1. 20세기 말 러시아의 미스터리. 20세기 러시아의 마지막 10년은 러시아의 상황을 근본적으로 변화시킨 정치적, 경제적 조치들로 가득 차 있었습니다. 1991년 연합의 해산 그리고 정치적 과정의 변화, 시장 투입으로의 전환 및 다가오는 경제 발전 모델에 대한 명확한 방향, 수정, 약화, 심지어 완전히 압박하는 지점까지, 이념적 통제-90 년대 초반의 모든 가격은 무엇입니까? 문화적으로 중간이 급속도로 변하기 시작했습니다. 국가의 자유화와 민주화는 새로운 경향의 발전과 형성으로 이어졌고 역사적 신비에 직접적인 영향을 미쳤습니다. 1990년대 러시아 예술의 진화는 포스트모더니즘을 향한 권력자들의 새로운 경향, 다음과 같은 방향으로 작업하는 새로운 세대의 젊은 예술가들의 출현에서 비롯되었습니다. 개념주의, 컴퓨터 그래픽, 신고전주의러시아의 컴퓨터 기술 개발과 관련이 있습니다. 고전 절충주의에서 등장한 '신 러시아 신고전주의'는 모더니즘 시대 이전의 '고전' 이전에는 존재하지 않았던 다양한 방향을 그 자체로 통합하면서 '풍부한 다이아몬드'가 되었습니다. 신고전주의-이것은 예술가들이 회화, 그래픽, 조각의 고전적 전통을 부활시키는 동시에 신기술을 적극적으로 사용하는 신비주의와 직접적인 관련이 있습니다. 영국의 역사가이자 신비주의 이론가 에드워드 루시 스미스러시아 신고전주의는 "카지미르 말레비치 이후 세속적인 예술 과정에 영향을 준 러시아 문화의 첫 번째 눈에 띄는 표현"이라고 부릅니다. 신고전주의는 고대 이전에 설정된 다른, 낮은 고전주의를 결합합니다. 그리스 문화의 역사적 관점은 고대 창조가 절대적인 것이 아니라 구체적인 역사적 이상에 기초한 반면, 그리스인의 유산은 다른 의미를 불러일으켰습니다. 그러나 자유, 규칙에 대한 이해 등. 이제부터 그것은 사람들의 실제 삶인 표준이 될 것입니다. D.V. 사라브야노프신고전주의부터 "복잡한" 현대성까지 알고 있습니다. 그러나 신고전주의는 후기 근대성과 그 자체로 직접적인 영향을 받을 수 있습니다. "신인 예술가"의 창의성에는 순수한 모더니티와 신고전주의가 부족하고 항상 서로 얽혀 있으며 새로운 아카데미의 예술가들은 이미지 창의적 신비주의에서 아방가르드, 포스트 모더니즘, "콜라주 예술"의 고전주의와 같은 여러 흐름을 통합했습니다. " “신진 예술가”의 작품은 컴퓨터 그래픽, 에칭, 회화, 사진 등을 결합하여 다양합니다. 아티스트들은 자신의 창작물을 디지털 형식으로 전송하고, 필요한 조각을 확인하고, 콜라주를 만들고, 오래전부터 훌륭하게 업데이트된 의상과 장식을 만들었습니다. 전통적인 방법과 컴퓨터 그래픽 프로그램의 기능이 결합되어 예술가의 창의적 잠재력이 확장되었습니다. 스캔한 자료에서 콜라주를 수집하고 예술적 특수 효과를 추가하고 변형하여 환상적인 구성을 만들었습니다. 90년대 초 상트페테르부르크 신고전주의의 가장 아름다운 대표자들 O. 토베르루츠, E. 안드레바, A. 클로비스틴, O. 투르키나, A. 보로프스키, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff.신고전주의 토베르뤼츠이것은 낭만주의의 표현 중 하나입니다. 그들의 창조물은 불멸의 이상에 묻혀 잔인하게 굴러가는 사람, 세계, 귀족을 강조하는 것 같습니다. . 예술가 자신이 작품의 주인공이 됩니다. 스타일 뒤에는 O. Toberluts의 창의성은 포스트 모더니즘 스타일을 통과하는 신고전주의, 고대 사원, 르네상스 인테리어, 네덜란드의 밀레니엄 및 디자이너 K. Honch Rova의 의상을 현재의 터치로 묘사하는 절충주의 세계로 식별될 수 있습니다. 컴퓨터 그래픽의 무한한 가능성은 O. Tobreluts의 로봇에 환상적이고 초자연적인 품질을 부여합니다. 컴퓨터 기술에 대한 추가 도움이 필요한 경우 E. 셰프그것은 고대 그리스, 그다음 고대 로마로 바뀌어 콜라주로 고대 신화의 이미지를 만듭니다. 시리즈에서 "루드비히의 신화"작가는 그리스 조각품과 건축 포자를 사진으로 찍어 고대의 효과를 불어넣었습니다. 컴퓨터 기술의 도움으로 예술가는 숨막히는 투어를 통해 콜로세움의 원래 상태를 복원합니다. 디지털 페인팅 슈토바그것은 당신의 수치적 손실과 감정적으로 동일합니다. 여기에서는 그리스 고전, 민족지학적 그림, 청소년 하위문화 요소를 찾을 수 있습니다. 그러므로 20세기 말은 러시아의 정치, 경제 생활뿐만 아니라 역사에서도 전환점이 되었다고 결론 내릴 수 있다. 1990년대에는 '신러시아 신고전주의'라는 이미지 창조 신비주의에 강력한 지침이 놓여졌다. 러시아의 컴퓨터 기술 발전은 예술가의 창의적 잠재력을 확대했으며, 새로운 기술을 사용하여 새로운 예술가가 고전 작품을 창조했습니다. Golovne은 기술이나 기술이 아니라 미학에 관한 것입니다. 클래식 mozhe buti suchasne mystetstvo. 2. 21세기 초 러시아의 미스터리. 20~21세기 전환기 창작예술의 특징은 시장경제의 결과가 아닌 권력의 유입으로 인한 검열탄압의 결과가 되었다는 점이다. 최근 전문 예술가들에게는 일련의 사회적 보장이 제공되고, 그들의 그림은 국립 전시회와 갤러리에서 구입되었으며, 이제 그들은 자신의 자원 없이도 보험금을 지불할 수 있습니다. 그러나 러시아 그림은 사라지지 않았고 신흥 유럽 및 미국 신비주의와 유사한 것으로 변형되지 않았으며 러시아 전통을 기반으로 계속 발전하고 있습니다. 일상의 신비주의는 현대 신비주의 갤러리, 개인 수집가, 상업 기업, 국립 미술 단체, 현대 신비주의 박물관, 미술 스튜디오 또는 예술가가 운영하는 공간의 예술가에 의해 전시됩니다. 오늘날의 예술가들은 보조금, 상, 상품 등의 재정적 지원을 받을 뿐만 아니라 작품 판매를 통해 수익도 얻습니다. 그렇게 느끼는 사람에게는 러시아어 연습이 점점 더 어려워지고 있습니다. 일상의 신비로움을 보여주는 박물관, 비엔날레, 축제 및 박람회는 점차 자본 조달, 관광 사업 투자 및 정부 정책의 일부를 위한 도구가 되고 있습니다. 개인 수집가들은 이미 일상 신비주의 전체 시스템에 쏟아져 나오고 있습니다. 러시아에는 상트페테르부르크 근처에 매일 신비주의의 가장 큰 컬렉션 중 하나인 매일 신비주의 독립 박물관인 에라르타(Erarta)가 있습니다. 현실의 신비로움을 향한 방향: 화려하지도 않고 미스터리하지도 않은- 현대의 신비로움을 그대로 담아내며 외형과 연극성을 돋보이게 한다. 그러한 신비주의의 예는 2000년 매니페스타 전시회에서 폴란드 예술가 Pavel Althamer Script Outline의 공연입니다. 러시아에는 눈에 띄지 않는 신비주의의 고유한 버전이 있습니다. 아나톨리 오스몰롭스키 거리 예술(영어) 거리 미술- 거리 신비주의) - 비유적 신비주의, 그 중요성은 도시 스타일의 가장 밝은 표현입니다. 거리 예술의 주요 부분은 흑연(일명 스프레이 아트)이지만, 거리 예술이 흑연이 아니라는 것은 이해가 불가능합니다. 거리 예술에는 포스터(비상업적), 스텐실, 다양한 조각 설치물 등도 포함됩니다. 거리 예술에서는 피부의 디테일, 결, 음영, 색상, 선이 중요합니다. 작가는 자신만의 스타일화된 로고, 즉 농경지 풍경에 이를 묘사하는 "독특한 표시"를 만듭니다. 거리예술에서 가장 중요한 것은 영역을 전유하는 것이 아니라 관객이 대화에 참여하고 색다른 플롯 프로그램을 보여주도록 하는 것이다. 향후 10년은 거리예술이 취하는 다양한 방향을 의미한다. 젊은 작가들은 기성세대에게 눈물을 흘리면서 강력한 스타일을 개발하는 것의 중요성을 이해합니다. 이것은 미래의 많은 날의 폐허로 넘겨질 새로운 시설의 순서입니다. 새롭고 다양한 형태의 거리 예술은 곧 이전에 만들어졌던 모든 것을 그 범위에서 뒤집어 놓을 것입니다. 항공학 -이미지 창작 예술의 페인팅 기법 중 하나는 비코리 에어브러시를 압축 공기를 사용하여 표면에 희귀하거나 분말 형태의 매자나무를 바르는 도구로 사용하는 것입니다. Farbe의 다른 스프레이 캔을 사용할 수도 있습니다. 에어브러싱의 광범위한 확장과 다양한 직물 및 창고의 출현과 관련하여 에어브러싱은 공급망에 새로운 발전을 가져왔습니다. 에어 브러싱은 그림 만들기, 사진 수정, 박제, 모델링, 직물 페인팅, 벽화, 바디 아트, 손톱 페인팅, 기념품 및 장난감 페인팅, 요리 페인팅에 사용할 수 있습니다. 자동차, 오토바이, 기타 장비, 인쇄, 디자인 등에 작은 세부 사항을 적용하는 데 자주 사용됩니다. 담긴 이미지의 사실성, 표면의 이상적인 부드러움을 위한 거친 질감의 모방.
이것들은 신학생들을 바쁘게 만드는 것들입니다;
주제 1. 신비 과학의 기본 개념과 신비 지식의 역사.
급송:
1. 미스터리의 유형을 분류하는 문제.
2. "tvir mystetstva"의 개념. Viniknennya 및 zavdannya 예술적 창작. 트비르(Tvir)와 신비주의.
3. 본질, 목표, 신비.
4. 기능과 감각의 신비.
5. "스타일"을 이해하십시오. 예술적 스타일과 시간.
6. 신비의 분류.
7. 죄의 역사와 신비과학의 형성.
토론을 위한 식사:
1. 신비주의의 의미 5를 보십시오. 피부와 그들 사이의 공통점은 무엇입니까? 어떤 목적을 찾고 있나요? 궁극적인 임무를 공식화할 수 있나요?
2. 신비주의의 목적은 무엇입니까?
3. 신비주의의 가치를 어떻게 판단할 수 있습니까? '신비한 창의성'과 '예술적 창의성'을 어떻게 표현할까요? 예술적 창작 과정을 설명합니다(I. Ten). 예술적 창작의 보물(P.P. Gnedich 뒤)을 소유한 사람은 누구입니까?
4. 미스틱의 4가지 주요 기능(IP Nikitina 기준)을 재창조하고
신비감에 대한 가능한 이유.
5. "스타일"에 대한 상당한 감각. 유럽 신비주의에서 어떤 스타일을 인식합니까? "예술적 스타일", "예술적 공간"이란 무엇입니까?
6. 마음 바꿔서 나한테 줘 간단한 설명미스터리의 종류: 공간, 시간-시간, 공간-시간, 종의 미스터리.
7. 신비주의 역사를 연구하는 주제는 무엇입니까?
8. 문화사 연구에 있어 박물관, 전시관, 갤러리, 도서관의 역할이 무엇이라고 생각하시나요?
9. 신비주의에 대한 고대 사상의 특성: 신비주의에 관한 문헌의 첫 번째 이미지에 대한 저장된 정보(Polycletus의 "Canons", Duris의 논문, Xenocrates). 신비주의에 관한 문헌에서 직접 가져온 "지형학적": Pausanias의 "Description of Hellas". Lucian의 예술 작품에 대한 설명입니다. "조화와 수"의 법칙에 따라 배열된 엄격한 전체로서의 "공간"에 대한 피타고라스의 개념은 건축 이론의 시작에도 중요합니다. 건축과 장소의 질서와 비율에 대한 아이디어. 플라톤(그의 책 "법률", 대화 "Critius")과 아리스토텔레스(그의 책 "정치")의 작품에서 이상적인 장소의 이미지. 고대 로마의 심오한 미스터리. 고대 신화의 역사에 대한 정보의 주요 출처인 대플리니우스(1세기)의 "자연사". 비트루비우스 논문: 고전 건축 이론의 체계적 제시
10. 중세 고대 전통의 비중과 신비주의에 대한 중세의 특징: 중세의 미학적 견해(어거스틴, 호마 아퀴나스), 분명한 미적 사상: 신은 미의 몸이다(아우구스티누스) 그리고 이것들 예술 이론과 실천에 대한 함의이다. 아이디어는 '프로토타입'이다. 신비주의에 관한 중세 문학의 특징. 실용적-기술적 레시피 기반 참고서: Dionysius Furnagrafiot의 Aphaon산의 "The Art of Painters", Heracles의 "On the Farbis and Mysteries of the Romans", Theophilus의 "Schedula"(Schedula – Disciples). 연대기와 성도들의 삶에 나오는 건축 기념물에 대한 설명.
11. 르네상스는 유럽 신비주의와 신비과학 발전사의 전환점이다. 고대에 새로 세워졌습니다(고대 기념물의 빈티지). 세속적 세계관의 발전과 실험과학의 옹호. 신비주의 발현에 대한 역사적, 비판적 해석 경향의 형성: 로렌조 기베르티의 "해설" 특별한 음식에 대한 논문 - 삶의 장소(Filarete), 건축의 비율(Francesco di Giorgio), 회화의 관점(P'ero) 프란체스카에게 물어보세요) 신비주의 발전의 르네상스 전환점에 대한 이론적 이해와 Leon Baptiste Alberti의 논문에서 고대 퇴폐의 인본주의적 변형에 대한 증거(“동상에 대하여”, 1435, “회화에 관하여”, 1435-36, “건축에 관하여”) ”), Leonardo da Vinci (“트럭”), publ. 사후), Albrecht Dürer(“사람의 비율에 관한 네 권의 책”, 1528). Leon Baptiste Alberta의 "건축에 관한 10권의 책"(1485)에서 비트루비우스의 건축 이론에 대한 비판. 비트루비안 "용맹 아카데미"와 그 활동은 비트루비안 작품의 해석과 번역을 기반으로 합니다. Giacomo i Vignoli의 논문 "건축의 다섯 가지 질서의 규칙"(1562). 안드레아 팔라디오(Andrea Palladio)의 “건축에 관한 몇 권의 책”(1570)은 르네상스 시대 건축사의 고전적인 에필로그입니다. 바로크와 고전주의의 건축 사상 발전에서 팔라디오의 역할. 팔라디아니즘과 팔라디아니즘.
12. 새로운 시간의 역사적 신비주의 형성의 주요 단계 : Vasari에서 Winckelmann까지 : "가장 저명한 화가, 조각가 및 건축가의 삶"Giorgio Vasari (1550, 1568) 형성 역사의 한 단계 신비과학의. 네덜란드 회화의 재료를 바탕으로 바사리의 삶을 이어가는 카렐 반 만더(Karel Van Mander)의 "예술가에 관한 책"입니다.
13. 신비주의의 스타일 창조 문제, 예술적 방법, 결혼에서 예술가의 위치와 역할에 관한 18세기 사상가: 신비주의의 합리주의. Nicolas Poussin의 고전 이론. 고전주의에 대한 이론적 프로그램은 Nicolas Boileau(1674)의 “Poetical Mystique”와 A. Feliben(1666-1688)의 “Conversations about the Most Famous Painters, Old and New Painters”에 있습니다.
14. 계몽주의 시대(18세기)와 신비주의의 이론적, 방법론적 문제. 세계적 신비주의 이론의 틀 내에서 국립 학교의 형성. 프랑스 미술비평의 발전. 프랑스 예술 생활에서 살롱의 역할. 창의적인 예술에 관한 비평 문학의 선도적인 형태로 살롱을 살펴보세요. 예술비평(창의성 및 대중인식 평가)에 관한 분쟁입니다. 독일 신비주의의 특징 Gotthold Ephraim Lessing의 이미지 창조 신비주의 이론을 소개합니다. 논문 "Laocoon"(1766)은 회화와 시 사이의 문제입니다. '세련된 신비주의'(아름다움에서 진리로 강조점을 옮겨 신비주의의 이미지 창조-현실적 기능을 본 것) 대신에 '이미지 창조 신비주의'라는 개념이 도입되었다. 신비주의에 관한 역사과학의 발전을 위한 요한 요아힘 빙켈만의 활동의 중요성. Winckelmann의 고대 신비주의 개념과 그 발전의 시대화.
