinada del misticismo en la vida, transformado con belleza en el mundo exterior.

Un cuadro, una figura escultórica, debe abandonar el museo, debido a su filiación invisible con los discursos cotidianos y la arquitectura, que distingue a las personas. Pero esta creación artística, en su tejido mismo, en las configuraciones de formas y tejidos, puede ser armoniosa hasta la extrema intermediación, para formar a partir de ella un solo conjunto. Esta totalidad asegura el estilo dado por la ley de la forma, que impregna todo el ámbito del misticismo espacioso, un estilo que, hasta la creación de cualquier tipo, estuvo directamente influenciado por artistas desde finales del siglo XIX hasta el siglo XIX. principios del siglo XX. En Rusia, se abandonó el nombre de estilo Art Nouveau.

La revolución de 1905-1907, según V.I. Lenin, “La revolución es del pueblo” 2. Evidentemente, estas destrucciones del conocimiento artístico se revelaron inmediatamente como directamente determinadas por todo el curso del desarrollo avanzado del arte ruso. El punto de inflexión de la época analizada estuvo determinado por el desarrollo de los conflictos internos, las polémicas obvias o implícitas entre grupos artísticos vecinos y el rigor caleidoscópico del cambio entre sí, en la velocidad progresivamente creciente de la evolución artística, especialmente después de 1910. Esto fue confirmado por la extrema actividad de la vida expositiva y por el aumento del número de eventos periódicos y de otro tipo, especialmente dedicados a alimentar el misticismo creativo, especialmente los diarios, rusos y, por supuesto, europeos.

Un papel importante en este proceso lo jugó el grupo de artistas "El mundo del misterio", que dirigió las últimas exposiciones y retrospectivas del misticismo ruso del siglo XVIII. . Al invitar a maestros europeos extranjeros a participar en sus exposiciones, "La luz del misterio" ha ampliado los contactos entre el misticismo ruso y los extranjeros actuales. Un fenómeno importante es el desarrollo de jóvenes artistas rusos en escuelas y estudios privados europeos. La actividad del "Mundo del Misticismo", con sede en San Petersburgo, estimuló el proceso de consolidación de las fuerzas artísticas en Moscú, que condujo al establecimiento en 1903 de una nueva asociación artística: la "Unión de Artistas Rusos". La importancia personal de la escuela Malovnik de Moscú y de la “Miriskusnitsky” de San Petersburgo, directamente ligada a su culto a la gráfica, puede identificarse como un factor necesario en el desarrollo del misticismo en el período que nos ocupa.

Otra característica importante de este período es la alineación con el desarrollo desigual de otros tipos de misticismo: junto a la pintura hay arquitectura, misticismo decorativo, gráfica de libros, escultura, escenografía teatral. La hegemonía de la pintura de caballete, que simbolizaba la mística de mediados de siglo, está pasando. En la mente, si las esferas de la creatividad creativa estancada se están expandiendo más allá de lo imaginable, se está formando un nuevo tipo de artista universal que “puede hacer de todo”: pintar un cuadro y un panel decorativo, hacer una viñeta para un libro y una pintura monumental. , diseñar una escultura y confeccionar un vestuario teatral. Las obras de M. Vrubel y los artistas de "El mundo misterioso" están simbolizadas por los dibujos de tal universalismo.

El culto al universalismo artístico ha desaparecido entre un grupo de artistas que se agrupaban en torno al industrial y filántropo S. I. Mamontova. Vinik nacido en 1872 Y en su “residencia” en Abramtsevo, cerca de Moscú, el grupo se convirtió en una especie de forja de ideas y formas del nuevo misticismo ruso. La actividad del grupo desarrolla gradualmente una orientación hacia la decoración teatral y el misticismo decorativo, hacia el resurgimiento de la mística popular. Se coleccionan artesanías, los motivos folclóricos se utilizan en trabajos creativos: en líber, bordados, juguetes, tallas de madera.