15. 사악한 사고 신비주의의 유출. 러시아 중세 연대기 및 서간서에 등장하는 예술가와 예술 기념물에 대한 뉴스입니다. 16세기 서스펜스 정치 생활의 신비주의를 다루었습니다. (1551 년 수백 협의회 및 기타 협의회) 비판적 사고의 각성과 다양한 이념적 경향에 대한 투쟁의 증거로.
16. 17세기 러시아 신비주의의 급진적인 전환점: 세속적 관점의 시작과 유럽 형태의 예술 문화에 대한 최초의 지식 형성. 예술적, 이론적 사고의 형성. Avakum의 “Life”에 있는 “Iconic Writing에 대하여” 장. Yosip Volodimirov (1665-1666)의 "신비주의에 관한 Tir"와 Simon Ushakov (1666-1667)의 "The Word to the Relic Icon Painting"은 신비주의 이론에 관한 러시아 최초의 작품입니다.
17. 18세기 새로운 세속적 문화 형태의 활발한 형성. 노트
J. von Stahlina는 러시아 신비주의의 역사를 창조하려는 첫 번째 시도입니다.
18. K.M.의 비평 기사에 담긴 새로운 낭만적인 지혜 Batyushkova, N.I. 그네디히, V. Kuchelbecker, V.F. 오도옙스키, D.V. 베네비티노바, N.V. 고골.
19. 19~20세기 말의 신비과학: 정규 학파의 업적을 비평가의 개념인 '구조 과학'과 종합해 보세요. 예술적 스타일. 신비과학에 대한 기호학적 접근. 로봇을 이용한 이미지 창작 예술 창작에 대한 기호학적 연구의 특징 Yu.M. 로트만, S.M. 다니엘, B.A. Uspensky. 현대 과학의 미스터리를 조사하는 방법의 다양성. 예술 작품 분석의 원칙과 M. Alpatov의 조상들 사이의 신비주의 역사 조사에 대한 문제적 접근 방식(“고대 그리스 신비주의의 예술적 문제”, “이탈리아 르네상스의 예술적 문제”). Lazarev의 방법론적 접근 방식(형식적 문체, 도상학, 도상학, 사회학)의 종합. D. Sarabyanov의 작품에 대한 역사-역사 조사 방법(“유럽 학교 중 19세기 러시아 그림. 역사 조사의 증거”). 숙달과 전문성에 대한 체계적인 접근.
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8. 얀손 H.V. 신비주의 역사의 기본. -M .: Mistetstvo, 2001.
주제 2. 고대 세계의 신비. 최초의 공동 조화 시대와 고대의 신비.
급송:
1. 첫 번째 결혼의 신비주의 시대 구분. 도비의 주요 신비주의의 특징: 구석기 시대, 중석기 시대, 신석기 시대, 청동기 시대.
2. 일차 신비주의의 혼합주의 개념과 그 적용.
3. 고대의 신비에 담긴 숨겨진 법칙과 원리.
4. 고대 메소포타미아의 신비.
5. 고대 수메르인의 신비.
6. 고대 바빌로니아와 아시리아의 신비.
토론을 위한 식사:
1. 일차 신비주의의 주기화에 대해 간략하게 설명하십시오. 피부기간의 특징은 무엇인가요?
2. 일차 신비주의의 주요 위험인 혼합주의, 물신주의, 애니미즘, 토템주의를 설명하십시오.
3. 고대(이집트와 메소포타미아)의 예술적 창의성에서 묘사된 사람들의 표준을 따르십시오.
4. 고대 메소포타미아의 이미지 생성 신비의 특징은 무엇입니까?
5. 특정 기념물을 사용하여 메소포타미아의 건축물에 대해 이야기해 보세요.
우르의 Zikkurta Etemenniguru와 New Babylon의 Zikkurat Etemenanka.
6. 프로세스 도로의 벽, 이슈타르 문, 아슈르나시르팔 궁전의 부조 등 특정 기념물을 사용하여 메소포타미아 조각에 대해 이야기합니다.
7.메소포타미아의 조각 부조 이미지의 주제는 무엇입니까?
8. 최초의 바빌로니아 건축 기념물은 무엇이라고 불렸습니까? 야크 불로 voyх
인식?
9. 수메르-아카디아 문화의 우주 발생론의 특징은 무엇입니까?
10. 수메르-아카드 문명의 업적을 재해석한다.
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20세기: 아방가르드에서 포스트모더니즘까지." title="러시아 회화 20 세기: 아방가르드에서 포스트모더니즘까지.">!}!}
20세기는 충격의 시대, 시대의 신성한 전환기입니다. 연필 한 획을 없애는 것은 불가능할 것 같지만... 예전처럼 회화는 유행이 되어 폐업하게 되었다.
한 세기의 시작은 새로운 형태와 아이디어를 찾는 것입니다. 아방가르드, 슈퍼 모더니즘, 추상주의, 사회주의 리얼리즘이 등장하고 발전하고 등장합니다. 실내보다 먼저 자연이 들어오고, 정물이 야외로 나간다. 20
한 세기는 Boris Kustodiev, Kazimir Malevich, Kostyantin Yuon, Fyodor Reshetnikov의 한 시간입니다.
러시아 아방가르드, 오제(Ozhe). 속이 완성되었습니다.
'아방가르드'라는 용어 자체는 과거와의 모든 관계를 끊는 진보된 혁신을 의미합니다. 러시아 아방가르드 20
vitsi – 이것은 예술적 신비주의의 급진적인 흐름을 강화하는 것입니다. 미래주의, 모더니즘, 새로운 예술, 추상주의, 구성주의, 슈퍼마티즘 등 다양한 방향에서 다양한 이름이 있습니다. 신비주의의 반란은 1차 러시아 혁명 이후 시작되었고, 국경은 혁명 이전에 흔들렸습니다. 1914
- 점진적인 발전과 성숙 - 혁명 후 10년 이상.
러시아 아방가르드는 다음과 같은 쌀을 먹습니다.
· 과거 문화계의 비드모바(vidmova) 추기경인 포브나;
· 두 가지 원칙의 결합: 파멸과 창조자. 침략, 혁명, 예술적 가치에 대한 오래된 개념의 파괴, 세계, 사람 및 끓어오르는 창조적 에너지의 묘사에 대한 새로운 것의 파괴는 그림뿐만 아니라 삶의 모든 영역에서 만들어집니다.
아방가르드에 관해 이야기할 때 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)를 기억하는 것이 가장 좋습니다. 당신의 창의력이 발휘됩니다 20
한 세기는 러시아, 독일의 현대성과 러시아의 인기 있는 인쇄물(“Stroke of Life”, “Song of the Volga”)을 기념하는 오래된 것입니다. 군사적, 혁명적 암석을 사용하여 칸딘스키는 다양한 스타일의 그림을 만듭니다. 조금 후에 - "White Oval"(1920) - 타원이 심장과 멀리 떨어져 있고 모든 것이 보이는 추상 인물이있는 상징적 추상 캔버스입니다. 완전히 현실적인 로케일을 작성하십시오 - 모스크바. Zubivska Square"(1916)와 현실과는 거리가 먼 풍경- "Moscow. 체르보나 광장'(1916).
아방가르드 흐름 중에서 이론가 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)의 매우 중요한 대표자의 슈퍼마티즘을 볼 수 있습니다. 슈퍼마티즘은 무슨 뜻인가요? 유명한 말레비치(Malevich)에서 슈퍼마티즘은 신비주의, 비객관성, 예술가의 독창성의 마지막 단계이다. 그리고 이 용어는 기하학적 추상화(흰 진딧물의 "검은 십자가", "검은 사각형")가 있는 캔버스와 관련하여 확고히 정체되었습니다. 그래서 작가는 인간 형상의 그림과 같이 초월주의와 특정 형태를 지정했지만 그러한 그림에 이름이 지정되었습니다.
혁명이 일어났습니다. 아방가르드주의는 일몰 전의 충격과 도래, 그리고 러시아 회화에서 살아남았습니다. 20
백년 전에 새로운 무대가 시작되었습니다. 직장생활에서는 이미지창조 신비주의의 새로운 미학이 확립되어야 한다. 이 스타일은 새로운 시대의 이름, 즉 사회주의 리얼리즘을 반영하는 이름을 가지고 있습니다. 와인은 예술가들 사이가 아니라 정치인들 사이에 있습니다.
당이 요구한 '진실한 행동 묘사'는 학문적 회화의 전통을 지향하는 데 거의 도움이 되지 않았습니다. Mav svoi risi 스타일:
· 혁명투사, 지도자, 위인, 인민대중을 따르는 영웅적 영웅적 행위.
· 사실주의는 혁명사의 특정 주제와 정확히 일치하는 주제를 캔버스에 창조해야 할 필요성을 수용합니다.
· 영웅 – 노동자와 마을 주민;
· 작가의 진실은 없습니다. 당의 진실은 없으며, 밝은 미래까지 강화, 혁명, 투쟁, 사람들의 죽음에 대한 책임은 예술가입니다.
그러나 사회적 현실주의가 시대적 요구에 부응하지 못했다는 것을 확인하는 것은 불가능하다. 그래서 통제, 이데올로기적, 경제적 압력, 정치적, 문화적 캠페인이 있었습니다. 아방가르드가 전체주의적 지배에 맞서 입장을 유지한다는 것은 어려운 일이다. 관음자의 창고와 예술가의 창고가 모두 바뀌었다. 산업화의 결과로 접는 공장은 많은 노력을 기울였습니다. 그리고 그들은 신비주의에서 유래할 수 있는데, 이는 단순한 사람이 부자로 돈을 벌 수 있고 그는 그 시대의 영웅이라는 것을 보여주었습니다.
따라서 사회주의 리얼리즘에는 두 가지 주요 경향이 있었습니다. 첫 번째 의미는 과장, 참조 - 대규모 역사적 사건, 영웅, 지도자 - 새로운 권력의 첫 번째 개인이었습니다. 타자의 중심은 평범한 사람의 일상이다.
"Vidliga"는 그림에 변화를 가져왔습니다. "생명"봄의 신화 적 성격은 사람의 성장, 어린 시절과 청소년기로 옮겨집니다. 아아, 청춘은 이제 육체적인 힘의 아름다움도 아니고, 망가진 운동선수들에게 노출되는 싸움의 운명에 대한 자부심도 아니다. 이들은 어린 아이들과 아이들이며 창문을 햇빛에 엽니 다.
"인생"은 끝났고 러시아 그림은 "수보 리안 스타일"을 갖게되었습니다. 그것은 '비드리가(vidliga)'의 예술적 신비주의와도 비슷하고, 과거 예술계에서 '넌센스'로 여겨졌던 초기 사회 리얼리즘과도 비슷하다.
· "Suvory 스타일" - 유치한 비투명함을 위한 여지가 없는 환상을 제거하고 무자비하게 사실입니다. 그림에서 태양과 자연이 생겨났고 로봇 없이는 삶이 기쁨을 용서할 곳이 없습니다.
· 이 스타일의 영웅주의는 사람의 신체적 측면과 멋진 포즈가 아닙니다. 이것은 내부 긴장입니다. zusillya, 무엇을 보더라도 너무 침착하고 물러나야합니다. 신체의 힘은 의지의 힘으로 대체됩니다 (V.I. Popkov의 "Bodyvelniki Bratska", A. Smolin 및 P. Smolin의 "Polar Explorers", "Animal Fighters").
· 누가 영웅이 되나요? 20
백? 나이도, 지위도, 외모도 없는 사람은 사회 발전에 대한 욕구가 없고, 삶은 사적인 것과 공적인 것으로 나눌 수 없습니다. “맨땅 위의” 모든 사람들은 세상에 있으며, 아직 해본 적은 없지만 해낼 수도 있습니다.
· Pratsia는 기쁨도, 낭비도, 창조의 필요성도 아닙니다. 이것이 바로 자신의 본성을 따르고 뿌리내리고 질서를 잡는 것입니다. 영웅은 전사가 아니다. 새로운 세계, 그리고 naftov 노동자와 지질 학자, budіvelniki 조정.
원이 닫히고 세기 말까지 러시아 그림 20
100인치 90-
그 운명은 새로운 모더니티, 즉 포스트모더니즘으로 바뀌고 있습니다. 그림은 사진이 됩니다. 사본과 원본 사이에는 사실상 차이가 없습니다. 동시에 그것은 도식적이고 만화적이다. 스타일의 발전은 여전히 고민거리이고 첫 번째 계획에서 어떤 형태가 나올지 말하기에는 너무 이르다.
19세기 초는 1812년의 위대한 애국 전쟁과 1825년 데카브리스트 봉기로 이어진 반위기 운동으로 인해 야기된 서스펜스 시대와 관련이 있습니다.
이 시기 예술 문화 분야에서는 방향이 끊임없이 바뀌었습니다. 고전주의자리를 양보하다 낭만주의, 그리고 발전의 길에 있는 낭만주의는 그것이 가지고 있는 것과 밀접하게 일치합니다 실재론신비주의에서. 사실, 이것은 주로 나타났습니다 그림에서. 18세기 예술가들이 개인의 독특함과 특별함을 전달하는 현실주의를 포기한 것처럼, 19세기에는 삶에서 소중하고 소중하게 여기는 것들을 묘사하기 시작했습니다.
19세기 후반 유럽 대부분의 국가에서는 이미 자본주의가 확립되었고, 러시아는 여전히 봉건-농노 체제의 붕괴로 고통받고 있었습니다. 그러나 유럽과 러시아 모두에서 이 기간은 바쁜 결혼 생활의 증가가 특징입니다. 유럽에서는 우리보다 앞서 있습니다. 프랑스 대혁명동일한 상속, 그리고 러시아에서는 성장하고 있습니다. 범죄에 맞서 싸우다특히 Decembrist 봉기가 실패한 이후.
이 시대에는 벽과 같은 고전주의가 있습니다. 미스터리 아카데미, 그 진보적인 중요성을 획득한 후 1829년에 아카데미는 황실에 종속되었습니다. 정부 공식 견해 지휘자. 신비주의자로서의 자신의 위치를 인식하기 시작한 아카데미의 교수들은 낭만주의와 관련된 기술의 최첨단을 익히려고 노력했습니다. 이처럼 이상을 창조하는 학문적 낭만주의 방식은 일상의 현실과는 동떨어진 아름다움을 선사한다.
19세기 전반의 학문적 신비주의와 대조적으로 러시아에서는 또 다른 신비주의가 형성되기 시작했습니다. 비판적인 실재론. 예술가들은 복음 이야기의 지적인 형태를 탐구하지 않고 공개적으로 일상적인 결혼 생활의 해악을 폭로하기 시작했습니다. 러시아 비판적 현실주의의 창시자는 그림을 통해 당연히 존경받습니다. 파블로 페도토프.
러시아의 19세기 후반은 더 나은 삶을 위한 자유 투쟁의 새로운 시대로 특징지어졌습니다. Kerivna 마을에는 방대한 러시아 인구의 지식인 정착지가 있습니다. 고난은 끊어졌지만 누구에게나 삶은 더 이상 쉽지 않았습니다.
이 기간 동안 사람들의 영적 발전에 큰 영향을 미치는 신비주의, 창의성, 회화의 중요성이 높아졌습니다. 예를 들어, 19세기 전반에 그들은 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교, 이는 이제 민주적 방식의 지침으로서 결혼 생활에서 큰 역할을 하기 시작했습니다. 톱 교육에 기초한 베네치아의 뿌리 교육 시스템이 바로 여기에 뿌리를 내렸습니다. 많은 삶. 학교가 수도의 외곽이자 사람들의 생활이 밀집된 곳에 있다는 점도 그 역할을 했다. 생물학과 졸업생 중 가장 눈에 띄는 사람 V.G.Perov
후반부의 미스터리는 높은 이상주의와 대다수의 아픈 사람들에 대한 강한 중독성, 그리고 대중적인 성격이 특징이다. 사람들에게 봉사하는 것은 러시아 최고의 예술가들의 주요 목표 중 하나가되었습니다. 첫째, 노동자들의 러시아 삶의 신비의 역사가 민주주의 예술가들의 작품의 주요 주제가되었습니다. 사람들은 측면이 아닌 중앙에 묘사됩니다. 인민의 수호자가 된 예술가들은 인민에게서 나온 억압, 생명의 중요성, 불법에 대해 이야기하기 시작했습니다. 이러한 사회적으로 비판적인 감정은 과학 아카데미 수업에 침투했습니다. 1861 졸업생 V. 야코비비코나브 캔버스 "체포 정지". 그리고 1864년 운명은 대성공, 작은 그림 K. 플라비츠키 "타라카노바 공주""는 Elizabeth Petrivna의 딸이 존경했던 Peter and Paul Fort의 비밀 금고에 헌정되었습니다.
타라카노바 공주(1864)
러시아 일상 생활의 모든 변화에 동요하지 않은 상트 페테르부르크 미스터리 아카데미는 계속해서 삶과 추상적 학문적 신비주의를 훨씬 뛰어 넘었습니다. 이전과 마찬가지로 회화는 높은 평가를 받았습니다. 역사적인 그림신화적이고 종교적인 주제에 중요합니다. 그 결과, 아카데미의 확립된 원칙을 감히 따르지 않는 선진 예술가들은 비평가들 사이에서 발전한 낡은 출판 시스템과 충돌하게 되었습니다. "14일의 폭동"예술가. 예술가 Kramskoy의 존경을 받는 졸업생들은 주어진 신화적 주제에 대한 졸업장 작업을 완료하도록 영감을 받았습니다. 악취는 선택의 자유를 빼앗았습니다. 아카데미의 라다는 졸업생들에게 그들이 떠났다고 경고했고, 그들은 졸업장을 포기하고 항의하여 아카데미를 떠났습니다.
1863년 11월 9일 아카데미를 떠난 후 개신교인들은 록밴드를 조직했다. 예술가의 예술.이 노력의 시작자는 Ivan Mikolayovich Kramskoy였습니다. 아르텔 회원들은 아파트를 빌려 정착했다. 규칙은 Kramskoy의 분대가 주도했습니다. Nezabar Artel은 새로운 시대를 창조했습니다. 그들은 자주 불려졌다 "크람스키 아카데미". 목요일 저녁에는 화가와 작가들이 포병 작업장에 모였습니다. 이날 저녁에는 정치, 결혼 생활, 신비주의의 풍부한 영양에 대해 논의했습니다. 이 모든 것은 예술적 청소년 육성, 예술적 힘 배양에서 영감을 받았습니다.
아르텔은 약 7년 동안 생겨났고 1870년에 해체되었습니다. Artel은 새로운 지역 조합으로 대체되었습니다. 미술전시재전시협회.
19세기 신비주의는 매우 중요한 위치를 차지하고 있다. P. M. Tretyakov의 활동,그는 고대부터 러시아 회화와 조각품을 수집하기 시작하며 진정한 러시아 시민임을 밝혔습니다. 그는 그림에 모든 돈을 썼고 종종 재능이 부족한 예술가들의 죄를 지원했습니다.
19세기 후반 러시아 회화의 선도적 영역으로 자리잡다 포보토 장르.예전처럼 나는 리더십을 잃었다. 마을 테마. Peredvizhniki는 사람들의 삶을 묘사하여 러시아 결혼의 고귀한 진영과 억압받는 진영 사이의 사회적 갈등을 보여줍니다. 회화의 창의적인 전통은 계속되었습니다. 좋은 자리를 차지하고 있어요 유치한 테마.
19 세기 후반에 러시아의 이미지 창조 신비주의는 신화적이고 종교적인 주제가 실제 역사적 장면의 묘사로 바뀌기 시작하면서 개혁을 겪었습니다. 이 개혁의 싹은 러시아 예술가 Ge N.N.
19세기 후반 러시아의 풍경에서는 민족적 정체성 확립을 위한 치열한 투쟁이 벌어지고 있었다. 훌륭한 예술가 Savrasov, Shishkin, Levitan 등은 "이상화 된", "부드러운", 먼 삶의 전통, 가장 중요한 것은 이탈리아와 프랑스, 학문적 풍경을 깨고 고국의 본질을 묘사하는 데 관심을 기울이고 있습니다. Chernishevsky의 "인생은 아름답다"라는 확언은 풍경화 대가들 사이에서 뜨거운 반응을 얻었습니다. 그녀의 일상적이고 자연스러운 이미지로 자연을 표현한 순회 예술가들은 그녀의 폭넓은 시와 아름다움을 보여주었습니다.
20 세기 후반 러시아 회화에는 특히 밝고 열심히 일하고 재능있는 화가, 역사 회화의 대가가 많이있었습니다. 이것이 바로 I입니다. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.
19세기에서 20세기 사이의 러시아 신비주의는 혁명 정신의 정신에 의해 형성되었습니다. 퇴폐적 견해와 비관주의가 창조적 지식인 사이에 스며 들었습니다. 결혼의 미적 가치관이 바뀌었습니다. 그들의 길을 찾기 위해 많은 예술가들의 신비주의가 다양한 예술 조직, 즉 협회에서 연합하기 시작했습니다.
1903년에 부유한 현실주의 예술가 가족이 연합하여 "러시아 예술가 연합"그들은 방랑자들의 전통을 이어가며 진실되고 현실적인 작품을 썼습니다. 이 기간의 훌륭한 예술가는 Serov, Vrubel, Nesterov, Ryabushkin 등이었습니다.
90년대 포퓰리즘 운동의 위기 속에서도 역사학에서 말하는 '19세기 사실주의의 분석적 방법'은 여전히 건재했다. 많은 Peredvizhniki 예술가들은 창의적인 정신으로 인정을 받았으며 중요한 장르 그림의 "다른 주제"에 참여했습니다. Perov의 전통은 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교와 S.V. 이바노프, K.A. 코로빈, V.A. Serov ta in.
복잡한 생명 과정은 이 암석의 신비로운 생명의 다양한 형태를 요약합니다. 회화, 연극, 음악, 건축 등 모든 유형의 예술은 예술적 표현과 높은 전문성의 부활을 상징합니다.
세기 전환기의 예술가들에게는 매우 명확하고 복잡하며 설명이나 명확성없이 일상 생활을 묘사하는 이미지에서 다른 형태의 예술적 창의성 인 Itinerants와는 다른 그림 그리기 방법을 사용하는 것이 일반적입니다. 예술가들은 조화와 아름다움 모두에 근본적으로 이질적인 세상의 조화와 아름다움을 예리하게 찾고 있습니다. 왜 나는 미의식에 영감을 받은 분에게서 나의 사명에 대해 많은 것을 배웠던 것일까요? “앞으로” 이 시간, 결혼 생활의 변화가 일깨워지면서 비인격적인 흐름, 통일, 그룹화, 서로 다른 세계관과 유사성의 혼란이 생겼습니다. 이는 또한 "고전적인" Peredvizhniki 이후에 등장한 전 세대 예술가들의 보편주의를 불러일으켰습니다. V.A.라는 이름은 언급하지 마세요. Serova와 M.A. 브루벨.
"신비주의의 빛" 협회의 예술가들은 고대 유럽 신비주의, 특히 18세기의 대중화에 큰 역할을 했습니다. "Miriskusniki"는 상트페테르부르크에서 가장 큰 예술적 힘을 가져와 잡지에 게재했으며, 그 기반은 "러시아 예술가 연합"이 창설한 모스크바의 예술적 힘의 통합에서 영감을 받았습니다.
야외 회화의 인상주의적 교훈, “드롭 프레이밍” 구성, 광범위한 만화 스타일 – 이는 세기 전환기에 모든 장르에서 이미지 창조 능력 개발이 진화한 결과입니다. "아름다움과 조화"를 추구하면서 Mitzi는 기념비적인 그림과 연극적 풍경에서부터 책 디자인과 장식적이고 살아있는 신비주의에 이르기까지 고도로 정교한 기법과 신비주의 유형을 시도합니다.
세기가 바뀌면서 건축(오랫동안 절충주의가 무너졌던)부터 시작하여 아르누보 스타일이라는 이름을 거부한 그래픽으로 끝나는 모든 플라스틱 신비를 버리는 스타일이 나타났습니다. 현실은 분명하지 않습니다. 현대에는 퇴폐적인 키메라, 허세, 최고 계급이 즐기는 부르주아적 취향, 그리고 스타일의 동일성의 표시도 있습니다. 아르누보 스타일은 건축, 회화, 장식 예술이 종합된 새로운 단계입니다.
이미지를 창조하는 미스터리에서 아르누보는 다음과 같이 드러났습니다. 조각에서-형태의 평면성, 실루엣의 특별한 표현력, 역동적 인 구성; 그림에서-이미지의 상징주의, 우화에 대한 열정.
근대성의 등장은 이동성이라는 개념이 세기 말까지 사라졌다는 것을 의미하지는 않았습니다. 90년대에는 풍속화가 발전했지만, 70~80년대의 '고전적' 운동과는 다르게 발전했다. 이로써 농촌이라는 주제가 새로운 방식으로 드러나고 있다. 농촌 공동체의 분열은 Sergey Oleksiyovich Korovin (1858-1908)의 그림 "On the World"(1893, Tretyakov Gallery)에서 비뚤어진 방식으로 묘사됩니다. Abram Yukhimovich Arkhipov (1862-1930)는 "Washerwomen"(1901, Tretyakov Gallery) 그림에서 중요하고 돌보는 일꾼의 삶의 독창성을 보여주었습니다. 여기에 새로운 아기의 발견, 새로운 감각의 색상과 빛이 있는 멋진 세계가 있습니다.
불일치, "하위 텍스트", 바이러스 세부 사항이 멀리서 발견되어 Sergius Vasilyovich Ivanov (1864-1910) "At the Road"의 더욱 비극적 인 그림을 망치게되었습니다. 이민자의 죽음"(1889, Tretyakov 갤러리). 마치 비명을 지르는 것처럼 씻는 샤프트는 행동을 훨씬 더 극화하고 전경의 이미지 아래에는 몽상가 또는 그 위에 맴돌고있는 여성이 있습니다. Ivanov는 1905년 혁명에 헌정된 작품 중 하나인 "Rozstril"을 담당하고 있습니다. 무심코 웅크린 저금 틀이 아닌 '부분 구성'이라는 인상주의적 기법도 여기에 있다. 부딘키의 줄, 군인의 줄, 시위대의 한 무리, 전경에는 햇빛이 비치는 광장, 총에 맞아 도망가는 구타당한 개의 이미지가 설명되어 있습니다. Ivanov는 선명한 밝은 색상 대비, 물체의 뚜렷한 윤곽선 및 평평한 이미지가 특징입니다. 언어는 yogo lapidary입니다.
19세기 90년대 바위. 자신의 창작물에 주인공인 예술가를 포함시키고, 로봇 작업자로 일하는 것은 신비롭다. 1894 년 r. N.A.의 그림이 안정되고 있습니다. Kasatkina (1859-1930) “Shakhtarka”(Tretyakov 갤러리), 1895 r. - "석탄 광산. 즈미나."
세기가 바뀌면서 Surikov와 유사한 또 다른 발전이 역사적 주제에서 시작됩니다. 예를 들어 Andriy Petrovich Ryabushkin(1861-1904)은 주로 역사 장르 또는 심지어 역사 장르에서 작업합니다. “교회의 17세기 러시아 여성들”(1899, Tretyakov 갤러리), “모스크바 근처의 재미있는 기차. XVII 이야기"(1901, Tretyakov 갤러리), "걷다. (17세기 말 외국 대사관이 모스크바로 출발할 때의 모스크바 사람들)”(1901, 러시아 박물관), “17세기 성일의 모스크바 거리”(1895, 러시아 박물관) 등 에 - 이것은 17세기 모스크바 생활의 일상적인 장면입니다. Ryabushkin은 진저 브레드의 기이함, 다색 및 패턴으로 금세기를 특히 좋아했습니다. 작가는 Surikov의 기념비주의와 역사적 시대에 대한 평가와는 거리가 먼 미묘한 양식화로 이어지는 17 세기의 빛을 자연스럽게 존경합니다. Ryabushkin은 이미지의 평면성, 플라스틱과 선형 리듬의 특별한 조화, 밝은 주요 색상에서 영감을 얻은 색상, 장식 솔루션으로 Ryabushkin의 기호를 제공합니다. Ryabushkin은 예를 들어 "Jolly Train..."에서 지역 색상을 외풍 풍경에 대담하게 도입합니다. 빨간색 vizka, 어두운 아름다움과 눈의 재 위에 크리스마스 가운이 많이 있지만 가장 좋은 색상이 제공됩니다. 미묘한 차이. 풍경은 항상 러시아 자연의 아름다움을 시적으로 전달합니다. 예를 들어 그림 "Chavannya"(판지, 구아슈, 템페라, 1903, 러시아 박물관)에서와 같이 때때로 Ryabushkin의 힘과 아이러니가 묘사된 특정 측면에 존재한다는 것은 사실입니다. 접시를 손에 들고 정면에 앉아 있는 정적인 인물들에게서는 평온함, 지루함, 졸음이 읽혀지며, 마을 생활의 위엄 있는 힘, 이들의 화합이 느껴진다.
Apollinary Mikhailovich Vasnetsov (1856–1933)는 그의 역사적 작품에서 풍경을 더욱 존중합니다. 그가 가장 좋아하는 주제는 17세기 일상의 풍경뿐 아니라 모스크바의 건축물이다. (“Kitay-Misti의 거리. 17세기 초”, 1900, 러시아 러시아 박물관). 그림 “17세기 말 모스크바. Voskresensky Gates의 Svitanka(1900, Tretyakov 갤러리)는 최근 승자로 선정된 Vasnetsov의 풍경을 바탕으로 한 무소르그스키의 오페라 "Khovanshchina"의 오프닝에서 영감을 받은 것일 수 있습니다.
오전. Vasnetsov는 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교 (1901-1918)의 풍경 수업에 기여했습니다. 이론가로서 그는 『미스테리』라는 책을 살펴보았다. 신비주의의 현실적 전통을 옹호한 회화의 본래 신비주의를 이해하기 위한 분석이 필요하다”(M., 1908). Vasnetsov는 또한 "러시아 예술가 연합"의 창립자이기도합니다.
전체적으로 새로운 유형의 그림은 나의 현대 민속 예술 전통의 신비로움에 의해 특별히 마스터되고 번역되었으며, Philip Andriyovich Malyavin(1869-1940)이 창안했습니다. 그는 Afonsky의 청소년 수도원에서 아이콘 화가로 공부했습니다. 그런 다음 Rep 근처의 Academy of Mysteries에서 시작되었습니다. 이러한 '여성'과 '소녀'의 이미지는 건강하고 비포장된 러시아라는 상징적인 의미를 갖습니다. 그의 그림은 항상 표현력이 풍부하며 일반적으로 이젤 작품이지만 예술가의 눈에는 기념비적이고 장식적인 해석이 만들어집니다. "웃음"(1899, 베니스 일일 미스터리 박물관), "회오리바람"(1906, 트레티야코프 갤러리) – 이들은 감염성 있는 노래를 부르며 웃고 있거나 스트리밍되지 않은 채 라운드 댄스를 추는 마을 소녀들의 사실적인 이미지입니다. 다른 종류의 사실주의.이것은 반세기입니다. 그림은 광대하고 스케치적이며 질감이 있는 붓놀림, 곡선 형태, 넓은 깊이가 있으며 일반적으로 그림이 전경에 그려져 캔버스 전체를 덮습니다.
Malyavin은 그의 그림에 자연에 대한 사실적인 충실도를 갖춘 표현적인 장식주의를 추가했습니다.
그 전까지는 고대 러시아'이전의 많은 거장들처럼 미하일로 바실로비치 네스테로프(Mikhailo Vasilovich Nesterov, 1862-1942)가 탄생했고, 러시아의 이미지는 작가의 그림에서 자연과 조화를 이루며 영원히 도시의 전설처럼 이상적이고 매혹적인 세계로 서 있습니다. 키테즈. 가죽나무와 풀잎 앞에 빛 속에 파묻혀 있는 이 자연의 광경은 네스테로프의 혁명 이전 시대의 가장 유명한 작품 중 하나인 "청년 바르톨로메오를 위한 바찬나"(1889-1890)에서 특히 생생하게 표현되었습니다. , Tretyakov 갤러리). 그림의 열린 줄거리는 Ryabushkin과 동일한 양식화 된 그림을 가지고 있지만 영웅의 높은 영성, 깨달음, 세속적 메투쉬나의 이질성을 전달하는 자연의 아름다움에 대한 깊은 서정적 감각을 변함없이 표현합니다.
Radonezky의 Sergius 이미지가 생성되기 전에 Nesterov는 이미 "Christ's Named"(1887, 문화적 기원은 불명), "Pustelnik"(1888, 러시아 국립 박물관, 1888-1889)과 같은 작품을 통해 고대 러시아에 대한 관심을 표명했습니다. , Tretyakov Gallery), 영적인 통찰력으로 사원의 이미지를 만듭니다. 그는 Radonezky의 Sergius 자신에게 여러 작품을 헌정했습니다(“The Youth of St. Sergius,” 1892–1897, Tretyakov Gallery; 삼부작 “The Pracies of St. Sergius,” 1896–1897, Tretyakov Gallery; “Sergius of Radonezky,” " 1891-1899, GR).
M.V. Nesterov는 V.M.과 함께 종교 기념비적 그림에 광범위하게 참여했습니다. Vasnetsov는 키예프 볼로디미르 대성당, Abastumani (조지아)의 독립 수도원, 모스크바 근처의 Martha and Mary 수도원을 그렸습니다. 그림은 항상 오래된 러시아 주제에 전념해 왔습니다(예: 조지아에서는 Alexander Nevsky에게). Nesterov의 벽화에는 특히 풍경, 초상화 및 성인 묘사에 실제적인 특징이 많이 있습니다. 구성의 평면적 해석에 전념한 작가는 플라스틱 리듬의 기발함, 장식, 미묘한 장식에서 거부할 수 없는 현대성의 주입을 보여주었습니다.
테이블의 스타일화와 음영 처리는 이 시간의 특징이며 Nesterov의 이젤 작품의 위대한 세계가 감동을 받았습니다. 이것은 여성의 몫에 헌정된 가장 짧은 캔버스 중 하나인 "The Great Twist"(1898, 러시아 러시아 박물관)에서 볼 수 있습니다. 중앙에는 체르니차의 평평한 위치, "ciornica" 및 "bilitsa"가 평평하게 표시되어 있습니다. 실루엣, 또는 썩어가는 어두운 불꽃으로 강화된 의식 리듬 - 밝은 자작나무와 심지어 검은 얄린카 나무가 있는 인물과 풍경. 그리고 항상 Nesterov와 마찬가지로 이 지역은 주요 역할 중 하나를 수행합니다. “나는 러시아의 풍경을 좋아합니다. 왜냐하면 그것이 훨씬 더 아름답기 때문입니다. 러시아인의 삶과 러시아 영혼의 의미를 더 명확하게 이해할 수 있기 때문입니다.”
오늘날 풍경 장르는 19세기 말에 새로운 방식으로 발전하고 있습니다. 본질적으로 Levitan은 풍경에서 방랑자의 농담을 완성했습니다. 세기의 전환기에 K.A.에게 새로운 말을 하는 것만으로는 충분하지 않습니다. 코로빈, V.A. 세로프와 M.A. 브루벨.
Kostyantin Oleksiyovich Korovin(1861-1939)의 초기 풍경에도 소년다운 문제가 많이 있습니다. 흰색 바탕에 회색, 흰색 바탕에 검정색, 회색 바탕에 회색을 씁니다. Savrasivsky 또는 Levitanian과 같은 "개념적"풍경 (M.M. Allenov의 용어)은 너무 클 수 없습니다.
뛰어난 컬러리스트에게 Cow의 세계는 "farb의 폭동"입니다. 자연의 넉넉한 부여를받은 Korovin은 초상화와 정물화를 모두 찍었지만 가볍게 말하면 풍경에서 가장 좋아하는 장르를 잃었습니다. 그는 신비주의에서 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교 인 Savrasova와 Polenova의 독자들의 현실적인 전통을 가져 왔으며 세상을 보는 새로운 방식으로 다른 목표를 설정했습니다. 일찍부터 en plein air를 그리기 시작한 1883년 합창 소녀의 초상화에서 plein airism의 원리가 독립적으로 발전한 것을 볼 수 있으며, 이는 S. Mamontov가 캔버스에 모은 여러 초상화에 주입되었습니다. Abramtsevo (“U chovny”, Tretyakov 갤러리, 러시아 주립 박물관 T.S. Lyubatovich의 초상화) ін), S. Mamontov의 야외 탐험 (“Winter in Lapland”, Tretyakov Gallery)에 묘사 된 야외 풍경. "Paris Fires"라고 불리는 그의 프랑스 풍경화는 이곳에서 가장 훌륭한 문화를 보여주는 완전히 인상주의적인 시트입니다. 손님, 멋진 장소의 삶에서 나온 미트의 적: 조용한 거리 다른 시간가벼운 매체에서 해체된 보물, 물체, 역동적인 "3차원" 진동 스트로크로 성형됨, 보드나 그릇에 걸려 있는 듯한 착각을 일으키는 스트로크의 흐름, 그 안에 수천 가지의 다양한 증기가 주입됨 바람, - 마네, 피사로, 모네의 풍경을 연상시키는 쌀. Korovin은 그의 풍경에 대한 반짝이는 열정과 낭만적 인 표현으로 변덕스럽고 감정적이며 충동 적이며 연극 적입니다 ( "Paris. Boulevard des Capucines", 1906, Tretyakov Gallery; "Paris at night. Boulevard of Italy". 1908, Tretyakov Gallery). 코로빈은 다른 모든 장르, 특히 초상화와 정물화는 물론 장식 패널, 응용 미술, 연극 미술 등에서 인상주의적 에티켓, 소년 예술, 다양한 예술성에 대한 동일한 아이디어를 보존하고 있습니다. 평생 동안 일해 왔습니다 (Chaliapin의 초상화, 1911 , 국립 러시아 박물관; "Ribi, 와인 및 과일" 1916, Tretyakov 갤러리).
Korovin의 관대 한 그림 선물은 연극 및 장식 그림에서 훌륭하게 나타났습니다. 연극 화가로서 그는 Abramtsevo Theatre (그리고 Mamontov는 그를 연극 예술가로 평가한 최초의 사람은 아니 었습니다), 모스크바 예술 극장, 모스크바 개인 러시아 오페라에서 일했으며 Chaliapin과의 우정이 시작되었습니다. Angelica Ivsky 기업을 위해 평생 동안. 코로빈은 극장에서 예술가의 중요한 역할에 있어 완전한 혁명을 이루었고 그의 바비, “종” 장식으로 관객들에게 큰 감동을 주면서 연극의 풍경과 극장에서 예술가의 중요성을 새로운 차원으로 끌어올렸습니다. 교도소 공연의 본질을 드러낸다.
세기 전환기에 러시아 회화의 가장 위대한 예술가이자 혁신가 중 한 명은 발렌틴 올렉산드로비치 세로프(Valentin Oleksandrovich Serov, 1865-1911)였습니다. 이 "복숭아를 든 소녀"(Verusha Mamontova의 초상화, 1887, Tretyakov 갤러리)와 "태양에 비친 소녀"(Masha Simanovich의 초상화, 1888, Tretyakov 갤러리)는 러시아 회화의 전체 무대입니다. Serov는 러시아 음악 문화의 저명한 인물들(그의 아버지는 작곡가, 그의 어머니는 피아니스트) 사이에서 공부했으며 Repin과 Chistyakov를 시작으로 유럽에서 가장 아름다운 박물관 컬렉션을 본 후 Uviyshov의 경계선 뒤에서 돌아온 후 Abramtsevo 거트의 중간. Abramtsevo에서는 세상에 대한 강력하고 밝고 시적인 시선으로 신비주의에 발전한 Serov의 명성이 시작된 두 개의 초상화가 작성되었습니다. Vira Mamontova는 테이블에 차분한 자세로 앉아 있고 그녀 앞의 흰색 식탁보에는 복숭아가 흩어져 있습니다. 그녀 자신과 모든 물건은 접이식 밝은 색상의 중앙에 표시됩니다. 기숙사 조명은 식탁보, 옷, 벽판, 바닥에 떨어집니다. 한 소녀가 테이블에 앉아 있는 모습으로 묘사됩니다. 이 모든 말의 빛과 유기적으로 통합되어 조화를 이루며 활력 넘치는 전율과 내면의 흐름이 완성됩니다. 야외에서 직접 그린 예술가의 사촌 마샤 시마노비치(Masha Simanovich)의 초상화에서 야외 회화의 더 큰 세계가 드러났습니다. 여기의 색상은 일대일 복잡한 상호 작용으로 주어지며, 악취는 여름날의 분위기를 기적적으로 전달하며, 색상 반사는 나뭇잎 사이를 돌아다니는 졸린 교환의 환상을 만들어냅니다. Serov는 선생님 Repin의 비판적 현실주의에서 "시적 현실주의"(D.V. Sarab'yanov의 용어)로 이동합니다. Vira Mamontova와 Masha Simanovich의 이미지에는 삶의 기쁨, 밝은 삶의 느낌, 밝고 가능한 젊음이 스며 듭니다. 이는 강력한 "낙하의 원리"를 기반으로 한 "가벼운" 인상주의 회화, 역동적이고 자유로운 붓터치로 끈끈한 형태를 통해 접힌 밝은 색상의 중앙의 인상을 만들어냅니다. 인상주의적 인상과는 별개로, Serov는 중간 지점에서 비물질화되는 주제를 결코 무너뜨리지 않으며, 그 구성은 결코 안정성을 잃지 않으며, 대중은 항상 중간에 존재합니다. 게다가 모델의 형식적 특성도 전혀 잃지 않습니다.
Serov는 작가, 예술가, 화가 등 예술적 지식인의 대표자를 자주 그렸습니다 (K. Korovin의 초상화, 1891, Tretyakov 갤러리; Levitan, 1893, Tretyakov 갤러리; Yermolova, 1905, Tretyakov 갤러리). 모든 냄새가 다르고 모든 와인이 개별적으로 깊이 해석되지만 가벼운 지적 복수심과 풍부한 창의적 삶을 가지고 있습니다. 골동품 기둥 또는 오히려 고전적인 조각상은 Yermolova로 대체되며 캔버스의 수직 형식으로 더욱 강조됩니다. 그러나 머리에는 외모가 없습니다. garne, 자랑스럽고 쓰레기와 헛된 모든 것에서 소외되었습니다. 모든 것의 색상은 검은색과 회색, 심지어는 음영이라는 두 가지 색상의 조합에서 나옵니다. 노출이 아닌 순전히 회화적인 방식으로 만들어진 이미지에 대한 이러한 진실은 Yermolov의 특성을 반영했으며, 유선형이면서도 깊이 관통하는 플레이로 20세기 폭풍우가 치는 바위의 젊은이들을 격퇴했습니다.
에르몰로바 정면의 초상화. Ale Serov는 본질적으로 그의 마음의 표현력으로 동일한 장르의 의식 초상화에서 다른 모델을 취함으로써 완전히 다른 캐릭터의 이미지를 만드는 훌륭한 거장입니다. 따라서 Orlovoi 공주의 초상화(1910-1911, 타이밍)에서 활동의 유출(Great Kaplyukh, Vasnadno Dovga Spin, Gostrius Kut Kolina), Rozkoshi Inter'yru에 대한 존경의 Pidcreshena, 단편적으로 Yak Vikhopliyani Kadr에 의해 전송됨 (STILS의 일부), 마스터가 지능적인 귀족의 기괴한 이미지를 만들 수 있도록 허용합니다. 그의 유명한 "Peter I"(1907, Tretyakov Gallery)에도 동일한 기괴함이 있습니다 (그림의 Peter는 단순히 거대합니다). Serov는 무모하게 돌진하는 차르와 궁중의 급속한 흐름을 묘사 할 수 있습니다. 아이러니하지 않은 이미지, 나는 Orlova의 초상화이지만 상징적이며 전체 시대의 의미를 전달합니다. 예술가는 그의 영웅의 독창성에 압도됩니다.
초상화, 지역 풍경, 정물화, 포부토바, 역사화; 유화, 구아슈, 템페라, vugilla – Serov가 작업하지 않은 그림과 그래픽 장르, 그리고 그가 작업하지 않은 재료를 모두 아는 것이 중요합니다.
Serov-Selyansk의 창의성에는 특별한 주제가 있습니다. 사회적 pereperesosti 장르의 마을 사람들의 요고, ale gli 덧 붓 붓 쉼 '아름답게 그런 하모니카는 러시아 사람들의 위대한 아름다움에 내재되어 있던 마을 사람들에게 동기를 부여할 것입니다(“Baba Z 말의 마을에서” , b. 지도에서는 파스텔, GTG). 특히 은진주 유약을 바른 겨울 풍경은 감탄을 자아냅니다.
Serov는 역사적 주제를 자신의 방식으로 완전히 해석했습니다. 엘리자베스와 캐서린 2 세의 포효하는 산책과 함께하는 "로얄 샤워"는 예술가에 의해 아이러니하면서도 변함없이 18 세기의 아름다움을 담은 매우 새로운 시간으로 옮겨졌습니다. 18세기까지 Serov의 관심은 "The Light of Mystery"의 유입과 "러시아 대공, 차르 및 황제의 역사"에 대한 그의 작업에서 비롯되었습니다.
Serov는 현실에 대한 새로운 형태의 예술적 표현을 끊임없이 추구하는 깊이 생각하는 예술가였습니다. 평면성과 증가된 장식성에 대한 아르누보에서 영감을 받은 아이디어는 역사적 구성뿐만 아니라 무용가 Ida Rubinstein의 초상화, "The Stolen of Europe"과 "Odisse" 이전의 스케치에도 나타났습니다. I and Navzikai"(공격 1910) , Tretyakov 갤러리, 판지, 온도). 세로프의 삶이 말년에 고대 세계로 전락한다는 것은 의미심장하다. 고전 정경에 따라 그가 자유롭게 해석한 시적 전설에서 그는 예술가가 자신의 모든 창의력을 바친 조화를 알고 싶어합니다.
Verusha Mamontova의 초상화와 "The Stolen of Europe"이 같은 주인이 썼다는 것을 즉시 믿는 것이 중요합니다. Serov는 80-9 0-ies의 초상화와 풍경의 인상주의적 진정성을 통해 역사적으로 현대화까지 진화했습니다. 고대 신화의 모티프와 구성.
Mikhail Oleksandrovich Vrubel(1856-1910)의 창의적인 길은 더 직접적이었지만 동시에 매우 복잡했습니다. 미스터리 아카데미(1880) 이전에 Vrubel은 상트페테르부르크 대학교 법학부를 졸업했습니다. 1884년 키예프로 가는 길에 우리는 키릴 교회의 프레스코화를 복원하고 수많은 기념비적인 작품을 만들고 있습니다. 볼로디미르 대성당 벽화의 수채화 스케치를 만들 수 있습니다. 스케치는 벽으로 옮겨지지 않았으며 비정규 성과 표현력의 잉크 뒤에 남아 있습니다.
1990년대 예술가가 모스크바에 정착했을 때 Vrubel 시트 스타일의 새로운 비밀과 아마도 악마적인 힘이 나타났습니다. 이는 다른 것과 혼동되지 않습니다. 조각된 색상의 날카로운 "다면체" 조각으로 모자이크처럼 형태를 조각하여 중앙에서 빛나지 않도록 할 수 있습니다(“페르시아 킬림의 진딧물 위의 소녀”, 1886, KMRI; “Fortune Teller”, 1895, 트레티야코프 갤러리). 색상의 사용은 색상의 실제성을 반영하는 것이 아니라 보다 상징적인 의미를 가질 수 있습니다. 자연은 Vrubel에 대한 힘이 없습니다. 그는 자신이 그녀를 기적적으로 이끌 것이라는 것을 알고 있지만, 현실과 거의 닮지 않은 압도적인 환상적인 세계를 만들어낸다. 인상파에 대한 Vrubel의 대척점은 누구의 의미입니까? (그들이 문학에서 자연주의자라고 우연히 언급되지는 않습니다.) 행동에 대한 무관심한 적대감이 결코 고착되어 있지 않기 때문입니다. 영원하고 위대한 영적 힘의 이미지를 창조하려고 추상적 추상화와 같은 문학적 주제를 쓰는 것은 어렵습니다. 따라서 그는 "악마"앞에서 일러스트레이션을 시작한 후 곧 직접 일러스트레이션의 원칙 ( "타마리의 춤", "울지 마세요 아이, 아무것도 울지 마세요", "Tamara in trune"등)에 이르렀습니다. ) 그리고 1890년에 그는 자신의 "악마" "왜 앉아 있는가"를 만들었습니다. 이야기는 본질적으로 줄거리가 없지만 Mephistopheles, Faust, Don Juan의 이미지와 같은 영원한 이미지입니다. 악마의 이미지는 Vrubel의 창의성, 그의 주제의 중심 이미지입니다. U 1899 r. 그는 1902년에 "The Demon, Why Fly"를 썼습니다. - “타락한 악마.” Vrubel의 악마 - 우리의 본질이 우리 앞에서 고통 받고 있습니다. 어떤 사람들에게는 고통이 악보다 우세하며 이것이 이미지에 대한 국가-러시아 해석의 특징입니다. 분명히 언급했듯이 참가자들은 그의 "악마"를 지식인의 몫의 상징으로 믿었습니다. 로맨스는 비현실적인 세계에서 현실의 감소된 조화에서 반항적으로 탈출하고 오히려 돌진하려는 유혹을 받습니다. 거친 행동은 세속적입니다. 이러한 예술적 빛의 비극은 Vrubel의 초상화 특성에도 반영됩니다. 영적 불화, 자화상의 붕괴, 경계심, 아마도 큰 힘, S. Mamontov 초상화의 기념비성(1897, Tretyakov 갤러리), 혼란, Kazk의 불안 이미지 -백조"(1900, Tretyakov 갤러리), 장식 패널 "스페인"(1894, Tretyakov 갤러리) 및 "베니스"(1893, 러시아 박물관)의 아이디어를 기념하기 위해 O.D. Dunker, 일상의 평온함과 비터보이. Vrubel 자신은 "일상 생활에서 위대한 이미지로 영혼을 깨우는 것"이라는 자신의 사명을 공식화했습니다.
이미 산업가이자 자선가인 Sava Mamontov는 Vrubel의 삶에서 큰 역할을 했습니다. Abramtseve는 Vrubel을 Rimsky-Korsakov와 연결했으며 각 예술가의 창의성이 유입되면서 "백조 공주"를 썼고 조각품 "Volkhov", "Mizgirya"등을 그렸습니다. Abramtsevo에서 그는 기념비적이고 이젤 그림을 광범위하게 연구한 후 kaztsi, bilini까지 민속으로 확장하여 "Mikula Selyaninovich", "Bogatyri" 패널을 만들었습니다. Vrubel은 마졸리카에서 도자기, 조각품에 손을 대고 있습니다. 즉, 이교도인 러시아와 그리스, 근수렴과 인도 등 인류의 모든 문화, 와인의 예술적 관행이 침해되지 않은 것입니다. 그리고 그는 자신의 감광성의 모든 독특함을 강조하기 위해 자신이 수집한 감정을 즉시 깊은 상징적 이미지로 변환했습니다.
Vrubel은 수세기에 걸쳐 풍경, 인물, 도서 일러스트레이션 장르에서 최고의 만화 및 그래픽 작품을 만들었습니다. 현실과 환상의 결합, 미묘함에서 장식적이고 리드미컬하게 접힌 솔루션에 이르기까지 캔버스나 시트의 구성 및 장식 평면 처리에서 이 시기의 작품은 점점 더 아르누보로 표현됩니다.
K. Korovin과 마찬가지로 Vrubel도 극장에서 광범위하게 일했습니다. Rimsky-Korsakov의 오페라 "Sniguronka", "Sadko", "The Tale of Tsar Saltan"등이 모스크바 개인 오페라 무대에 등장하기 전 Vikonan의 가장 아름다운 풍경, 그리고 "함께 침을 뱉을 수있는 기회를 준 작품" ” 러시아 포일의 이야기, 이야기, 전설을 사용합니다.
재능의 보편성, 무한한 환상, 고귀한 이상을 긍정하는 극도의 편파성은 Vrubel을 그의 부유 한 동료들로부터 자극합니다.
남들보다 빛나는 브루벨의 창의성은 국경시대의 고대와 고통을 이겨낸다. 브루벨의 장례식 날 베누아는 이렇게 말했습니다. “이제 역사 속으로 내려가는 브루벨의 삶은 예술적인 노력의 꽃다운 형태처럼 놀랍고 한심한 교향곡입니다. 미래 세대는... 19세기의 남은 수십 가지 운명을 마치 '브루벨 시대'처럼 되돌아보게 될 것이다... 우리 시대 자체가 가장 아름답고 미친 방식으로 나타났다.
Vrubel과 함께 우리는 "혁명주의 이데올로기"(P. Sapronov)와 "혁명주의 이데올로기"(P. Sapronov)와 연결되는 러시아 상트 페테르부르크 문화의 남은 기간 인 "Sribnogo Vuk"시대 인 새로운 세기를 맞이하고 있습니다. 문화의 힘은 독재와 권력이 된 지 오래되었습니다." 러시아 철학적, 종교적 사상의 악과 연결되는 한 세기가 시작되면서 시에 대한 엄청난 열정이 있습니다 (Bloka, Bily, Annensky, Gumiliov, Georgiy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsveta Wu, Sologuba를 들 수 있습니다). 연극 및 뮤지컬 극장, 발레; 18세기 러시아 신비주의의 “계시”(로코티브, 레비츠키, 보로비콥스키), 고대 러시아 도상학; 처음부터 페인팅과 그래픽 분야에서 최고의 전문성을 발휘합니다. 혁명적 파국 이전에 러시아에 닥친 비극적 사건 앞에서 '설교 시대'는 무기력했지만, '상아 술이 달린 것들'과 상징주의 시에는 계속해서 존재했다.
Vrubel의 창의성은 신비주의와 문학에 숨겨진 직접적인 상징주의로 거슬러 올라갈 수 있습니다. 비록 모든 위대한 예술가와 마찬가지로 그도 직접적으로 경계를 허물었지만 Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov(1870-1905)는 비주류 상징주의의 직접적인 예이자 외국 러시아의 이미지 창조 신비에 대한 최초의 회고주의자 중 한 명. 당시 비평가들은 그를 “회고주의의 순교자”라고 불렀다. 첫 번째 러시아 혁명 이전에 사망한 보리소프-무사토프는 빠르게 삶으로 돌진하는 새로운 태도에 완전히 귀머거리인 것처럼 보였습니다. 당신은 무엇을 합니까? 아름다운 여성들 뒤에서, 영적으로, 아마도 소름 끼치게, 외래를 품지 않는 동일한 시간당 의상을 입은, 멸망할 오래된 논쟁의 여지가 있는 "고귀한 둥지"와 "체리 과수원" 뒤에는 많은 혼란이 있습니다. 전통 이제 시간이다.
이젤 작품은 장식 패널이 아닌 태피스트리에서 가장 인상적입니다. 창공은 경계선이 있는 지적이며 평평하며 위치는 예를 들어 어두운 생각과 깊은 은밀함으로 가득 찬 그림 "저수지"(1902, 템페라, Tretyakov 갤러리)의 소녀 같은 흰색처럼 그림자가 없을 것입니다. 색이 바랜 연한 회색 색조는 개울의 한적한 표현, 초자연적인 아름다움, 빈약하고 원시적인 품질을 향상시켜 인간의 이미지뿐만 아니라 그에 의해 묘사되는 자연까지 확장됩니다. 비정상적으로 Borisov-Musatov는 그의 작품 중 하나를 "Primari"(1903, Tempera, Tretyakov Gallery)라고 불렀습니다. 조용하고 행동하지 않는 여성 동상, 흰색 모임의 Marmur 동상, 벌거 벗은 나무 – 타오르는 어둠, 회색, f 보라색 톤 단순함을 더해보세요.
지난 몇 시간 동안 Borisov-Musatov는 1898년 상트페테르부르크에서 설립되어 가장 중요한 예술 문화의 거장들인 예술 엘리트들을 한자리에 모은 조직인 "The World of Mystery"의 예술가들과 함께 모였습니다. 암흑시대의 러시아 c. (연설 전 "The World of Art"는 Borisov-Musatov의 신비주의를 이해하지 못했고 예술가의 삶이 끝날 무렵에만 그를 인정했습니다.) "The World of Mysticism"의 속은 저녁에 A에 놓였습니다. . 신비주의, 문학, 음악에 전념하는 베누아의 오두막입니다. 그곳에 모인 사람들은 아름다움에 대한 사랑과 신비주의에서만 찾을 수 있는 기쁨으로 뭉쳤고, 이는 행동의 힘을 넘어서는 것이었습니다. 또한 후기 운동의 다양한 주제, 진부함, 설명성에 대한 반작용으로 등장한 "신비주의의 세계"는 즉시 러시아 예술 문화의 위대한 현상 중 하나가 되었습니다. 동일한 예술가가 모두 Benois, Somov, Bakst, E.E. Lanceray, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, Lari onov ta Goncharova. 이 단결의 형성에 가장 중요한 것은 박애주 의자이자 전시회 주최자이자 나중에 러시아 발레와 해외 오페라 투어의 임프 레사 리오 인 Diaghilev의 전문 분야입니다 ( "Russian Seasons"는 그의 창의성을 유럽에 소개했습니다. Shalyapin, Pavlova , Karsavina, Fokin, Nizhinsky 및 Nizhinsky와 세계는 음악, 춤, 그림, 장면 등 다양한 미스터리 형태의 고급 문화의 예입니다. "The World of Mystery"의 형성 초기 단계에서 Dyagilev는 1897년 상트페테르부르크에서 영국과 독일 수채화 화가들의 전시회를 감독했고, 그 후 1898년에는 러시아와 핀란드 예술가들의 전시회를 감독했습니다. 1899년부터 1904년까지 그가 편집했습니다. 같은 이름의 잡지가 있는 것 같습니다. 예술과 문학의 두 가지 분야입니다(다른 하나는 종교 및 철학 분야로 D. Filosofiv, D. Merezhkovsky 및 3. Gippius가 출판하기 전에 개발했습니다. 나는 1902년에 내 잡지에 썼습니다. "New Way" - 잡지 "The World of Mysticism"의 철학적 방향은 미학 이론의 자리가 되었고, 잡지는 A. Bilim 및 V. Bryusov와 함께 다른 상징주의자들의 트리뷴이 되었습니다.
잡지 첫 번째 호의 사설 기사에서 예술의 자율성에 관한 "예술의 세계"의 주요 조항, 이러한 문제에 대해 일상문화- 여기에는 예술적 형태의 문제와 신비주의의 주요 목표, 즉 가벼운 신비주의 작품에 대한 지식을 통해 러시아 결혼의 미학적 유사성을 배양하는 것이 포함됩니다. 그들에게 신중하게 말할 필요가 있습니다. 실제로 "예술의 세계"사람들은 영어와 독일 신비주의를 새로운 방식으로 높이 평가했으며 가장 중요한 것은 러시아 18 세기 그림과 상트 페테르부르크 고전주의 건축물을 높이 평가했습니다. 부자에 의해. "미르스쿠스니키"는 "신비주의로서의 비판"을 위해 싸웠으며, 높은 전문 문화와 학식을 의미하는 비평가-예술가의 이상을 장려했습니다. 그러한 비평가의 유형은 "신비주의의 세계"A.N. 베누아. "Miriskuchniki"가 전시회를 주최했습니다. 첫 번째는 러시아인 외에도 프랑스, 영국, 독일, 이탈리아, 벨기에, 노르웨이, 핀란드 등의 예술가를 포함하는 유일한 국제 작품이었습니다. 상트페테르부르크와 모스크바의 화가 및 그래픽 아티스트 모두 그녀와 운명을 공유했습니다. 이미 상트 페테르부르크와 모스크바라는 두 학교 사이에 균열이 이미 첫날부터 나타났습니다. 자작나무 1903 "신비의 세계로"전시회가 폐막되고, 1904년에 탄생한 "신비의 세계로"전시회가 폐막되었습니다. 『미스테리의 세계』 잡지의 마지막 호입니다. 대부분의 예술가들은 모스크바 전시회 "36" "러시아 예술가 연합", 작가-Merezhkovsky 그룹이 설립 한 잡지 "New Way", 잡지 "Terezi"에 통합 된 모스크바 상징 주의자, 음악 Canti가 "Evenings of"를 조직했습니다. Daily Music” , Dyagilev는 발레와 연극에서 끊임없이 일하고 있습니다. 이미지 창조의 신비에 남아 있는 중요한 권리는 1906년 파리 가을 살롱에서 현재까지 러시아 아이콘 그림의 역사적인 전시였으며 이후 베를린과 베니스(190 6-1907)에서 전시되었습니다. 현재 회화 부문에서는 '예술의 세계'가 주요 초점이었습니다. 이는 진정으로 "신비주의의 세계"를 전 유럽이 인정하는 첫 번째 행위가 될 것이며, 18~20세기 초 러시아 회화에 대한 언급이 될 것입니다. 성공적인 비판의 열쇠이자 러시아 신비주의의 진정한 승리입니다.
1910년 나는 "신비의 빛"(Roerich를 기리기 위해)에 다시 생명을 불어 넣으려고 노력했습니다. 이때 화가들 사이에 분열이 있다. Benois와 그의 추종자들은 Muscovites와 함께 러시아 예술가 연합과 헤어지고이 조직을 떠납니다. 그렇지 않으면 그들은 "신비의 빛"이라는 제목의 두 번째 통일이 먼저자는 것을 의미하지 않는다는 것을 이해하게 될 것입니다. 베누아는 “미의 이름 아래 화해하지 않는 것은 이제 치열한 투쟁을 제외하면 삶의 모든 영역에서 소멸됐다”고 요약했다. "예술의 세계", 일명 "신비주의의 세계"가 명성을 얻기 전에는 완전한 성실성, 무한한 관용 및 겸손과 20년대 초(1924)까지 공식적으로 통합되었지만 실제로 더 이상 존재하지 않았습니다. Rilova에서 Tatlin, Grabar에서 Chagall까지 예술가들을 화해시키는 입장입니다. 여기서 인상파를 어떻게 짐작할 수 없습니까? Gleyre 거장, "Salon of the Maled", Guerbois 카페 테이블에서 대중화되었으며 그러한 필요성이 유럽 그림 전체에 각인되었으며 원산지 시대에도 붕괴되었습니다. 또 다른 세대의 "세계 예술가"는 이젤 그림의 문제에 관심이 적고 그래픽 예술, 특히 북 아트, 연극 및 장식 신비에 관심이 있으며 두 영역 모두에서 올바른 예술적 개혁을 만들어 냈습니다. 또 다른 세대의 "세계 예술가"는 뛰어난 개성을 가지고 있었지만(Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigor'ev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin 등) 혁신적인 예술가는 전혀 없었습니다. 미스터리” “에포고니가 숨이 막힌다. 그러므로 '신비주의의 빛'을 특징짓는 데 있어서 우리는 주로 이 통일의 기반이 되는 첫 번째 단계와 그 핵심인 베누아(Benoit), 소모프(Somov), 바크스트(Bakst)에 대해 이야기하고 있다.
"신비의 세계"의 주요 예술가는 Kostyantin Andriyovich Somov (1869-1939)였습니다. 미스터리 아카데미를 졸업하고 유럽을 여행 한 Hermitage의 수장 신 Somov는 눈부신 조명을 받았습니다. 창조적 성숙은 그에게 일찍 찾아왔지만, 그의 전임자(V.N. Petrov)가 분명히 지적했듯이 그는 항상 이중성의 징후를 보여주었습니다. 즉, 강렬하고 현실적인 감성과 고통스럽고 감정적인 감성 사이의 투쟁입니다.
우리가 알고 있듯이 Somov는 예술가 Martinova(“Lady in the Blakitny”, 1897-1900, Tretyakov Gallery)의 초상화, 그림 초상화 “지난 시간의 달”(1903, 지도에 사용됨)에 등장했습니다. 수채화, 구아슈, 트레티야코프 갤러리), 그는 퇴폐적인 이미지의 편향적이고 무기력한 여성미에 대한 시적 특성을 창조하여 일상 생활의 실제 일상 징후를 전달하는 것처럼 보입니다. 그는 모델들에게 고대 의상을 입혀 어두운 고통, 혼란, 슬픔, 고통스러운 깨짐의 모습을 보여줍니다.
Somov는 지적 엘리트(V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lanseray, Dobuzhinsky 등)와 같은 동료의 일련의 그래픽 초상화를 담당하고 있으며 Vikoristov는 하나의 일반적인 방법인 흰 진딧물-시간 단위로 노래를 부릅니다. -시간 영역 – 귀화를 통해서가 아니라 미묘한 형식화와 특징적인 세부 사항의 신중한 선택을 통해 도달하는 유사성과 비난을 그립니다. 매일같이 일어나는 이 시간은 정체, 무미건조, 냉담함, 심지어는 비극적인 이기주의의 위협을 만들어냅니다.
이전에 "The World of Mystery"의 모든 사람을 위해 Somov는 과거로 돌아가 18 세기 해석을 수행했습니다. ( "Liszt", 1896; "Confidence", 1897), Benoit의 베르사유 풍경의 전신이되었습니다. 첫 번째는 귀족 정원과 궁중 문화를 모티브로 하여 일상의 강렬하고 주관적인 예술적 인상을 엮어 아이러니가 스며드는 초현실적인 빛을 만들어냅니다. “예술의 세계”의 역사주의는 활동과 함께 흐른다. 과거가 아니라, 너무 빡빡해서 뒤집히지 않는 연출이 주된 모티브의 축이다. 즐거운 사람들이 즐겁게 노는 것이 아니라, 골목에서 뽀뽀를 하는 즐거운 사람들의 즐거움, 그것이 소모프입니다.
소모프의 다른 작품들은 모두 목가적이고 용감한 성인들("조롱의 키스", 1908년, 러시아 러시아 박물관, "후작의 산책", 1909년, 러시아 러시아 박물관)로, 신랄한 아이러니와 영적인 공허함, 절망으로 가득 차 있습니다. XVIII의 사랑 장면 – 옥수수 속 XIX V. 에로티시즘의 힌트와 함께 먼저 주어졌습니다. 나머지 부분은 맥아의 주요 추구라는 한 가지 주제에 전념한 그의 도자기 조각상에서 특히 두드러졌습니다.
Somov는 D. Levitsky에 대한 S. Diaghilev의 논문과 Tsarske Selo에 대한 A. Benois의 작품을 편집하여 그래픽 아티스트로 광범위하게 일했습니다. 그 책은 리드미컬하고 문체적인 통일성을 지닌 하나의 유기체로서 그에 의해 최고의 높이로 끌어 올려졌습니다. Somov는 일러스트레이터가 아닙니다. 그는 A.A. Sidorov, 맞습니다.
"미스테리의 세계"의 이념적 지도자는 매우 다재다능한 재능을 지닌 Oleksandr Mikolayovich Benois(1870-1960)였습니다. 화가, 이젤 그래픽 아티스트 및 일러스트레이터, 연극 예술가, 감독, 발레 대본 작가, 신비주의 이론가 및 역사가, 음악 활동가. A. Bily의 말에 따르면 "The World of Mystery"의 주요 정치가이자 외교관이었습니다. . 그는 상트페테르부르크 예술 지식인(작곡가, 감독, 건축가, 예술가) 집단 출신으로 상트페테르부르크 대학교 법학부에서 공부를 시작했습니다. 예술가로서 우리는 소비프에게서 양식화 경향과 과거에 대한 열정을 인식할 수 있습니다(“나는 질병, 비겁함, 악성 중독으로 인해 베르사유에 묻혔습니다... 나는 완전히 과거로 이동했습니다...”). 베르사유 풍경에서 벤은 17세기의 역사적 재건에 분노했습니다. 이것이 프랑스 고전주의와 프랑스 판화에 대한 작가의 끊임없는 적대감이다. 명확한 구성, 명확한 공간감, 장엄하고 차가운 리듬의 엄밀함은 신비주의 기념물의 웅장함과 스태프(1차 베르사유 시리즈 1896-1898)와 같은 수많은 인간 조각상을 보여줍니다. Louis X. At Another Versailles' 시리즈(1905-1906) 최초의 궁수들에게 강력한 아이러니는 아마도 비극적인 메모와 함께 엮여 있습니다('The King's Walk', 유화, 구아슈, 수채화, 금, 은제품, 펜, 1906, Tretyakov Gallery) 연극 예술가가 연극에 대한 훌륭한 지식과 이해를 갖는 것이 중요합니다.
Benoit은 역사와의 연관 관계에서 자연을 인식합니다 (수채화 기법으로 묘사 된 Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo 참조).
모스크바 전시회 Knebel의 작품(“The Tsar's Glades” 이전 삽화)에 그려진 러시아 과거의 일련의 그림에서 18세기 귀족과 지주의 삶의 장면을 보여줍니다. Benois는 이 시대의 친밀한 이미지, 심지어 약간의 연극성을 창조했습니다(“Parade for Paul I”, 1907, Russian Russian Museum).
일러스트 레이터 Benois (Pushkin, Hoffmann)는 책 역사의 전체 부분입니다. Somov 앞에서 Benoit는 설명적인 일러스트레이션을 만듭니다. 누구에게나 측면의 영역은 그 자체로 끝이 아닙니다. "The Queen's Wife" 이전의 삽화는 A.A. 의 "책의 신비"라기보다는 좀 더 완전한 독립 창작물이었습니다. Sidorov, "바닥에 미스터리가 얼마나 많은지." “The Copper Peak”(1903,1905,1916,1921-1922, 수묵화와 나무에 색을 새긴 듯한 느낌의)의 그래픽 디자인은 책 삽화의 걸작이 되었습니다. 위대한 인물에 대한 일련의 삽화에서 주인공은 상트 페테르부르크의 건축 풍경으로, 때로는 이야기가 많고 한심하며 때로는 평화 롭고 때로는 불길하며 피곤함은 여전히 Evgen이 될 가치가 없어 보입니다. 이것이 Benoit가 러시아 권력의 몫과 소민족의 특별한 몫 사이의 비극적 갈등을 표현하는 방식입니다(“그리고 밤새도록 불쌍한 미치광이/발이 죽은 곳마다/3 그리고 그와 함께 세계의 정점은 어디에서나) 중간/중요한 어리석음을 가지고 점프하는 것”).
연극 예술가로서 Benois는 "Russian Seasons" 공연을 디자인했는데, 그 중 가장 유명한 것은 스트라빈스키의 음악에 맞춰 발레 "Petrushka"였습니다. 훌륭한 유럽 무대.
예술 평론가이자 신비주의 역사가인 Benoit의 활동은 Grabar와 함께 러시아 신비주의를 채택하여 방법을 개발했으며 신비 과학 역사의 전체 단계입니다("19세기 회화의 역사" 장 R Mutera - 볼륨 "러시아 그림", 1901 - 1902; "Rosіyska 회화 학교", Vidannya 1904; "The Tsarovnia Imtriyvyu,"The Tsarovayaveti Petrivni ", 1910; 잡지의 Statti" Svit Mystetswy "I"Starі Roki ","예술가 Skarby 로시아 "나.
'신비의 세계'의 핵심 세 번째는 연극 예술가로 유명세를 떨치며 '예술가의 세계' 중 최초로 유럽에서 인기를 얻은 레프 사무이로비치 바크스트(Lev Samuilovich Bakst, 1866~1924)이다. 미스터리 아카데미에서 "신비주의의 세계"로 왔고 유럽 회화의 좌파 흐름을 고수하면서 아르누보 스타일을 홍보했습니다. 첫 번째 전시회 "신비주의의 세계로"에서 그는 살아있는 국가의 미래에 자리를 잡은 자연이 변형된 로우 페인팅 및 그래픽 초상화(Benoit, Bely, Somova, Rozanova, Gippius, Diaghileva)를 전시했습니다. into 이것은 동료 인간에 대한 이상적인 진술입니다. Bakst는 파리에서 Diaghilev의 "Russian Seasons"의 상징이 된 잡지 "World of Mystery"의 브랜드를 만들었습니다. Bakst의 그래픽에는 18세기의 다양한 모티브가 있습니다. 그리고 그것들이 있는 정원. 그것은 고대로 거슬러 올라가며 심지어 상징적으로 음영 처리된 고대 그리스까지 거슬러 올라갑니다. 상징주의자들 사이에서 특히 성공적인 것은 그의 그림 "Ancient Fear"- "Terror antiquus"(템페라, 1908, 러시아 러시아 박물관)였습니다. 폭풍우가 치는 하늘은 끔찍하고 바다의 심연과 고대의 장소를 비추는 번쩍이는 빛, 그리고 우주적 재앙 전체 위에 고대 지각이 신비한 미소를 지으며 패닝하고 있습니다. Nezabar Bakst는 연극 및 장식 작품과 Diaghilean 기업의 발레에 대한 그의 풍경과 의상을 높이 평가했으며 Vikonians는 최고의 화려 함과 거장, 예술적으로 그에게 세계적인 명성을 가져 왔습니다. 그는 Anna Pavlova와 Fokine의 발레와 함께 공연을 선보였습니다. 예술가는 Rimsky-Korsakov의 "Scherazadi", "Zhari-PTITITSI" Straivinskoy (Obudva –1910), "Daphnis I clar" Ravel의 의상으로 미끼를 차변 "Pirlyapoludnevy of the Favna"의 muzik 발레에 강탈했습니다. (불쾌 – 1912).
"예술 세계"의 1세대부터 젊은 세대에 이르기까지 Evgen Evgenovich Lanceray(1875-1946)는 20세기 초 도서 그래픽의 모든 주요 문제에 창의성을 집중한 인물입니다. (Lermontov 이전의 "Legends about the Ancient castles of Brittany"라는 책의 눈부신 삽화는 Bozheryanov 및 기타의 "Nevsky Prospekt"표지). Lanceray는 상트페테르부르크("Kalinkin Place", "Mikilsky Market" 등)의 여러 수채화와 석판화를 만들었습니다. 건축은 그의 역사적 작품에서 중요한 위치를 차지합니다(“Tsarskoe Selo의 Elizaveta Petrivna 황후”, 1905, Tretyakov 갤러리). Serov, Benois, Lancer의 작품이 새로운 유형의 역사 그림을 창조했다고 말할 수 있습니다. 줄거리는 없지만 이 경우 기적적으로 시대의 이미지를 생성하고 역사적, 문학적 및 미학적 연관성의 비인격성을 불러일으킵니다. Lanceray의 최고 작품 중 하나 – L.M.의 이야기까지 70점의 작은 그림과 수채화. Benoit는 Tolstoy의 "Hadji Murad"(1912-1915)를 "독립적인 노래로 기적적으로 Tolstoy의 강력한 음악에 빠져들게 한다"고 칭찬했습니다. 시간이 지나면서 랜서는 유명한 벽화가가 되었습니다.
그래픽 아티스트 므스티슬라프 발레리아노비치 도부진스키(1875-1957)는 푸쉬킨 시대나 18세기 상트페테르부르크보다는 비극적인 독성을 전달할 수 없는 오늘날의 장소를 많이 표현하고 있습니다("Old Little Buddy", 1905). 수채화, Tretyakov 갤러리), 사람들과 마찬가지로 그러한 장소의 뒤죽박죽 ( "The People in the Eyepieces", 1905-1906, 파스텔, Tretyakov 갤러리 : samotnya, sumny Budynki의 재 위에 많은 사람들이 있습니다. 머리는 두개골을 추측합니다). 미래의 도시화는 Dobuzhinsky에게 공황적 두려움을 심어주었습니다. 삽화 분야에서 광범위하게 작업한 그는 도스토옙스키의 "백야"(1922)까지 그의 작은 잉크 주기에서 가장 아름다운 작품을 볼 수 있습니다. Dobuzhinsky는 또한 극장에서 일하면서 Nemirovich-Danchenko의 "Mikola Stavrogina"(Dostoevsky의 "Besivs"의 무대 각색), Turgenev의 연극 "A Month in the Countryside" 및 "The Freeloader"를 디자인했습니다.
Mikola Kostyantinovich Roerich(1874-1947)는 "미스터리의 세계"에서 특별한 위치를 차지하고 있습니다. 철학과 민족지학의 전문가이자 고고학자이자 과학자인 Roerich는 처음부터 집에서 기적적인 조명을 받았고, 그 다음에는 상트페테르부르크 대학교의 법학 및 역사철학 학부, 그 다음에는 과학 아카데미의 Kuindzhi 마스터에서 기적적인 빛을 받았습니다. , 파리의 F. Cormon 스튜디오에서. 일찍부터 위대한 권위를 배웠습니다. 그는 17-18세기뿐만 아니라 이교도 슬로베니아와 스칸디나비아 고대, 고대 러시아에 대한 회고에 대한 동일한 사랑으로 "예술의 세계"와 연합했습니다. 양식화 경향, 연극적 장식성(“The Messenger”, 1897, Tretyakov Gallery; “The Elders Converge”, 1898, Russian Russian Museum; “Sinisters”, 1901, Russian Russian Museum). Roerich는 러시아 상징주의의 철학 및 미학과 가장 밀접하게 연관되어 있지만 그 신비주의는 자연 방향의 틀에 포함되지 않았습니다. 왜냐하면 예술가의 깨달음 이전에는 외침 때문에 모든 인류 앞에 있었던 것처럼 보였기 때문입니다. 모든 민족의 우호적인 연합. 그의 그림의 서사적 품질이 돋보이는 곳입니다.
1905년 이후 Roerich의 창의성에는 범신론적 신비주의의 분위기가 커지고 있습니다. 역사적 인물들은 종교적 전설의 장소를 희생합니다(“천국의 전투”, 1912, 러시아 러시아 박물관). Roerich에 작은 러시아 아이콘이 많이 유입되었습니다. 그의 장식 패널 "Sich at Kerzhents"(1911)는 Rimsky-Korsakov의 오페라 "The Tale of the Invisible City of Kitezh"에서 같은 제목의 단편을 재연하는 동안 전시되었습니다. 그리고 Virgin Fevronia”는 파리의 “Ro 이번 시즌”에 있습니다.
"The World of Mystery"의 또 다른 세대에서 가장 재능 있는 예술가 중 한 명은 Repin의 학생인 Boris Mikhailovich Kustodiev(1878-1927)였으며, 그는 "Sovereign Rada" 작업에도 그를 도왔습니다. Kustodiev는 또한 강력한 스타일화를 가지고 있지만 민속 대중 인쇄물의 스타일화는 아닙니다. 밝은 크리스마스 시즌의 별인 "Fairs", "Maslyani", "Balagani", 부르주아와 상인 생활의 그림은 약간 아이러니하게 전달되었지만 사모바르 뒤에 있는 붉은 뺨의 아름다움과 통통한 손가락의 접시에는 호의가 없었습니다. " 1915년, 국립 러시아 박물관; “차를 마시는 상인의 아내”, 1918, 러시아 러시아 박물관)
같은 'Light of Mystery'도 A.Ya와 같은 운명을 공유했습니다. 골로빈은 20세기 1분기의 가장 위대한 연극 예술가 중 한 명입니다. 예 Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedeva 및.
"신비주의의 빛"은 세기가 바뀌면서 위대한 미적 운동이 되었으며, 현재의 모든 예술 문화를 재평가하고, 새로운 풍미와 문제를 확인하고, 가장 전문적인 수준에서 신비주의를 책 그래픽과 연극 장식 및 그림의 형태로 전환했습니다. , בх зузілми가 왔습니다. 본질적으로 이 단계의 활동을 러시아 18세기의 기초로 되돌리는 새로운 예술적 비평은 경계선 뒤에서 러시아 신비주의를 전파했습니다. "예술의 세계"는 고유한 강력한 문체적 기호(다양한 양식화 경향, 만화에 대한 그래픽 기술의 중요성, 순전히 장식적인 색상 지혜 등)를 사용하여 새로운 유형의 역사 그림, 초상화, 풍경을 창조했습니다. 이것은 생명 신비주의에 대한 중요성으로 표시됩니다.
"신비의 빛"의 약점은 "지금은 베클리나, 이제는 마네"라는 문구로 말하는 프로그램의 간결함과 불일치에서 우리에게 즉각적으로 드러났습니다. 신비주의의 위대함에 영향을 받은 신비주의에 대한 이상주의적 견해, 프로그램적 비정치성, 그림의 사회적 중요성 상실. 순수한 미학인 "신비주의의 빛"의 실내성은 다가오는 혁명의 암울하고 비극적인 전선의 시대에 그 삶의 최근 역사적 기간에 의해 결정되었습니다. 이들은 창의적인 사람들의 길을 걷는 첫 번째 크록이었고, 젊은 사람들은 "예술의 세계" 예술가들보다 빠르게 앞서 있었습니다.
그러나 일부 "예술계" 사람들에게 있어 세계의 진정한 혁명은 러시아 최초의 혁명이었습니다. 그래픽의 이동성과 가용성은 혁명적 불안 기간 동안 그들의 특별한 활동을 자극했습니다. Vinikloch 풍자 잡지(1905년부터 1917년까지 380개 타이틀에 자금 지원). 잡지 "Sting"은 혁명적-민주주의적 직접성을 보여주었고, 가장 위대한 예술가들은 "Bug"와 그 부록인 "Pekelna Posta"를 중심으로 그룹화되었습니다. 독재 정권의 적대감은 자유주의적인 예술가들을 다양한 방향으로 소비했습니다. "Bugs" 이슈 중 하나에서 Bilibin은 캐리커처 "당나귀 1/20 실물 크기"를 배치합니다. 프레임 근처에는 왕과 칠한 당나귀의 이미지가 배치된 권력과 영광의 속성이 있습니다. 1906년의 랜스레이 또 다른 캐리커처는 "트리즈나(Trizna)"입니다. 우울한 홀에 있는 차르의 장군들은 들을 수 없지만 군인들은 무엇을 외쳐야 할지, 무엇을 주목해야 할지 들을 수 없습니다. 어린 아이의 "Zhovtneva idylya"에 있는 Dobuzhinsky는 현재 장소의 진정한 주제를 박탈당했으며 오늘의 불길한 징후만 그 장소에 터졌습니다. 창문, 가방 부수기, 인형, 접안렌즈 및 벽과 brukivtsi의 피의 불꽃 . Kustodiev Vikon은 Tsar의 장관 초상화의 심각성과 사악한 아이러니에 대해 Tsar와 그의 장군 및 Vinyatkov에 대한 여러 캐리커처를 보유하고 있습니다. Witte, Ignatyev, Dubasova 및 기타 친절하고 Repin의 작품 "Sovereign Rada"에서 도움을 주는 사람들 ". 그의 손 아래 베트는 한 손에는 빨간 깃발을, 다른 한 손에는 왕실 깃발을 들고 숨어 있는 광대라고 해도 과언이 아니다.
그러나 이러한 운명의 혁명적 계산에 가장 중요한 것은 작은 V.A. Serova. 이 입장은 1905년 혁명 중에 완전히 결정되었습니다. 혁명은 Serov의 캐리커처가 끝날 때까지 비명을 질렀습니다. “1905 r. 회개 후”(Mikola II는 쟁기 아래에 라켓을 들고 St. George의 능선을 회개자에게 배포합니다); "수확"(총은 뭉치 근처의 들판에 배치됩니다). 이 시리즈에서 가장 유명한 것은 "군인, 용감한 젊은이!"라는 구성입니다. 당신의 영광은 어디에 있습니까? (1905, 러시아 박물관). 여기에서 Serov의 엄청난 지위, 기안자로서의 그의 숙달, 주의 및 현명한 간결함이 완전히 드러났습니다. Serov는 1905년 9월 9일 시위대에 대한 코사크 공격의 시작을 묘사합니다. 배경에는 시위대에게 어두운 덩어리가 주어집니다. 앞쪽, 시트 가장자리 근처에는 코사크의 큰 인물이 있고, 앞쪽과 배경 사이 중앙에는 칼을 대머리로 공격하라고 부르는 말을 탄 장교가 있습니다. 그 이름은 상황의 모든 씁쓸한 아이러니를 없애기 위한 것입니다. 러시아 군인들이 국민을 공격했습니다. 이것이 Serov의 주인 시대부터 그리고 (비 유적으로 말하면) 러시아 지식인의 자유주의 지식의 깊이에서 이러한 비극적 상황이 전개 된 방식입니다. 1905년 혁명의 소식을 들은 러시아 예술가들은 베트남 역사상 그 어떤 대격변에도 맞서야 할 줄 몰랐다. 혁명의 편에 섰던 그들은 지적으로 폭탄 테러리스트(후손인 허무주의 구호자들을 포함하여)에게 "정치적 투쟁 기술과 한 역사가에 따르면 "결혼에 대한 폭넓은 생각의 이념적 반영"), 질서를 수호하는 지역 장소입니다. 그들은 혁명의 "빨간 바퀴"가 독재 정권을 어떻게 미워하는지 몰랐지만 러시아 생활의 전체 구조, 그들이 봉사하고 그들에게 소중한 러시아 문화 전체를 의미한다는 것을 몰랐습니다.
1903년에는 이전에 예상했던 대로 금세기 최대 규모의 전시회 중 하나인 "러시아 예술가 연합"이 열렸습니다. 지금까지 "The World of Mystery"의 모든 저명한 인물은 사라졌습니다. Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, 첫 번째 전시회 참가자에는 Vrubel, Borisov-Musatov가 포함되었습니다. 협회 창설의 창시자는 "신비주의의 세계"와 관련된 모스크바 예술가들과 상트 페테르부르크 주민들의 무거운 프로그램 성격이었습니다. "연합"은 특히 Peresuvnytsky 스타일의 모스크바 화가, 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교 학생, Savrasov 학자, Serov 및 K. Korovin 학자들에게 높이 평가되었습니다. 다양한 전시회에 동시에 전시된 분들이 많습니다. "Union"의 전시자 중에는 S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, Korovini 형제, L. Pasternak 등의 예술가가 있습니다. 조직 당국은 A.M. 바스네초프, S.A. 비노그라디프, V.V. Paliturnikov. Stovpi peresuvnitstva V.M. Vasnetsov, Surikov, Polenov가 회원이었습니다. "연합"의 지도자는 K. Korovin이었습니다.
러시아 시골의 모습을 사랑스럽게 그린 국가 풍경은 "러시아 인상주의"를 세속적 동기보다는 시골적 동기로 식별한 "연합" 예술가들의 주요 장르 중 하나입니다. 그래서 I.E. 가장 미묘한 소년적 측면을 지닌 서정적인 분위기를 지닌 Grabar(1871-1960)는 러시아 땅과 프랑스의 인상주의적 풍경에 평행한 현대 자연의 벙어리 장갑 변화를 강탈합니다(“Veresneviy Snow”, 1903, Tretyakov Gallery). . Grabar는 그의 자서전에서 이 야외 풍경에 대해 다음과 같이 썼습니다. “밝은 노란색 잎이 있는 눈의 경치는 너무 불만족스럽고 동시에 너무 기적적이어서 테라스에 평화롭게 놀고 그림을 그렸습니다. 3일 동안 사진을 찍으세요.” 눈에 보이는 색상을 분광적이고 순수한 색상 팔레트로 분해하려는 Grabar의 관심은 신인상주의, J. Seurat 및 P. Signac(“Birch Snow”, 1904, Tretyakov Gallery)과 관련이 있습니다. 자연과 동떨어진 복잡한 색채 효과는 캔버스에 말로브니 플라스틱 형상의 빛을 만들어 외관과 설명성을 감소시키는 "동맹국의 톱질"의 주제가 됩니다.
빛과 바람의 전달에 대한 모든 관심에도 불구하고 "연합"의 거장들의 그림은 빛과 공기라는 매체에서 주제를 파괴하는 것을 전혀 경계하지 않습니다. 색상은 장식적인 특성을 나타냅니다.
"미스테리의 세계로" 그래픽 아티스트인 상트페테르부르크 사람들이 이끄는 "동맹국"은 장식적인 색상에서 영감을 받은 중요한 화가들입니다. 그 괴물 같은 엉덩이 - F.A. 말린.
"Union"의 참가자 중에는 창의성을 주제로 한 "예술의 세계"에 가까운 mitsi가있었습니다. 그래서 K.F. Yuon (1875-1958)은 고대 러시아 장소의 전망, 옛 모스크바의 파노라마를 추가했습니다. Ale Yuon은 과거의 자연적 자비, 최고의 건축 풍경을 멀리서 볼 수 있는 곳입니다. 이것은 베르사유 공원이나 Tsarsko-Silsky 바로크 양식이 아니라 봄과 겨울 모습의 오래된 모스크바 건축물입니다. 작가 자신과 같은 적대감의 본질을 느낄 수있는 일상 생활의 자연 그림 (Birch Son, 1915, Tretyakov Gallery; "Trinity Lavra in Winter", 1910, Russian Russian Museum). 자연의 미묘한 미묘함은 "Union"의 또 다른 참가자이자 현재 Peresuvial Exhibitions 협회의 회원인 S.Yu의 풍경에 전달됩니다. Zhukovsky (1873-1944) : 나무 껍질을 바꾸는 하늘의 바닥 없음, 물의 깊은 흐름, 한 달 아래 눈이 흩어짐 ( "월간 밤", 1899, Tretyakov 갤러리; "로잉", 1909, 러시아어 러시아어 박물관). 종종 새해의 동기는 닫힌 정원입니다.
"러시아 예술가 연합"A.A.의 충실한 회원 인 상트 페테르부르크 학교 예술가의 그림. Rilova (1870-1939), "Green Noise"(1904) 거장은 나무가 흔들리고 창문이 흔들리는 신선한 바람처럼 자신이 어떻게 느꼈는지 전달할 수 있었습니다. 그녀는 즐겁고 불안한 감정을 모두 느낍니다. 나의 선생님 Kuindzhi의 낭만적인 전통에 대한 표시가 여기에 주어졌습니다.
"The Allies"의 디자인은 야외 연구일 뿐만 아니라 기념비적인 그림 형식이기도 했습니다. "신비주의의 세계"가 해체되고 다시 포용되는 1910년까지 "연합" 전시회에서는 친밀한 풍경(비노그라도프, 페트로비체프, 유온 등)과 가까운 그림을 전시하는 것이 가능했습니다. 프랑스 분열주의(Grabar, 초기 Larion) 또는 가까운 상징주의(P. Kuznetsov, Sapunov, Sudeikin); Diaghilev의 "World of Mystery"의 예술가들인 Benois, Somov, Bakst, Lanceray, Dobuzhinsky도 참여했습니다.
탄탄한 현실적 기반을 갖춘 "러시아 예술가 연합"은 고대 이미지 창조 신비주의에서 중요한 역할을 했으며 1923년까지 존재했던 라디안 회화 학교 형성에 주요 유입이 되었습니다.
두 혁명 사이의 운명은 창의적인 탐구의 긴장감으로 특징지어지며, 때로는 서로 직접적으로 전환되기도 합니다. 1907년 모스크바에서는 잡지 "Golden Fleece"가 "Black Trojan"이라고 불리는 Borisov-Musatov의 추종자 예술가들의 단일 전시회를 조직했습니다. "Black Trojan"의 주요 아티스트는 P. Kuznetsov였습니다. 최근에는 M. Sar'yan, N. Sapunov, S. Sudeikin, K. Petrov-Vodkin, A. Fonvizin 및 조각가 A. Matveev가 함께 모이기 시작했습니다. 가장 가까운 "홀로보로자"는 "영화"에서 이전에 우리에게 표현된 상징주의, 즉 분위기의 미묘함, 상상할 수 없고 번역할 수 없는 연관성의 음악성, 다채로운 구성의 미묘함과 유사합니다. 러시아 신비주의에서 상징주의는 문학에서 점점 더 공식화되었으며, 새로운 세기 초에 A. Blok, A. Biliy, V. Ivanov, S. Solovyov와 같은 이름이 이미 들렸습니다. 그 외에도 이미 언급한 바와 같이 Borisov-Musatov, Roerich 및 Ciurlenis와 같은 Vrubel의 작품에는 "까마귀 상징주의" 요소가 나타났습니다. Kuznetsov와 그의 동료들의 그림은 Balmont, Bryusov, Bely의 시학과 많은 점을 가지고 있었고 심지어 Wagner의 오페라, Ibsen, Hauptmann 및 Maeterlinck의 드라마를 통해 상징주의에 도달했습니다. "Black Troy" 전시회는 상징적인 시인들이 공연하고 현대 음악이 연주되는 종합적인 모습을 보여주었습니다. 전시회 참가자들의 미학적 플랫폼은 향후 몇 년 동안 표시되었으며 전시회의 이름은 900년대 후반의 역사에서 직접적으로 전체를 통칭하게 되었습니다. "블랙 트로이 목마"의 전체 활동은 아르누보 스타일(형태의 평면 장식 스타일화, 선형 리듬의 생동감)의 주입에 크게 영향을 받았습니다.
Pavel Varfolomiyovich Kuznetsov(1878-1968)의 작품은 "Goluborozists"의 기본 원칙을 반영합니다. 그의 창의성에는 "아름다운 명확성"(시인 M. Kuzmin의 표현)이라는 신낭만주의 개념이 주입되어 있습니다. Kuznetsov는 삶의 구체성에서 추상화하여 사람과 자연의 독창성, 삶과 자연의 영원한 순환의 탄력성, 인간 영혼의 조화를 보여주는 장식 패널 그림을 만들었습니다. 이것은 벙어리 장갑의 콧수염, 자갈 노고, 시간별 메모에서 정화되고 평화롭게 관찰되는 기념비적 형태의 그림 표현으로 물질의 영성을 꾸준히 전달합니다. 그림은 단순히 개념을 표현하는 기호일 뿐입니다. 색상은 전송 목적에 사용됩니다. 리듬 - 전도자의 노래하는 빛을 위해 (도상학에서와 같이 사랑, 부드러움, 슬픔 등의 상징). 캔버스 전체 표면에 빛을 고르게 분포시키고 조명하는 것은 Kuznetsov 장식 예술의 기초 중 하나입니다. Serov는 P. Kuznetsov의 본성이 "죽어 가고있다"고 말했습니다. 이것은 중앙아시아 풍경의 키르기스스탄(스테포비)과 부하라 모음곡에서 기적적으로 표현됩니다. (Kuznetsov의 창의성을 계승한 A. Rusakova가 썼듯이 1911년 "Sleeping at the Koshar"는 평화로운 대초원의 빛, 차분함, 조화의 이미지입니다. 묘사된 여성은 특정 인물이 아니라 키르기스스탄 여성입니다. 몽골 라시의 표시.) 사막이 없는 높은 하늘, 완만한 언덕, 제방, 양 떼가 가부장적 짧은 서사시의 이미지를 만듭니다. 조화에 대한 독특하고 접근하기 어려운 꿈, 자연과 함께하는 사람들의 분노에 대한 꿈은 항상 예술가들로부터 칭찬을 받아 왔습니다 ( "Mirage at the Steppe", 1912, Tretyakov Gallery). Kuznetsov는 고대 러시아 도상학 및 초기 이탈리아 부흥 기술을 배웠습니다. 그의 전임자들이 분명히 지적했듯이 그의 위대한 스타일의 정신으로 빛 신비주의의 전통 전통을 발전시키는 것은 사람들이 종종 전통을 놓쳤던 시대에는 거의 중요하지 않습니다.
이란, 이집트, 터키 등의 이국주의는 Martiros Sergiyovich Sar'yan(1880-1972)의 풍경에서 영감을 받았습니다. 모임은 Virmenian 예술가에게 자연스러운 주제였습니다. Saryan은 그의 그림에서 가벼움, 밝은 장식의 버전, 더 열정적이고, 더 세속적이며, Kuznetsov가 적은 버전을 창조하며, 소년 파티의 결정은 항상 뉘앙스 없이, 그림자가 있는 환경에서 날카로운 색상과의 대조 관계에서 영감을 받았습니다. (“Phoenix Palm, Egypt”, 1911, 카트, Tempera, Tretyakov 갤러리). 다채로운 대비를 지닌 사리안의 동양화는 그가 알제리와 모로코를 방문하고 만든 마티스의 작품보다 더 이른 것으로 보인다는 점에 주목하는 것이 중요하다.
Sar'yan의 이미지는 형태의 규칙성, 거대하고 거친 평원, 자갈 세공 운동으로 인해 기념비적입니다. 이는 일반적으로 자연을 보존하는 이집트, 페르시아 및 원주민 Virmenia의 이미지에 대한 참조입니다. 자연에서 온 글들. Saryan의 장식 캔버스는 항상 살아 있으며 창의성에 대한 그의 진술을 증언합니다. “... 신비주의의 창조는 행복 또는 창의적인 작업의 결과입니다. “물론 창조의 용광로의 절반을 눈에 불태우고 대지의 본성, 행복, 자유의 형태로 강력한 존재의 현현을 받아들이는 것이 가능합니다.”
Kuznetsov와 Saryan은 조각 된 코트를 입고 부유하고 부유 한 세계의 시적 이미지를 만들었습니다. 하나는 고대 러시아 아이콘 신비주의 전통을 기반으로하고 다른 하나는 고대 우크라이나 미니어처를 기반으로했습니다. '블랙 트로이 목마' 시기에는 동양적 모티프와 상징적 경향에 대한 관심도 높아졌다. 당국은 Black Trojan의 예술가들에게 인상주의적인 영향을 미치지 않았습니다.
"Holoborozists"는 극작법과 상징주의와 밀접하게 얽혀 극장에서 풍부하고 유익하게 공연했습니다. N.M. Sapunov (1880-1912) 및 S.Yu. Sudeikin(1882-1946)은 M. Maeterlinck, Sapunov - G. Ibsen 및 Blok의 "Balaganchik"의 드라마로 장식되었습니다. Sapunov는 이 연극적 환상, 박람회장에서 인기 있는 양식화를 그의 이젤 작품, 체리 도자기 꽃병에 종이 꽃이 있는 고스트로 장식 정물화(“Pivoni”, 1908, Tempera, Tretyakov Gallery), 기괴한 장르 장면(“Masquerade”, 1907, Tretyakov 갤러리).
1910년 다수의 젊은 예술가 - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova 등 - 전시회와 분명히 기사 모음을 통제하는 작은 법령을 가진 "Jack of Diamonds"조직으로 통합되었습니다. "다이아몬드 잭"은 실제로 1917년까지 발생했습니다. 후기 인상주의와 마찬가지로 세잔 이전에는 '인상주의에 대한 반동'이 되었기 때문에 '다이아몬드 잭'은 '검은 트로이언드'와 '미학적 신비주의'의 상징 언어가 갖는 모호함, 불일치, 미묘한 뉘앙스를 반대했다. 물질성과 빛의 “음성”이 담긴 “Dambourines”는 형태의 객관성, 강렬함, 색상의 음향으로 강화되어 그림의 명확한 디자인을 탄생시켰습니다. Nevypadkovo 정물은 "Valetivtsev"가 가장 좋아하는 장르가 되고 있으며, 풍경이 "러시아 예술가 연합" 회원들이 가장 좋아하는 장르인 것과 같습니다. Illya Ivanovich Mashkov (1881-1944)는 정물화 ( "푸른 자두", 1910, Tretyakov 갤러리, "동백이있는 정물", 1913, Tretyakov 갤러리)에서 Petro Petrovich Konchalovsky (1)와 같은 통일 프로그램을 완전히 결정합니다. 876–195) 초상화 (G. Yakulov의 초상화, 1910, 국립 러시아 박물관, "Matador Manuel Hart", 1910, Tretyakov Gallery). 기분 변화, 특성의 심리학, 캠프에 대한 자신감 부족, "Goluborozites"그림의 비 물질화 전달의 미묘함, 그들의 낭만적 인시는 "Valetians"에 의해 버려졌습니다. 그들은 아마도 파브의 자연스러운 거룩함, 윤곽선 드로잉의 표현, 육즙이 풍부한 임파스토 및 폭넓은 글쓰기 방식을 보여주며 세상에 낙관적인 분위기를 전달하고 심지어 쇼룸이나 마이단이 될 수도 있는 분위기를 조성합니다. 초상화의 Konchalovsky와 Mashkov는 명확하지만 1차원적인 특성을 제공하며 때로는 기괴할 정도로 하나의 테두리를 과장합니다. 정물화에서는 캔버스 표면, 다채로운 물보라의 리듬을 강조합니다 ( "Agave", 1916, Tretyakov Gallery, - Konchalovsky; 꿩을 안고있는 여성의 초상화, 1911, 러시아 박물관, - Mashkova). "Bubnovoletivtsi"는 민속 루복, 민속 장난감, 페인트된 kahli, viviska와 유사하게 해석된 형태로 단순화를 허용합니다. 원시주의에 대한 갈망(라틴어 primitivus에서 가장 먼저)은 원시시대(최초의 부족과 민족)에 대한 단순화된 형태의 신비주의를 중간지대 없이 당대의 농담과 예술적 표현의 완전성으로 물려받은 다양한 예술가들에게서 나타났습니다. . "다이아몬드의 잭"은 세잔("러시아 세산주의"라고도 함)에서 영감을 얻었거나 오히려 장식적인 세사니즘(야수주의), 입체파, 심지어 미래주의에서도 영감을 얻었습니다. 입체파에는 “ssuv” 형태가 있고, 미래파에는 “Dzvin” 그림에서와 같이 역동성, 형태의 다양한 수정이 있습니다. Ivan the Great의 Dzvinitsya"(1915, Tretyakov 갤러리) by A.V. 렌툴로프(1884-1943). Lentulov는 오래된 건축물의 모티브를 기반으로 매우 표현력이 풍부한 이미지를 만들었습니다. 그 조화는 일상적인 사람들의 긴장되고 친절한 동반자, 미친 산업 리듬에 의해 파괴되었습니다.
P.P.의 초상화 이성적이고 해석된 형태에서 입체파에 대한 충실성을 잃은 Falk(1886-1958)(Falk의 "서정적 입체파"에 대해 말할 것도 없이)는 노래하는 위상을 전달하는 미묘한 색상-플라스틱 하모니로 조각화되었습니다. 모델.
A. V. Kuprin(1880-1960)의 정물화와 풍경화는 때때로 서사적인 느낌을 주며, 좀 더 격식을 차리는 경향이 있습니다(“수박, 꽃병, 붓이 있는 정물화”, 1917, Tretyakov Gallery, 후손 “"그림 연습은 무엇을 다루는가? Kuprin의 장식용 속은 자연의 분석적 통찰력과 일치합니다.
위스키의 신비로움과 직결되는 극도로 단순한 형태는 특히 M.F.에서 눈에 띕니다. Larionov (1881-1964), "Jack of Diamonds"의 창립자 중 한 명, 또한 1911년. 이를 깨고 "Donkey's Tail"과 "Target"이라는 새로운 전시회를 조직했습니다. Larionov는 Diaghilev 기업의 연극 예술가처럼 풍경, 초상화, 정물을 그린 다음 지방 거리와 군인 막사를 주제로하는 장르 그림으로 발전합니다. 모양은 납작하고 그로테스크하며 입술은 완전히 양식화되어 어린이의 아기, 부목 또는 관자놀이를 닮습니다. 1913년 Larionov는 그의 저서 "Rayism"을 출판했습니다. 본질적으로 러시아의 주요 창작자는 V. Kandinsky와 K. Malevich였던 추상 신비주의 선언문 중 첫 번째입니다.
아티스트 N.S. Larionov의 분대인 Goncharova(1881-1962)는 특히 시골을 주제로 장르화의 트렌드를 발전시켰습니다. 우리는 Larionov의 신비주의보다 더 장식적이고 야만적이며 내면의 힘과 간결함 뒤에 기념비적 인 그녀의 창의성의 운명을 살펴보면 묻혀있는 원시주의를 예리하게 느낄 수 있습니다. Goncharova와 Larionov의 창의성을 특성화하면서 "신원시주의"라는 용어가 자주 사용됩니다. 사실, 우리는 예술적 빛과 O. Shevchenko, V. Chekrigin, K. Malevich, V. Tatlin, M. Chagall의 다양한 언어 표현 측면에서 가깝습니다. 이들 예술가들 각각(너무 일찍 죽은 체크리긴에게 책임이 있음)은 자신의 강력한 창작 경로를 분명히 알고 있습니다.
M.Z. 샤갈(1887~1985)은 작은 마을 비테브스크 생활의 지루한 적들을 변형시켜 순진하고 시적이고 기괴하고 상징적인 영혼으로 해석한 환상을 창조했습니다. 초현실적인 공간, 밝은 바르비스티니스, 그리고 형식에 대한 망각적인 수용으로 인해 샤갈은 진보된 표현주의와 민속 원시 신비주의 모두에 가까워 보입니다(“나와 마을”, 1911, 뉴욕 현대 미술관, “On d Vitebsk”, 1914). , zіbr.Zak 토론토, "Vinchannya", 1918, Tretyakov 갤러리).
위에서 언급한 '다이아몬드 잭'과 가까운 마스터 중 상당수는 '다이아몬드 잭'(1909)과 거의 같은 시기에 결성된 상트페테르부르크 조직 '청년 연합'의 일원이었습니다. "Union"의 샤갈 크림은 P. Filonov, K. Malevich, V. Tatlin, Y. Annenkov, N. Altman, D. Burlyuk, A. Exter 및 in. 새로운 중력자 L. Zheverzheev가 주연을 맡았습니다. 따라서 Valetians와 마찬가지로 Young Union 회원도 이론 회의를 발표했습니다. 1917년 ob'ednannya가 붕괴되기 전까지 말이죠. '청년연합'은 상징주의, 입체주의, 미래주의, '비객관성'을 강조하는 노래 프로그램을 갖고 있으며, 아티스트들의 창의적 모습을 더욱 창의적으로 드러낸다.
P.N.의 가장 큰 접힘 특성. 필로니프(1883-1941). D. Sarab'yanov는 Filonov의 창의성을 "동일하고 독특하다"고 정확하게 설명했습니다. 이런 의미에서 예술가를 A. Ivanov, N. Ge, V. Surikov, M. Vrubel과 동등하게 두는 것이 공정합니다. 20세기 10년대 러시아 예술 문화에 등장한 Filonov의 기사를 계속 진행하세요. 자연스러운. "스스로 발전하는 형태의 독특한 흐름"(D. Sarab'yanov)에 초점을 맞춘 Filonov는 모든 미래주의에 더 가깝지만 그의 창의성의 문제적 성격은 새로운 것과는 거리가 멀습니다. Shvidshe vin은 말로브니크가 아니라 단어의 주요 의미에 대한 검색을 통해 Khlebnikov의 시적 미래주의에 가깝습니다. “종종 한쪽 가장자리에서 그림을 그리기 시작하여 자신의 창의적 책임을 형태로 옮기는 Filonov는 그들에게 삶에 대해 이야기하며 더 이상 예술가의 뜻에 따르지 않지만 자신의 오만한 손으로 개발하고 변경하고 변경합니다. , 자라다. Filonov의 자체 형태 개발은 정말 놀랍습니다.”(D. Sarabyanov).
러시아의 혁명 이전 암석의 신비로움은 프로그램적 설정과 문체적 공감으로 한 그룹을 변화시키는 예술적 아이디어의 놀라운 복잡성과 매우 다양함으로 나타납니다. 러시아 신비주의 시대의 추상적 형태에 매료된 실험자들 외에도 "예술의 세계"와 "골루보로시브치", "동맹국", "Bubnovoletivtsi"는 동시에 실천을 계속했으며 신고전주의의 강한 흐름을 불어넣었습니다. 무엇, 그러나 "다른 세대"Z.Є의 "세계 신비"에 적극적으로 참여하는 구성원의 창의성은 무엇입니까? 스리브냐코바(1884-1967). 간결한 작음, 눈에 띄게 민감한 플라스틱 성형 및 Serebryakov 구성의 중요성 수준을 갖춘 Serebryakov의 시적 장르 그림은 러시아 신비주의, 최초의 Venetsianova 및 그 이상인 고대 러시아 신비주의의 높은 국가 전통에서 비롯되었습니다 ( "Selyani", 1914, 15, 15 , 오데사 미술관 ;
우리는 국가 전통의 생명력에 대한 빛나는 증거, 위대한 고대 러시아 회화, 예술가 사상가이자 나중에 저명한 예술 대가가 된 Kuzma Sergiyovich Petrov-Vodkin(1878-1939)의 작품을 발견했습니다. 유명한 그림 “붉은 말 목욕”(1912, PT)에서 작가는 이미지 메이킹 은유를 창조하기까지 했습니다. 올바르게 언급한 바와 같이, 밝은 빨간색 말을 탄 청년은 승리한 성 조지(“성 에고르”)의 대중적인 이미지와 실루엣의 우아함, 리드미컬하고 컴팩트한 구성, 강렬함과의 연관성을 불러일으킵니다. 대조되는 색상의 최대 강도, 늙은 러시아 아이콘에 대한 수수께끼의 평탄함을 들립니다. Petrov-Vodkin은 기념비적 캔버스 "Girls on the Volz"(1915, Tretyakov Gallery)에서 조화롭게 계몽 된 이미지를 만들어 냈습니다. 이는 고대 신비주의 전통에 대한 방향을 보여 주며 주인을 올바른 수준의 국적로 인도합니다.
KINTSYA의 러시아 미스터리19- 옥수수 속더블 엑스세기
Kinets XIX-cob XX 센트. 지금은 사회적, 영적 삶의 모든 영역에서 전환점이 되는 시대입니다. 러시아는 혁명을 겪었습니다. W.I는 이렇게 썼습니다. “우리는 폭풍우를 겪고 있습니다. 레닌, 1902년 출생 - 러시아의 역사가 비약적으로 전진한다면 짧은 기간은 10년 이상의 평화로운 기간을 의미합니다.” 이 시간의 역사적 활동과 신비주의의 상호 이해를 이해하는 열쇠는 V.I. L. N. Tolstoy에 관한 유명한 일련의 기사에서 레닌은 다음과 같이 말했습니다. "그리고 우리 앞에는 정말 위대한 예술가가 있기 때문에 혁명의 본질적인 측면에서도 사람들은 그들의 창조물을 속이는 죄를 짓습니다." 그 결과는 톨스토이의 비난에 대한 레닌주의적 해석입니다. “톨스토이의 눈에서 피곤함은 그의 특별한 생각을 지우는 것이 아니라 이러한 고도로 지능적이고 민감한 마음, 사회적 유입, 역사적 전통을 반영하는 것입니다. 개혁을 위한 러시아 영사관, 즉 혁명 이전 시대의 다양한 계급과 다양한 신앙을 가지고 있습니다." 레닌의 전체적인 생각은 신비주의에 대한 역사적 설명의 근본적인 방법론적 원리를 수용하는 것이며, 이를 통해 톨스토이에 대해 언급된 내용을 예술적 창의성 영역으로 확장할 수 있습니다.
그러나 이러한 상황을 이해하고 모든 창작 활동에는 부르주아 질서의 위기나 프롤레타리아 이데올로기 유입의 징후가 즉각적으로 나타난다고 생각하는 것은 쉽지 않습니다. 이는 예술 과정의 주요 경향에서 일반적으로 신비주의가 후기 부르주아 발전의 초자연적 힘의 표현이 된다는 것을 의미하며, 이는 혁명적 진동으로 위협하고 프롤레타리아트처럼 주요 혁명세력으로 매달려 있습니다. 이 루브릭의 깊이와 엄격함의 수준은 신비주의, 그리고 외부의 눈이 볼 수 있는 빛의 오른쪽에 있는 훨씬 더 창의적인 신비주의가 점차 새로운 삶을 묘사하는 불가능함에 의해 압도당하고 있는 것 같습니다. 오래된 사실주의 방법 - 활동 자체의 형태로 활동을 직접 묘사하는 방법. 끊임없는 성찰의 형태보다 현실의 위치를 간접적으로 표현하는 예술적 이미지와 형태의 우선성은 19세기 말과 20세기 초 신비주의의 주요 특징이다.
코르도니 시대의 문화
연대적으로 보면 이 시기는 90년대 초반부터 1917년까지이다. 나는 80년대를 19세기 후반의 사실주의가 정점에 도달한 과도기의 10년으로 묘사할 것이다. Repin과 Surikov의 창의성과 동시에 현 시대에 창조적 개화에 도달한 예술가들의 첫 번째 작품에 대한 새로운 이해의 감각이 엿보입니다.
서스펜스 세력의 양극화와 계급투쟁이 심화되는 마음 속에서 장소에 대한 영양과 신비주의의 역할은 다시 한번 떠오르고 변화하고 있다. 삶 자체는 예술가들 자신이 예리하게 인식하고 이 시대의 가장 위대한 거장인 Vrub El, Levitan의 창의성을 특징으로 하는 복잡하고 세련된 예술적 형태를 향한 추세와 합쳐진 신비주의의 민주화에 영향을 받은 것 같습니다. , Serov, Borisov-Musatov 및 특히 "The Light of Mystery"스테이크의 대표자-방랑자 이후 첫 번째 대규모.
60~70년대 혁명적 상황 이후 러시아는 폭력적인 정치적 반동을 겪었다. 1980년대는 혁명적 포퓰리즘과 방랑자 미학의 기반이 되는 이데올로기적 기반이 위기에 처한 시기였습니다. 이 10년 전체는 동시에 레핀과 수리코프의 작업에서 페레수브니츠키 리얼리즘이 크게 꽃피는 시간이자 위기의 시작이었습니다. 오늘날의 관찰자들은 이미 그것을 개화기 이후에도 살아남은 현상으로 보기 시작했습니다.
1894 년 r. 파트너십의 가장 큰 대표자 인 Repin, Makovsky, Shishkin, Kuindzhi가 학술 교수가되었습니다.
이전 신비주의의 사회적 비판적 파토스는 존재하지 않지만 완전히 변형됩니다. 그것은 환상적 성격에 대한 대중의 지식에서 조화와 아름다움의 이상에 대한 긍정의 형태로 나타나며, 비관적 분위기의 원천이었던 현재 세계 질서에 대한 이러한 영원한 문화 이상에 대한 매력으로 나타납니다. 사실 지적 풍토의 중요한 특징이다. 아름다움이 이 세상의 물질에서 나오는 것이 아니라, 오히려 예술가의 재능과 시적 상상력에 대한 권력의 낭비에서 비롯된다는 증거는 점점 저속하고 우화적이거나 신화적인 주제가 되어가고 있으며 그 구조 자체가 외부 현실의 이미지를 민속 현상 분야로 번역 한 나쁜 생명체는 다음날 이전에 과거와 미지의 것에 대해 추측했습니다.
19세기 중반 사실주의 분석방법. 자신을 위해 살고 있습니다. Postrizhianikh 별명 부르주아지, Nabudosyn, 그다지 도덕적이고 윤리적이지 않음, Socialnna Zabirnnya, Skilki Verisna는 황홀합니다. Golovna는 부르주아 svit의 부르주아를 데려 오기 위해 사악합니다.- Baiduzhniy를 아름답고 위축되고 너무 더럽습니다. 작가의 인본주의적 사명은 이제 신비주의에 접근할 수 있는 방식으로 추구된다. "일어나세요... 위대한 이미지로 깨어난 사람들의 기쁨을 누리세요..." - M. Vrubel이 이렇게 표현했습니다." 가장 일관적인 형태로, 이 문제는 바로 일상생활의 영역인 공리주의적 산문에 대한 억압의 발전으로 축소되었습니다.
삶에 대한 잊혀진 신비주의의 친밀함은 20세기 중반의 예술가들과 방랑자들에 의해 신비주의에서 잊혀진 삶의 이미지로 이해되었지만, 박물관의 벽으로 울타리가 쳐진 이후 신비로움 자체는 상실되었다. 19세기 후반의 예술가들. 신비주의를 삶에 더 가깝게 만드는 공식을 직접적인 의미로 받아들이십시오. 즉, 미리 정해진 신비주의를 삶에 도입하고 아름다움으로 외부 세계로 변형시키는 것입니다.
회화, 조각적 인물은 일상의 언어, 건축물과 눈에 보이지 않는 연관성을 갖고 있기 때문에 미술관을 떠나야 하며, 이는 사람들을 더욱 돋보이게 한다. 그러나 이 예술적 창조물은 그 구조 자체, 형태와 구조의 구성 면에서 극단적인 중간 정도까지 조화를 이루어 하나의 앙상블을 형성할 수 있습니다. 이 전체성은 넓은 신비주의의 전체 영역에 스며드는 형태의 법칙에 의해 부여되는 스타일을 보장하며, 이 스타일은 어떤 종류의 창작이 이루어질 때까지 19세기 말부터 19세기 말까지 예술가들의 직접적인 영향을 받았습니다. 20세기 초. 러시아에서는 아르누보 스타일이라는 이름이 버려졌습니다.
V.I. 레닌, “혁명은 인민의 것이다” 2. 분명히 예술적 지식의 이러한 파괴는 러시아 예술의 발전 과정 전체에 의해 직접적으로 결정된 것으로 즉시 드러났습니다. 분석된 시대의 전환점은 특히 1910년 이후 점진적으로 증가하는 예술적 진화 속도 속에서 내부 갈등의 발전, 이웃 예술 그룹 간의 명백하거나 암시적인 논쟁, 서로 변화의 만화경적 엄격함에 의해 결정되었습니다. 이는 전시 생활의 극단적인 활동에 의해 확인되었으며, 특히 창의적 신비주의, 특히 일상적인 러시아 및 물론 유럽의 영양을 키우는 데 전념하는 정기 및 기타 유형의 이벤트 수의 증가에서 영감을 받았습니다. .
이 과정에서 가장 큰 역할은 18세기 러시아 신비주의에 대한 최신 전시회와 회고전을 주관한 예술가 그룹인 "The World of Mystery"에 의해 수행되었습니다. . 해외 유럽 거장들을 전시회에 초대함으로써 "신비의 빛"은 러시아 신비주의와 현재 외국인 간의 접촉을 확대했습니다. 주요 현상은 유럽의 사립 학교와 스튜디오에서 젊은 러시아 예술가들의 발전입니다. 상트페테르부르크를 중심으로 한 "신비주의 세계"의 활동은 모스크바의 예술 세력 통합 과정을 자극했으며, 이로 인해 1903년에 "러시아 예술가 연합"이라는 새로운 예술 협회가 설립되었습니다. 그래픽 숭배와 직접적으로 연결된 모스크바 말로브니크 학교와 상트페테르부르크 "미리스쿠스니크"의 자만심은 지금 보이는 시대의 신비주의 발전에 필요한 요소로 확인될 수 있습니다.
이 기간의 또 다른 중요한 특징은 다른 유형의 신비주의의 고르지 않은 발전과의 정렬입니다. 그림 옆에는 건축, 장식 신비주의, 책 그래픽, 조각, 연극 풍경이 있습니다. 20세기 중반의 신비로움을 상징했던 이젤화의 패권은 지나가고 있다. 마음 속에서 정체된 창조적 창의성의 영역이 믿을 수 없을 정도로 확장된다면, 그림과 장식 패널을 그리는 것, 책을 위한 삽화와 기념비적인 그림을 만드는 것 등 "모든 것을 할 수 있는" 새로운 유형의 보편적인 예술가가 형성되고 있는 것입니다. , 조각품을 디자인하고 연극 의상을 만드세요. M. Vrubel과 "The World of Mystery"의 예술가들의 작품은 이러한 보편주의의 그림으로 상징됩니다.
산업주의자이자 박애주의자인 S.I.를 중심으로 모인 예술가 집단 사이에서 예술적 보편주의 숭배는 사라졌습니다. Mamontova. 비닉 1872년생 그리고 모스크바 근처 Abramtsevo에있는 그의 "거주"에서 그룹은 새로운 러시아 신비주의의 아이디어와 형태를 만드는 일종의 대장장이가되었습니다. 그룹의 활동은 점차적으로 연극 장식과 장식 신비주의, 민속 신비주의의 부활을 향한 방향을 발전시킵니다. 수공예품이 수집되고 인피, 자수, 장난감, 나무 조각 등 창의적인 작업에 민속 모티브가 사용됩니다.
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